Maribel Verdú

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Nombre real María Isabel Verdú Rollán
Nacimiento Bandera de España Madrid, España
2 de octubre de 1970 (42 años)
Ocupación Actriz
Año de debut 1985
Familia
Cónyuge Pedro Larrañaga
(
1999 - actual)
Premios
Premios Goya Mejor actriz
2012 - Blancanieves
2007 - Siete mesas de billar francés
Premios Ariel Mejor actriz
2006 - El laberinto del fauno
Ficha en IMDb

María Isabel Verdú Rollán, (n. en Madrid, el 2 de octubre de 1970), conocida como Maribel Verdú, es una actriz española ganadora de 2 Premios Goya y del Premio Nacional de Cinematografía en España, y del Premio Ariel en México.

Actualmente, Verdú, pertenece a la Academia de Hollywood, España, México y la europea1 .

Biografía

Inicios

Nació el 2 de octubre de 1970 en en la Clínica San José de la calle Cartagena de Madrid.2 Comenzó su carrera a los trece años de edad apareciendo en varios anuncios de publicidad. Ha actuado en más de 60 películas, la mayoría de ellas españolas, así como en varias series de televisión.

Carrera

Su primera experiencia la tuvo como modelo en spots y catálogos de moda de conocidas firmas comerciales. Su primera oportunidad en televisión se la dio Vicente Aranda con El crimen del capitán Sánchez, con tan solo 13 años.

Fue con 27 horas, de Montxo Armendáriz, donde interpretaba a una chica drogadicta, una de las experiencias más fuertes que le ha tocado vivir, con la que empezó a hacerse notar. Poco después vinieron películas tan importantes como La estanquera de Vallecas, de Eloy de la Iglesia, y El año de las luces, de Fernando Trueba.

Según dijo ella misma, su papel en Amantes, de Vicente Aranda, marca un antes y un después en su carrera cinematográfica y ha supuesto su madurez como intérprete. A partir de entonces ha trabajado con los mejores directores españoles: José Luis Garci, en Canción de cuna; Bigas Luna, en Huevos de oro; de nuevo Trueba, en la oscarizada Belle Époque; Emilio Martínez-Lázaro, en Carreteras secundarias; Carlos Saura, en Goya en Burdeos; Gonzalo Suárez, en El portero y Oviedo Express, entre otros. En el ámbito internacional, destaca su papel protagonista en Y tu mamá también, de Alfonso Cuarón, a la que seguiría El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro. Tras esta película, Maribel ha sido invitada a formar parte de la Academia de Hollywood.

En el teatro debutó en 1986 con el personaje de Julieta y desde entonces ha simultaneado cine y teatro. También ha intervenido en diversas series de televisión como Turno de oficio, Segunda enseñanza, etc.

Maribel Verdú ha sido nominada al Goya en siete ocasiones. Su primera nominación vino de la mano de Vicente Aranda con Amantes, perdiendo el premio frente a Sílvia Munt por su interpretación en Alas de mariposa. Su siguiente nominación fue como actriz de reparto por La Celestina, de Gerardo Vera, perdiendo frente a la veterana Mari Carrillo por Más allá del jardín. Con La buena estrella, de Ricardo Franco, logró su tercera diana, de nuevo perdiendo frente a Cecilia Roth en Martín Hache. En 2006 logró la cuarta, con El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro, perdiendo en esta ocasión frente a Penélope Cruz. Finalmente, y en su quinta nominación, Maribel ha logrado el premio por Siete mesas de billar francés, de Gracia Querejeta. Además del Goya, Maribel posee dos premios Ondas y dos Fotogramas de Plata (de entre siete nominaciones) como mejor actriz de televisión por la serie Canguros y como mejor actriz por Los girasoles ciegos, de José Luis Cuerda, por la que obtuvo su sexta nominación al Goya. Al año siguiente repetiría nominación por la película Tetro de Francis Ford Coppola. El círculo de escritores cinematográficos españoles también la ha premiado como mejor actriz en 1998 por La buena estrella y en 2008 por Siete mesas de billar francés.

Es además la única actriz española que ha ganado el premio Ariel a la mejor actriz en México, por El laberinto del fauno.

Maribel Verdú también ha estado cerca de grandes premios en festivales de cine categoría A, como el de Berlín, cuando en 1991 su compáñera de reparto Victoria Abril se alzaba con el Oso de Plata a la mejor actriz por Amantes. En 2007, y en San Sebastián, también vio cómo otra compañera protagonista de reparto, Blanca Portillo, se llevaba la Concha de Plata a la mejor actriz por Siete mesas de billar francés, quedando ella, de nuevo, sin premio. Finalmente, ganó el Goya a mejor actriz en 2008 por esta película.

En junio de 2009 ha estrenado la nueva película del director Francis Ford Coppola, Tetro, junto a Vincent Gallo y a Carmen Maura.

En octubre de 2008 empezó a representar la obra de teatro de Yasmina Reza Un dios salvaje, junto a Aitana Sánchez-Gijón, Pere Ponce y Antonio Molero, y que ha sido todo un éxito de público y crítica.

Su carrera cinematográfica se ha visto recompensada además con la Medalla de Oro de la Academia Española de Cine y con el Premio Nacional de Cinematografía, convirtiéndose en la sexta actriz que lo logra tras Carmen Maura, Rafaela Aparicio, María Luisa Ponte, Marisa Paredes y Mercedes Sampietro.

A mediados de noviembre de 2009 se anuncia que recibirá el Premio Luis Buñuel junto a Daniel Giménez Cacho en reconocimiento a su trayectoria, durante la segunda edición de la Muestra de Cine Español en México, a celebrarse del 26 de noviembre al 3 de diciembre.3

En octubre de 2010 se hizo pública su participación en el videoclip "Lola soledad", de Alejandro Sanz, y que fue dirigido por Gracia Querejeta4

En 2013, consigue su segundo Goya como mejor actriz protagonista por la película Blancanieves de Pablo Berger en la que da vida a la malvada madrastra, Encarna.

Vida personal

Está casada con Pedro Larrañaga desde el 11 de marzo de 1999, hijo de los actores Carlos Larrañaga y María Luisa Merlo, y hermano de los también actores Luis Merlo, Amparo Larrañaga y Kako Larrañaga.

En su círculo de amigos están actores como Jorge Sanz o José Coronado y actrices como Ariadna Gil5 , Aitana Sánchez Gijón6 , Cayetana Guillén Cuervo7 o Emma Suárez.

Es accionista de la Clínica Premium de Estepona8 .

Filmografía

Las más taquilleras

Televisión

Fija

Episódica

  • Siete vidas (1 cap.: 21-nov-04) con una audiencia de 4.275.000 espectadores (22,5%)

Webseries

  • Llueven vacas (2013)15

Teatro

Premios y candidaturas

Premios Goya

Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor interpretación femenina protagonista Blancanieves Ganadora
2011 Mejor interpretación femenina de reparto De tu ventana a la mía Nominada
2009 Mejor interpretación femenina protagonista Tetro Nominada
2008 Los girasoles ciegos Nominada
2007 Siete mesas de billar francés Ganadora
2006 El laberinto del fauno Nominada
1997 La buena estrella Nominada
1996 Mejor interpretación femenina de reparto La Celestina Nominada
1991 Mejor interpretación femenina protagonista Amantes Nominada

Premios Ariel

Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz protagonista El laberinto del fauno Ganadora

Fotogramas de Plata

Año Categoría Película/Serie/Montaje Resultado
2012 Mejor actriz de cine Blancanieves Ganadora
2009 Tetro Nominada
2008 Los girasoles ciegos Ganadora
Mejor actriz de teatro Un dios salvaje Nominada
2007 Mejor actriz de cine Siete mesas de billar francés Nominada
2006 El laberinto del fauno Nominada
1997 Carreteras secundarias
La buena estrella
Nominada
1994 Mejor actriz de televisión Canguros Ganadora
1993 Mejor actriz de cine Tres palabras Semifinalista (1.ª ronda)
1992 Belle Époque
Salsa rosa
Nominada
1991 Amantes Nominada
1990 Mejor actriz de televisión Pájaro en una tormenta Nominada
1987 Mejor actriz de cine La estanquera de Vallecas Semifinalista
Mejor intérprete de televisión Vida privada Semifinalista
1986 Mejor actriz de cine 27 horas
El año de las luces
Nominada

Premios de la Unión de Actores

Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz protagonista de cine Blancanieves Ganadora
2011 Mejor actriz secundaria de cine De tu ventana a la mía Nominada
2008 Mejor actriz protagonista de cine Los girasoles ciegos Nominada
2007 Siete mesas de billar francés Nominada
2006 El laberinto del fauno Nominada

Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos

Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz protagonista Blancanieves Nominada
2009 Tetro Nominada
2008 Los girasoles ciegos Nominada
2007 Siete mesas de billar francés Ganadora
2006 El laberinto del fauno Nominada
1997 La buena estrella Ganadora

Premios Ondas

Año Categoría Película Resultado
2007 Premio Cinemanía al acontecimiento cinematográfico del año El laberinto del fauno Ganadora
1991 Mejor interpretación Amantes Ganadora

Premios José María Forqué

Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz Blancanieves Ganadora
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz Blancanieves Ganadora21

Festival de Cine Iberoamericano de Huelva

Año Categoría Resultado
2007 Premio Honorífico Ciudad de Huelva Ganadora

Festival de Cine de Alicante

Año Categoría Resultado
2013 Premio de Honor "Ciudad de Alicante" Ganadora

Premios Sant Jordi

Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor actriz española Siete mesas de billar francés, La zona, Oviedo Express y El niño de barro Ganadora

Premios Mestre Mateo

Ano Categoría Película Resultado
2007 Mejor interpretación femenina protagonista El niño de barro Nominada

Premios Gaudí

Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor protagonista femenina Blancanieves Nominada

Festival Solidario de Cine Español de Cáceres

Año Categoría Película Resultado
2007 Premio San Pancracio como Mejor actriz 2006 El laberinto del fauno Ganadora

Premios Valle Inclán de Teatro

Ano Categoría Película Resultado
2008 Mejor interpretación teatral Un dios salvaje Nominada

Premios Ercilla de Teatro

Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor intérprete femenina Un dios salvaje Ganadora
2003 Mejor intérprete femenina Por amor al arte Nominada

Premios Chivas Telón

Año Categoría Resultado
2005 Iniciativa teatral (con Pedro Larrañaga) Ganadora

Festival Internacional de Cine Bajo la Luna Islantilla Cinefórum

Ano Categoría Película Resultado
2012 Premio Luna de Islantilla a la mejor actriz The red virgin Nominada22

Premios Godoy

Año Categoría Película Resultado
2002 María Luisa a la peor actriz protagonista Lisístrata Ganadora

Otros

Curiosidades

Maribel Verdú estuvo casi atada para el papel de Elektra en "Daredevil (capricho de Ben Affleck después de verla en "Y tu mamá también"), pero ella rechazó el papel25 .


Elena Anaya

Elena Anaya.jpg

Nombre real Elena Anaya
Nacimiento Bandera de España Palencia, España
17 de julio de 1975
(38 años)
Ocupación Actriz
Año de debut 1996 - Presente
Familia
Pareja Beatriz Sanchís (2008Presente)
Premios
Premios Goya Mejor Actriz en 2012
Otros premios Premio Málaga en 2012
Elena Anaya Sitio oficial
Ficha en IMDb

Elena Anaya (n. Palencia; 17 de julio de 1975) es una actriz española ganadora de un premio Goya.

Biografía

Sus padres se separaron siendo ella una niña. Estudió en el colegio Santo Ángel de la Guarda, Palencia. En los estudios fue poco aplicada, llegando a repetir cursos y optando, finalmente, por limpiar y cocinar en una pensión para estudiantes propiedad de su madre. Solía ir al pueblo de Otero de Guardo, Palencia con sus padres en verano.

Despertando su oculto interés artístico desde la infancia, en 1996, Anaya se presentó a las pruebas de acceso de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. No las superó. Asistió, entonces, a un curso de interpretación con el actor Manuel Morón como profesor.

Finalmente, pudo ingresar en la RESAD en su segundo intento, pero poco después fue expulsada, al no asistir con asiduidad a las clases (estaba trabajando en la película que supuso su debut en el cine: Familia, de Fernando León). Se matriculó en la escuela de interpretación de Juan Carlos Corazza.

Compaginando estudios y trabajo, llegó a interpretar papeles en el teatro (A bocados, Una luz que ya no está) y en el cine (Las huellas borradas de Enrique Gabriel, Finisterre, Lágrimas negras o Grandes ocasiones).

El reconocimiento nacional llegó con la película Lucía y el sexo, de Julio Médem; donde interpreta a Belén, una niñera morbosa a punto de «lolita». Por esta caracterización, ganó el premio de la Unión de Actores de España y una candidatura al premio Goya. Se consagra, así, como nueva promesa del cine español, recibiendo ofertas de directores reconocidos como Miguel Albaladejo y Pedro Almodóvar.

A partir de 2004 ha realizado varias películas de habla inglesa, como la superproducción de Hollywood Van Helsing de Stephen Sommers, o Dead Fish de Charley Stadler; en esta última, compartiendo cartel con el veterano actor Gary Oldman. Fue considerada, ese año, como una de las mayores estrellas del cine europeo por la European Film Promotion.

En 2006, formó parte del elenco actoral en la producción más cara del cine español: Alatriste, de Agustín Díaz Yanes. Ese mismo año coprotagoniza el vídeo musical SexyBack del cantante de pop Justin Timberlake. En 2010 Anaya es invitada por el Director Julio Medem a participar en el filme Habitación en Roma, en la que se estrenaría como protagonista, compartiendo cartel con la actriz Natasha Yarovenko.

Desde el año 2008 mantiene una relación de pareja con la artista Beatriz Sanchís.1

En 2011, Pedro Almodóvar la seleccionó para ser la protagonista, junto a Antonio Banderas, de su nueva película La piel que habito, aunque en un inicio, cuando la película era sólo un proyecto, el director manchego pensó en Penélope Cruz para el papel protagonista. Por dicho papel acabaría por ganar el premio Goya 2011 a la mejor actriz.2 Ese mismo año reconoció públicamente su homosexualidad.3

En 2012, recibió el Premio Málaga, galardón honorífico del FMCE.4

Filmografía

 

Año Película Director
2013 Pensé que iba a haber fiesta Victoria Galardi
2012 Inertia Gonzalo López-Gallego
2012 Todos están muertos Beatriz Sanchís
2011 La piel que habito Pedro Almodóvar
2010 À bout portant Fred Cavayé
2010 Habitación en Roma Julio Médem
2009 Hierro Gabe Ibáñez
2009 Cairo Time Kathryn
2008 L'Instinct de mort Jean-François Richet
2008 Sólo quiero caminar Agustín Díaz Yanes
2007 Savage Grace Tom Kalin
2007 Entre mujeres Jon Kasdan
2007 Ana y Manuel (cortometraje) Manuel Calvo
2006 Miguel y William Inés París
2006 Alatriste Agustín Díaz Yanes
2005 Frágiles Jaume Balagueró
2005 Dead Fish Charley Stadler
2004 Van Helsing Stephen Sommers
2003 Dos tipos duros Juan Martínez Moreno
2001 La habitación azul Walter Doehner
2001 Rencor Miguel Albaladejo
2001 Hable con ella Pedro Almodóvar
2001 Sin noticias de dios Agustín Díaz Yanes
2000 El árbol del penitente José Mª Borrell
2000 Lucía y el sexo Julio Médem
2000 El invierno de las anjanas Pedro Telechea
1999 Las huellas borradas Enrique Gabriel-Lipschutz
1998 Grandes ocasiones Felipe Vega
1998 Finisterre, donde termina el mundo Xavier Villaverde
1998 Lágrimas negras Fernando Bauluz
1997 Familia Fernando León de Aranoa
1996 África Alfonso Ungría

Premios y candidaturas

Premios Goya

Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor interpretación femenina protagonista La piel que habito Ganadora
2010 Mejor interpretación femenina protagonista Habitación en Roma Nominada
2001 Mejor interpretación femenina de reparto Lucía y el sexo Nominada

Fotogramas de Plata

Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actriz de cine La piel que habito Ganadora
2010 Mejor actriz de cine Habitación en Roma Ganadora

Unión de Actores

Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actriz protagonista de cine La piel que habito Nominada
2010 Mejor actriz protagonista de cine Habitación en Roma Nominada
2001 Mejor interpretación secundaria de cine Lucía y el sexo Ganadora
Festival de Málaga
Año Categoría Película Resultado
2012 Premio Málaga Ganadora

Otros

  • 'Actriz del Siglo XXI' en la Semana de Cine de Medina 2010.5
  • Premio en Sitges a la mejor actriz por Hierro.
  • Premio a la Trayectoria Joven 2005 en el Festival de Cine de Albacete.
  • Candidata a la mejor actriz protagonista en los CEC (Círculo de Escritores Cinematográficos) por La piel que habito.
  • Candidata a la mejor actriz de reparto en los Premios Saturn por La piel que habito
  • Candidata y ganadora a la mejor actriz protagonista en los premios Forqué 2011 por La piel que habito.6

Penélope Cruz

Penélope Cruz TIFF 2012.jpg

Nombre real Penélope Cruz Sánchez
Nacimiento Bandera de España Alcobendas, Madrid, España
28 de abril de 1974 (39 años)
Ocupación Actriz, Cantante
Años activo/a 1989-presente
Características físicas
Estatura 1,68
Familia
Cónyuge Javier Bardem
Hijo/s Leo Encinas Cruz
Luna Encinas Cruz
Premios
Premios Óscar Mejor actriz de reparto
2008 Vicky Cristina Barcelona
Premios BAFTA Mejor actriz de reparto
2008 Vicky Cristina Barcelona
Festival de Cannes Mejor actriz (ex aequo)
2006
Volver
Premios Goya Mejor actriz protagonista
2006 Volver
1998 La niña de tus ojos
Mejor actriz de reparto
2008 Vicky Cristina Barcelona
Ficha en IMDb

Penélope Cruz Sánchez (Alcobendas, Madrid, 28 de abril de 1974) es una actriz y modelo española ganadora del Óscar, dedicada a papeles de cine. Su filmografía incluye múltiples películas en lengua española y un número creciente en otros idiomas: inglés, italiano y francés. Varias de estas producciones han alcanzado un éxito considerable en Europa y América, y han proporcionado a la actriz otros grandes premios, además del Óscar, de carácter nacional e internacional: tres Premios Goya, un Premio BAFTA británico, el Premio David de Donatello italiano.

Penélope Cruz es la única actriz española que ha conseguido estabilizarse y trabajar con continuidad en el mundo anglófono. También es cantante ocasional. En 2006 fue la primera actriz española candidata a los Premios Óscar y a los Globos de Oro en la categoría de Mejor actriz protagonista, por su papel en la película española Volver, dirigida por el cineasta español Pedro Almodóvar, en esa ocasión no obtuvo el Óscar, pero en 2008 se convirtió en la primera actriz española en conseguir el Óscar como mejor actriz de reparto gracias a la película Vicky Cristina Barcelona dirigida por Woody Allen.1 Con esta película ganó además el premio BAFTA y su tercer Goya, y fue nominada a los Globos de Oro y al Screen Actors Guild. Penélope volvió a ser nominada al Óscar como mejor actriz de reparto de 2009 por su papel en Nine.

Biografía

Niñez y adolescencia

Penélope Cruz nació en una familia de Alcobendas (Madrid), formada por Eduardo Cruz, un comerciante que trabajaba en un concesionario de automóviles y proveniente de Alconchel (Extremadura), y Encarnación Sánchez, una andaluza que regentaba una peluquería. Su nombre deriva de una de las canciones favoritas de sus padres, «Penélope», compuesta e interpretada por Joan Manuel Serrat.2 Es mayor que sus dos hermanos: Mónica Cruz, también actriz (de televisión) y Eduardo Cruz, (cantante). También tiene otra hermana, Salma, nacida en 2012, fruto de la relación de su padre con su actual pareja Carmen Moreno.

De pequeña asistió al colegio Juan XXIII. Pronto se sintió atraída por el mundo del arte y la interpretación y, especialmente desde el momento en el que vio la película ¡Átame! de Pedro Almodóvar protagonizada por Victoria Abril, cuando solo tenía trece años. A partir de ese momento decidió ser actriz para poder llegar a cumplir un sueño: trabajar algún día con Pedro Almodóvar. Recibió nueve años de aprendizaje de ballet clásico en el Conservatorio Nacional de Madrid, cuatro años de mejora de la danza en diversos cursos en la Escuela Cristina Rota en Nueva York y tres años de ballet español con Ángela Garrido. También realizó cursos de baile de jazz con Raúl Caballero. Paralelamente estudió interpretación y se presentó a multitud de pruebas y castings para poder comenzar a trabajar en el cine como actriz.

La primera aparición interpretativa de Penélope Cruz fue en el videoclip de la canción La fuerza del destino del grupo pop Mecano. Tras una exhaustiva búsqueda entre más de 200 muchachas, Penélope quedó seleccionada para ser la protagonista de la canción del mítico grupo musical. Posteriormente inició una larga relación con el integrante del grupo Nacho Cano.

Tras ello le surgió la oportunidad de presentar La quinta marcha en Tele 5, un programa de televisión orientado a adolescentes donde coincidió con Jesús Vázquez. Dicha participación le sirvió para acercarse al medio televisivo y posteriormente trabajó en un episodio de la serie de TVE "Serie Rosa" dirigida por Jaime Chavarri y otros componentes.

Carrera cinematográfica

 

La primera película de Penélope Cruz fue El laberinto griego en 1990 dirigida por Rafael Alcázar, y después vino su explosión cinematográfica con Jamón, jamón del director Bigas Luna en 1992, tras ser elegida por dicho director entre multitud de actrices. De esta película, rodada gran parte en Los Monegros (Zaragoza, Aragón), la actriz salió potenciada como una sex-symbol atractiva y sensual debido al contenido erótico que tienen las películas de Bigas Luna. En ella compartió protagonismo con los también por entonces principiantes Javier Bardem y Jordi Mollá. Con esta película fue nominada en la VII edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista y al Fotogramas de Plata a la mejor actriz de cine.

En 1992 también trabaja en un episodio de la serie Framed protagonizada por Timothy Dalton, en la que interpreta el papel de Lola Del Moreno y en Belle Époque de Fernando Trueba, película rodada gran parte en Portugal, que ganó el Premio Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1993, segunda producción española en obtenerlo después de Volver a empezar de José Luis Garci en 1983. En ella compartió reparto con actores como Ariadna Gil, Jorge Sanz, Agustín González, Chus Lampreave o Fernando Fernán Gómez entre muchos otros. Esta película, ganadora de nueve galardones en la VII edición de los Premios Goya de la academia española, se desarrolla durante la Segunda República en los años treinta. En ella Penélope interpretó a una cándida e ingenua muchacha, personaje que le sirvió para huir de su imagen erótica de Jamón, jamón y con el que estuvo nominada al Fotogramas de Plata como mejor actriz de cine.

Tras estas dos películas, con Penélope Cruz nació una nueva promesa del cine español que durante la primera parte de la década de los noventa no paró de trabajar en películas como Por amor, sólo por amor, La rebelde, Todo es mentira, Entre rojas, Allegro ma non troppo, Hablando con los ángeles o El efecto mariposa entre otras. Con todas ellas tuvo contacto con diversos profesionales de nuestro cine y poco a poco su carrera como actriz cinematográfica en España se consolidaba cada vez más.

En 1996 le surgieron dos grandes oportunidades: protagonizar La Celestina, dirigida por Gerardo Vera, en la que trabajó con Terele Pávez, Juan Diego Botto y Maribel Verdú entre otros actores y la comedia romántica El amor perjudica seriamente la salud, de Manuel Gómez Pereira. Con esta película, se consagró definitivamente en el cine español. Esta tuvo mucho éxito de público y crítica, y levantó además mucha expectación ya que fue pionera en el cine español incluyendo a los actores entre imágenes históricas antiguas (siguiendo el ejemplo de Forrest Gump) y debido también a que se utilizaron cuatro intérpretes para los dos personajes principales. Juanjo Puigcorbé y Gabino Diego hicieron el papel masculino de adulto y de joven y Penélope Cruz hizo de joven el papel que de adulta interpretó la cantante y actriz Ana Belén.

Durante muchos años se negó a rodar escenas desnuda, motivo por el cual rechazó los papeles de Días contados, Un paseo por las nubes y Tierra, entre otros. Desde Jamón, jamón no volvimos a verla desnuda hasta Abre los ojos.

Amenábar y Almodóvar. Premio Goya

 

Tras el éxito de El amor perjudica seriamente la salud, Penélope Cruz se convirtió en una actriz popular y solicitada en el panorama cinematográfico español y finalmente en 1997 consiguió su gran sueño: colaborar con un pequeño personaje en una película de Pedro Almodóvar. Fue en Carne trémula, protagonizada por Javier Bardem, Liberto Rabal, José Sancho y Ángela Molina entre otros actores.

En 1997 también protagonizó el papel de Sofía en la película Abre los ojos, dirigida por Alejandro Amenábar donde actuó junto a Eduardo Noriega y Fele Martínez ente otros. Un grandísimo éxito de taquilla que la lanzó de forma culminante a la fama y al prestigio nacional.

Tras estas dos películas, las cuales marcaron un claro punto de inflexión en su carrera cinematográfica nacional, la actriz protagonizó en 1998 la película La niña de tus ojos de Fernando Trueba de nuevo, en la que compartió reparto con actores populares del cine español como Antonio Resines, Jorge Sanz, Loles León, Rosa María Sardá y Santiago Segura entre otros. Con ella logró su primer galardón relevante en la XIII edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista y muchos otros reconocimientos por parte de la crítica y el público, quién la premió con el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de cine. También consiguió un reconocimiento por parte de sus compañeros de profesión con el galardón a la mejor actriz protagonista en la Unión de Actores.

Con estas tres películas se hizo con un lugar de privilegio en el cine español y empezó a rozar el mercado internacional ya que estuvo nominada a nivel Europeo como mejor actriz protagonista por La niña de tus ojos en los Premios del cine europeo.

El salto a Hollywood

Tras el arrollador éxito alrededor del mundo, entre el público y la crítica, de Todo sobre mi madre (donde Cruz interpreta a una monja que se involucra sentimentalmente con un transexual y resulta infectada de VIH/SIDA), que finalmente consiguió con Pedro Almodóvar el tercer Oscar a la Mejor Película Extranjera para España; en el 2000 dio el salto a Estados Unidos codeándose con varios de los ídolos masculinos del momento. Actuó junto a Matt Damon en All the Pretty Horses, con Nicolas Cage en La mandolina del capitán Corelli, con Tom Cruise en Vanilla Sky (remake de Abre los ojos), con Johnny Depp en Blow y con Matthew McConaughey en Sahara, filme de aventuras que alcanzó notable éxito comercial. En 2003 rodó el filme de terror Gothika con Halle Berry y Robert Downey Jr..

Su comentada relación sentimental con Tom Cruise ayudó a hacerla popular entre el público anglosajón, si bien las mejores críticas a su trabajo le seguían llegando gracias a su participación en el cine europeo. En el año 2004 protagonizó la película italiana No te muevas, por la que ganó el premio David de Donatello a la mejor interpretación femenina y fue candidata al Premio Goya a la mejor actriz.

Volver. Primera candidatura a los Premios Óscar

 

La siguiente colaboración entre Pedro Almodóvar y la actriz fue en Volver (2006), película que protagonizó y por la que ganó el premio a la mejor interpretación femenina en el Festival de Cannes de 2006 (compartido con el resto de actrices del filme: Carmen Maura, Chus Lampreave, Lola Dueñas, Blanca Portillo y Yohana Cobo). Gracias a esta película, el 23 de enero de 2007 se convierte en la primera actriz española candidata a un Óscar de Hollywood como mejor actriz principal, compitiendo con Judi Dench, Meryl Streep, Kate Winslet y Helen Mirren, quien resultaría ganadora por The Queen.

En el 28 de enero del 2007, Penélope Cruz obtiene un segundo Goya como mejor actriz protagonista por su papel de Raimunda en Volver. También por este trabajo recibió en el mes de octubre de 2006 el premio a la mejor interpretación femenina en los Hollywood Awards, galardones otorgados anualmente por críticos de cine, productores y directores de festivales.

A continuación rueda Elegy, film inspirado en la novela El animal moribundo, de Philip Roth, junto a Ben Kingsley y Dennis Hopper y dirigida por Isabel Coixet.

Con Woody Allen. Segunda candidatura y primera española ganadora de un Óscar

La actriz protagoniza, junto a Javier Bardem, Scarlett Johansson y Rebecca Hall, la película del director estadounidense Woody Allen titulada Vicky Cristina Barcelona. Se rodó en Avilés, Oviedo y Barcelona en el verano de 2007, y se estrenó en agosto de 2008 en Estados Unidos y en septiembre en España, con buenos resultados de taquilla y mejores críticas fuera de España. El trabajo de Penélope fue elogiado especialmente y motivó su nominación a los Globos de Oro y por segunda vez al Óscar, esta vez como mejor actriz secundaria. Su gran rival Kate Winslet le arrebató el Globo de Oro, pero en los Óscar fueron nominadas en diferentes categorías de tal modo que resultaron ganadoras ambas, cada una en la suya. 2009 sin duda fue el año en que Penélope se consagró como actriz reconocida, al lograr la preciada estatuilla. Muy emocionada, Penélope recordó toda su vida y a su familia y principales apoyos en un medio-breve discurso.

Por este papel, Penélope ya había vuelto a ganar un Goya, el tercero de su historial, en la categoría de Mejor actriz de reparto.

También ha encarnado Penélope uno de los personajes centrales de la decimoséptima película de Pedro Almodóvar, Los abrazos rotos (2009), una historia inspirada en el cine negro de los años 50 en la que también intervienen Blanca Portillo, Lluís Homar, José Luis Gómez y Ángela Molina. Por este papel, Penélope obtuvo su sexta nominación a los Goya.

Nine. Tercera candidatura a los Premios Óscar

En 2009 Penélope se sumó al reparto de la adaptación al cine del musical Nine, bajo la dirección de Rob Marshall. En la cinta comparte cartel junto a un brillante reparto que incluye a los oscarizados Daniel Day Lewis, Marion Cotillard, Sophia Loren, Judi Dench y Nicole Kidman además de la nominada al Óscar Kate Hudson. Por su encarnación de Carla Albanese, la amante del protagonista, la actriz es nominada al Globo de Oro, al Premio del Sindicato de Actores y, por tercera vez en cuatro años, al Óscar.

También en 2009 se estrenó Manolete, películada rodada con Adrien Brody tres años antes, en 2006, y que no había podido estrenarse en su momento por problemas económicos.

En 2010 Penélope Cruz fue considerada la mejor vestida de los Óscar en las dos últimas décadas. En ese mismo año la actriz (candidata al premio Óscar por Nine) fue considerada la mejor representante del estándar de la moda de los Óscar gracias al vestido Versace que lució en la edición de 2007.3

En 2010 se estrenó Sex and the City 2, donde Penélope hace un pequeño papel, interpretando a Carmen, una banquera. En 2011 participó como coprotagonista (junto a Johnny Depp) en una de las entregas de la saga Piratas del Caribe: En aguas peligrosas, filme que superó los mil millones de dólares de recaudación mundial, y que es el mayor éxito comercial de la actriz. Por esas mismas fechas Cruz rodó nuevamente con Woody Allen; en esta ocasión, un papel más secundario en To Rome with Love, película con un extenso reparto que incluye a Alec Baldwin, Roberto Benigni y Ornella Muti.

Entre finales de 2012 y principios de 2013 estrena su nueva película Volver a nacer, una película italiana en dónde fue reconocida por la crítica y obtiene una nueva candidatura al Premio Goya cómo mejor actriz principal. Ha filmado la película The Counselor de Ridley Scott, con su marido Javier Bardem, Cameron Diaz, Brad Pitt y Michael Fassbender que se estrenará en España, el 29 de noviembre.

Trabajos en televisión

  • "Ella y él" - Dir. Jaime Chávarri.
  • "Crónicas urbanas" - Dir. Ricardo Palacios.

Teatro

  • "Don Juan" - Dir. Marta Montblanc.

Imagen pública

 

En 2011 The Telegraph informó las partes del cuerpo más buscados de los ricos y famosos, revelada por dos cirujanos plásticos de Hollywood, que se llevó a cabo en una encuesta entre sus pacientes para construir la imagen de la mujer perfecta. En la categoría del cuerpo más buscado fue la de Penélope Cruz, conocida por su voluptuosa figura, fue votado como el top cuerpo con Gisele Bundchen y Jennifer Aniston también acabando entre los top tres.4

Desnudos en películas

Penélope Cruz declaró que no volvería a hacer un desnudo, tras el de la película española Jamón, jamón (1992) donde se le puede ver desnuda de la cintura para arriba mostrando sus senos. En la escena, el personaje masculino le lame los senos mientras dice "mmm, saben a tortilla" (de huevo). Mantuvo dicha norma durante unos años, hasta que reapareció semidesnuda en la película Volavérunt donde la dirigió Bigas Luna por segunda vez; luego en Abre los Ojos y en su remake titulado Vanilla Sky también aparece semidesnuda. Más recientemente, volvió a desnudarse para la película Elegy de Isabel Coixet, también sale desnuda de cintura para arriba en la película Los abrazos rotos de 2009 dirigida por Pedro Almodóvar.

Comerciales

Penélope Cruz ha sido imagen comercial de diversas marcas, como Coca-Cola, L'Oréal e incluso Nintendo. Junto a su hermana Mónica Cruz es imagen y ha colaborado en la creación de una colección de ropa para Mango. En 2010 sustituyó a Kate Winslet como imagen de Tresor un perfume de Lancôme. En Loewe

Música

Penélope Cruz ha participado en el mundo de la música en varias ocasiones. Una colaboración suya aparece en el disco "Voices of hope" de la Fundación Sabera, en donde canta a dúo con Joan Manuel Serrat la canción por la que fue bautizada así, "Penélope"; y en la comedia musical Nine interpreta el tema "A call from the Vatican". En 2012 colabora junto a Miguel Bosé en su nuevo disco Papitwo cantando una canción con el titulada "Decirnos Adios" y la letra es de su hermano Eduardo Cruz.

Vida personal

El 14 de julio de 2010 se confirmó que Penélope se había casado en secreto a principios de mes con Javier Bardem. en la isla privada de Johnny Depp en las Bahamas. tras 3 años de noviazgo.5

Después de meses de rumores, el 14 de septiembre de 2010, el jefe de prensa de la agencia que representa a Penélope Cruz anunció a través de un escueto comunicado que Penélope Cruz estaba embarazada de 4 meses y medio.6 El 22 de enero de 2011 dio luz a su hijo Leo, en la clínica Cedars-Sinaí, en Los Ángeles (California).7

El 12 de febrero de 2013 Penélope y Javier confirman que esperan su segundo hijo.8

El 22 de julio de 2013 Penélope da luz a su segunda hija llamada Luna, en la clínica Ruber Internacional de Madrid.

Premios y nominaciones

Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz de reparto Nine Nominada
2008 Mejor actriz de reparto Vicky Cristina Barcelona Ganadora
2006 Mejor actriz Volver Nominada
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor actriz de reparto Nine Nominada
2009 Mejor actriz de reparto Vicky Cristina Barcelona Nominada
2007 Mejor actriz - Drama Volver Nominada
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz de reparto Vicky Cristina Barcelona Ganadora
2006 Mejor actriz Volver Nominada
Festival de Cine de Hollywood
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz del año Volver Ganadora
Festival Internacional de Cine de Cannes
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz (en conjunto con el resto de actrices) Volver Ganadora
Premios David de Donatello
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor actriz protagonista No te muevas Ganadora
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor interpretación femenina protagonista Volver a nacer (Venuto al mondo) Nominada
2009 Mejor interpretación femenina protagonista Los abrazos rotos Nominada
2008 Mejor interpretación femenina de reparto Vicky Cristina Barcelona Ganadora
2006 Mejor interpretación femenina protagonista Volver Ganadora
2004 Mejor interpretación femenina protagonista No te muevas Nominada
1998 Mejor interpretación femenina protagonista La niña de tus ojos Ganadora
1992 Mejor interpretación femenina protagonista Jamón, jamón Nominada
Premios del Cine Europeo
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz Volver Ganadora
Premios del Sindicato de Actores
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor reparto Nine Nominada
2010 Mejor actriz de reparto Nine Nominada
2009 Mejor actriz de reparto Vicky Cristina Barcelona Nominada
2006 Mejor actriz Volver Nominada
Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz secundaria Vicky Cristina Barcelona Nominada
2006 Mejor actriz Volver Ganadora
Premios Gaudí
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz secundaria Vicky Cristina Barcelona Ganadora
Premios Fotogramas de Plata
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz de cine Los abrazos rotos Ganadora
2008 Mejor actriz de cine Vicky Cristina Barcelona Nominada
2006 Mejor actriz de cine Volver Ganadora
1998 Mejor actriz de cine La niña de tus ojos Ganadora
1997 Mejor actriz de cine Abre los ojos / El amor perjudica seriamente la salud / Carne trémula / Por amor, sólo por amor Semifinalista
1994 Mejor actriz de cine Alegre ma non troppo / Todo es mentira Nominada
1992 Mejor actriz de cine Jamón, jamón / Belle Époque Nominada
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz protagonista de cine Los abrazos rotos Nominada
2008 Mejor actriz de reparto de cine Vicky Cristina Barcelona Ganadora
2006 Mejor actriz protagonista de cine Volver Ganadora
1998 Mejor interpretación protagonista de cine La niña de tus ojos Ganadora
1992 Mejor interpretación secundaria de cine Belle Époque Ganadora
Premios EñE del cine
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor interpretación femenina protagonista Los abrazos rotos Ganadora
2008 Mejor interpretación femenina protagonista
Mejor interpretación femenina de reparto
Elegia
Vicky Cristina Barcelona
Candidata
Candidata
2006 Mejor interpretación femenina protagonista Volver Ganadora
2004 Mejor interpretación femenina protagonista No te muevas Nominada
1999 Mejor interpretación femenina de reparto Todo sobre mi madre Nominada
1998 Mejor interpretación femenina protagonista La niña de tus ojos Ganadora
1997 Mejor interpretación femenina protagonista Abre los ojos Nominada

Filmografía

Debutó en el cine en 1991 con la película El laberinto griego, de Rafael Alcázar, aunque popularmente se considera como tal su participación al año siguiente en Jamón, jamón, de Bigas Luna. Ha participado en cincuenta películas,9 habiendo trabajado con Bigas Luna, Trueba y Almodóvar en varias ocasiones. Las películas más taquilleras en las que aparece en reparto son Piratas del Caribe ($1,043,871,802)10 , G-Force ($290,000,000),Vanilla Sky ($203,388,341), Gothika ($141,591,324), Sahara ($119,269,486), Vicky Cristina Barcelona ($97,682,199), Volver ($85,585,147) y Blow ($83,282,296).

La actriz interpreta a la hija del pirata Barbanegra en la cuarta entrega de Piratas del Caribe. El filme se estrenó en mayo de 2011 y vuelve a colaborar con Johnny Depp por segunda vez.

Videoclips


Belén Rueda

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Nombre real María Belén Rueda García-Porrero
Nacimiento Madrid, Flag of Spain.svg España
16 de marzo de 1965 (48 años)
Ocupación Actriz
Familia
Pareja Massimo (1984-1986)1
Daniel Écija (1990-2004)2
Roger Vincent (2009 - Presente)
Hijo/s Belén, María (fallecida) y Lucía
Premios
Premios Goya Mejor actriz revelación
2004 Mar Adentro
Ficha en IMDb

María Belén Rueda García-Porrero (Madrid, 16 de marzo de 1965) es una actriz y presentadora de televisión española. Después de una extensa carrera televisiva en series y programas durante más de diez años, Belén Rueda debutó en el cine en 2004 con Mar Adentro, dirigida por Alejandro Amenábar, protagonizó El Orfanato en 2007 y Los ojos de Julia en 2010. Compartió reparto con actores como Javier Bardem o Lola Dueñas y ganó además el premio como mejor actriz revelación en la XIX edición de los Premios Goya.


Biografía

Sus padres eran un ingeniero de caminos y una profesora de ballet. Es la mediana de 3 hermanos. A los 5 años se trasladó con su familia a Alicante debido a un problema de asma de su hermana pequeña.

Estuvo casada con Daniel Écija, con quien ha tenido tres hijas, la segunda de ellas, murió por un problema cardíaco siendo bebé.

A los 18 años, después de terminar COU se marcha a Madrid a estudiar arquitectura. En esa época trabajó como vendedora de pisos, hasta entrar en Tele 5. Debutó como azafata de José Luis Moreno en el programa VIP Noche, ascendiendo con los meses al puesto de copresentadora, ya en la época en que el presentador era Emilio Aragón. Después trabajó para varios programas de la cadena, repitiendo con Emilio Aragón en varias ocasiones. Tras unos años, daría el salto a Antena 3 para trabajar como presentadora en los programas La ruleta de la fortuna, T'a toca'o y Sin ir más lejos.

Después volvería a Telecinco, esta vez para debutar como actriz televisiva. Su primer trabajo fue con su viejo conocido Emilio Aragón, dentro de Médico de familia, donde daría vida a la fotógrafa Clara, personaje que sólo apareció unas semanas, ya que sería trasladado al poco tiempo a la serie Periodistas, en la que trabajó durante cuatro años. Poco después entraría como coprotagonista en Los Serrano, serie en que permaneció desde el 2003 al 2007.

En los últimos años se ha decantado por el cine. Recibió el Premio Goya a mejor actriz revelación en 2004 por su papel de Julia en Mar Adentro de Alejandro Amenábar. Esta película la rodó durante un breve abandono de la serie Los Serrano para regresar a su puesto al finalizar el rodaje. En enero de 2007 debutó en el teatro, con la obra Closer, que ya había sido interpretada en el cine por Julia Roberts. Al iniciar este trabajo, decidió abandonar definitivamente Los Serrano.

En octubre de 2007 se estrenó su segunda película, El Orfanato, dirigida por Juan Antonio Bayona y coprotagonizada por Fernando Cayo, Geraldine Chaplin y Roger Príncep. El Orfanato fue elegida por la Academia Española para representar a España en los Óscar 2008, pero finalmente no fue seleccionada entre las cinco finalistas.

Televisión

Series

Año Serie Personaje
2014-¿? B&B, de Boca en Boca 3 Candela
2012-2013 Luna, el misterio de Calenda Sara Cruz
2011 El barco (Tres episodios) Leonor
2010 La princesa de Éboli (Mini-serie) Ana de Mendoza de la Cerda
2003-2007 Los Serrano Lucía Gómez Casado
2001 7 Vidas(un episodio) Ana Hacha
1998-2002 Periodistas Clara Nadal
1997 Médico de familia (Tres episodios) Clara Nadal

Presentadora

Año Programa Presentadora/Copresentadora
2011 El club de la comedia Participa en un teatro
2009 Saturday Night Live (España) Invitada Especial
2007 Gotas de vida Presentadora (Serie documental)
2001 El club de la comedia Participa en varios teatros
1997 Zip Zap 4 Presentadora
1996 ¿Que apostamos? Invitada Especial
1995-1996 En directo contigo Copresentadora
1995 Sin ir más lejos Copresentadora
1994 Ta tocao Presentadora
1993 Tentación Presentadora
1993 Noche, noche Copresentadora
1992 Tele 5 ¿dígame? Copresentadora
1992 La ruleta de la fortuna Presentadora
1991 Telecupón Presentadora
1990-1992 VIP Noche Copresentadora

Teatro

Año Cortometraje Personaje Director
2011 La caída de los dioses Baronesa Sophie von Essenbeck Tomaz Pandur
2007 Closer Anna Mariano Barroso

Cine

Cortometrajes

Año Cortometraje Personaje Director
2001 Retruc Elsa Francesc Talavera

Largometrajes

Año Película Personaje Director
2013 Ismael Nora Marcelo Piñeyro
2013 Séptimo Delia Patxi Amezcua
2012 El cuerpo Mayka Villaverde Oriol Paulo
2011 No tengas miedo Madre Montxo Armendáriz
2010 Los ojos de Julia Julia Levin / Sara Guillem Morales
2010 El mal ajeno Isabel Oskar Santos
2009 Spanish Movie Laura Javier Ruiz Caldera
2009 Oceanworld 3D Narradora Jean-Jacques y François Mantello
2008 8 citas Elena Peris Romano / Rodrigo Sorogoyen
2008 Madagascar 2 Gloria Eric Darnell / Tom McGrath
2007 Los reyes del Ártico Narradora Sarah Robertson / Adam Ravetch
2007 El orfanato Laura Juan Antonio Bayona
2007 Savage Grace Pilar Durán Tom Kalin
2005 Madagascar Gloria Eric Darnell / Tom McGrath
2004 Mar adentro Julia Alejandro Amenábar

Premios y nominaciones

Premios Goya

Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor interpretación femenina protagonista Los ojos de Julia Candidata
2007 Mejor interpretación femenina protagonista El orfanato Candidata
2004 Mejor actriz revelación Mar adentro Ganadora

Premios Max de Teatro

Año Categoría Obra Resultado
2007 Mejor actriz Closer Nominada

Premios Fotogramas de Plata

Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz de cine El cuerpo Candidata
2010 Mejor actriz de cine Los ojos de Julia Candidata
2007 Mejor actriz de cine El orfanato Ganadora
Mejor actriz de teatro Closer Candidata
2004 Mejor actriz de cine Mar adentro Ganadora
2003 Mejor actriz de televisión Los Serrano Candidata

Premios de la Unión de Actores

Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor actriz protagonista de cine El orfanato Ganadora
2005 Mejor actriz protagonista de televisión Los Serrano Candidata
2004 Mejor actriz revelación Mar adentro Ganadora

Círculo de Escritores Cinematográficos

Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actriz secundaria No tengas miedo Candidata
2007 Mejor actriz protagonista El orfanato Candidata
2004 Mejor actriz revelación Mar adentro Ganadora

Premios ACE

Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor actriz El orfanato Ganadora
2004 Mejor actriz Mar adentro Candidata

Premios Saturn

Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor actriz El orfanato Candidata

Premios Protagonistas

Año Categoría Película Resultado
2007 Premio de cine El orfanato Ganadora

Premios Barcelona

Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor actriz El orfanato Ganadora

TP de Oro

Año Categoría Película Resultado
2003 Mejor actriz Los Serrano Candidata
1994 Mejor Presentadora Ta tocao Candidata

 


Candela Peña

Nombre real Pilar Peña
Nacimiento Gavá (Barcelona), Flag of Spain.svg España
14 de julio de 1973 (40 años)
Características físicas
Estatura 1'56 m
Premios
Premios Goya Mejor actriz de reparto
2012 - Una pistola en cada mano Mejor actriz
2005 - Princesas
Mejor actriz de reparto
2003 - Te doy mis ojos
Ficha en IMDb

Candela Peña, (de nombre artístico Candela Peña y nombre real María del Pilar Peña Sánchez) es una actriz española nacida en Gavá (Barcelona) el 14 de julio de 1973.



Biografía

Hija única, creció en el bar que sus padres regentaban. A los cuatro años de edad recibía clases de ballet en el Instituto de la Danza de Barcelona. Se puso como nombre artístico Candela por un fragmento de la obra La Casa de Bernarda Alba de García Lorca donde decían "¿encendieron la candela?", cuando sus compañeros de instituto le dijeron que Pilar Peña no tenía mucho gancho para una actriz y empezaron a llamarla así. A los 17 acabó COU y se fue al Centro Andaluz de Teatro en Sevilla, y más tarde se fue a Madrid con Juan Carlos Corazza.

Se inició en el cine en 1994, cuando fue seleccionada para el filme Días Contados de Imanol Uribe (donde ya fue nominada para los premios Goya a la Mejor interpretación femenina de reparto y Mejor actriz revelación. Pero cinco años después se consagró con Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar.

Nominada al Premio Goya varias veces, ha obtenido tres veces: en 2003 por "Te doy mis ojos", en 2005 por "Princesas" y en 2012 por Una pistola en cada mano. Además, cuenta con "El Ojo Crítico" de RNE, el Fotogramas de Plata y el Premios Ondas.

Motivada por Pedro Almodóvar, escribió en 2001 la novela Pérez Príncipe, María Dolores.

Filmografía

Filmografía como directora

Premios y candidaturas

Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor interpretación femenina de reparto Una pistola en cada mano Ganadora
2005 Mejor interpretación femenina protagonista Princesas Ganadora
2003 Mejor interpretación femenina de reparto Te doy mis ojos Ganadora
1999 Mejor interpretación femenina de reparto Todo sobre mi madre Nominada
1994 Mejor interpretación femenina de reparto Días contados Nominada
Mejor actriz revelación Nominada
Fotogramas de Plata
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor actriz de cine Princesas Ganadora
2003 Mejor actriz de cine Torremolinos 73 Nominada
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz secundaria de cine Una pistola en cada mano Nominada
2005 Mejor actriz protagonista de cine Princesas Ganadora
2003 Mejor actriz protagonista de cine Torremolinos 73 Nominada
Mejor actriz secundaria de cine Te doy mis ojos Ganadora
1999 Mejor interpretación de reparto de cine Todo sobre mi madre Nominada
1994 Mejor interpretación secundaria de cine Días contados Nominada
Mejor interpretación revelación Nominada
Premis Gaudí
Año Categoría Película Resultado
2013 Mejor actriz secundaria Una pistola en cada mano Ganadora
Premios EñE
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor interpretación femenina protagonista Princesas Ganadora
2003 Mejor interpretación femenina de reparto Te doy mis ojos Ganadora
1999 Mejor interpretación femenina de reparto Todo sobre mi madre Ganadora
Otros

Laia Marull
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Nombre real Laia Marull
Nacimiento Bandera de España Barcelona, España
4 de enero de 1973 (40 años)
Nacionalidad Bandera de España Española
Premios
Premios Goya Mejor actriz
2004 Te doy mis ojos
Mejor actriz de reparto
2010 Pa negre
Mejor actriz revelación
2001 Fugitivas
Ficha en IMDb

Laia Marull (nacida en Barcelona, España, el 4 de enero de 1973) es un actriz de cine y teatro española.

Tras su paso por la escuela de Teatro Nancy Tuñón de Barcelona, debutó como actriz, en 1994, en la teleserie de TV3 Estació d'enllaç, que la hizo popular en Cataluña. Tras esta serie inició en 1996 una fulgurante carrera en el cine español: en apenas 9 años ha participado en 9 películas que le han reportado nada menos que tres premios Goya y una Concha de Plata en el Festival de Cine de San Sebastián.

Filmografía

Teatro

Premios y candidaturas

Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Año Categoría Película Resultado
2003 Concha de Plata a la mejor actriz Te doy mis ojos Ganadora

Premios Anuales de la Academia "Goya"

Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor interpretación femenina de reparto Pa negre Ganadora
2003 Mejor interpretación femenina protagonista Te doy mis ojos Ganadora
2000 Mejor actriz revelación Fugitivas Ganadora

 


Leonor Watling


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Nombre real Leonor Elizabeth Ceballos Watling
Nacimiento Madrid España
28 de julio de 1975 (38 años)
Familia
Cónyuge Jorge Drexler
Hijo/s Luca / Lea
Ficha en IMDb

Leonor Elizabeth Ceballos Watling, más conocida como Leonor Watling (Madrid, 28 de julio de 1975), es una actriz y cantante española.


Biografía

Elizabeth Leonor Ceballos Watling nació en Madrid el 28 de julio de 1975. Es hija de una británica y de un gaditano. Su primer deseo profesional era ser bailarina, a los ocho años comenzó sus estudios de baile clásico pero el sueño se vio truncado por una lesión en la rodilla. Decidida ya a ser actriz, dio sus primeros pinitos en teatro amateur en diversos centros culturales. En 1993 debutó en el cine con Jardines colgantes, de Pablo Llorca. Durante su niñez fue vecina del también actor, conocido por la serie española de televisión "Los hombres de Paco", Federico Celada.

Posteriormente, Leonor se trasladó a Londres para estudiar en el Actor's Center aprovechándose de su segunda lengua materna, el inglés. Tras intervenir en series televisivas como Hermanos de leche, Farmacia de guardia o Querido maestro, Leonor se afianzó en el cine en la segunda mitad de los años 90, especialmente tras ser candidata al Goya a mejor actriz protagonista por La hora de los valientes (1998), de Antonio Mercero, un premio que finalmente ganó Penélope Cruz. Luego protagonizó junto a Cayetana Guillén Cuervo la serie Raquel busca su sitio y la película Son de mar (2001), de Bigas Luna. En 2002 estrenó la comedia A mi madre le gustan las mujeres, de Daniela Fejerman e Inés París, con cuyo papel de Elvira, una neurótica y desequilibrada mujer a la que su madre (Rosa María Sardà) le anuncia que se va a casar con una mujer, repitió nominación al Goya como protagonista. Tampoco se lo llevó en esta ocasión (fue para Mercedes Sampietro), pero sí consiguió el Fotogramas de Plata. Ese mismo año llegaría Pedro Almodóvar con Hable con ella, película que le dio un gran prestigio y en la que interpretaba a una bailarina en estado de coma, un papel con apenas diálogos.

En 2003 intervino en dos películas como actriz de reparto, Mi vida sin mí, de Isabel Coixet y En la ciudad, de Cesc Gay, además de la comedia francesa Mauvais esprit, de Patrick Alessandrin. Después ha protagonizado Inconscientes (2004), de Joaquín Oristrell, Crónicas (2004), un coproducción entre México y Ecuador dirigida por Sebastián Cordero, Malas temporadas (2005), de Manuel Martínez Cuenca y Tirante el Blanco (2006), de Vicente Aranda. Como secundaria ha participado en Salvador (2006), de Manuel Huerga, una película muy dura sobre el último ajusticiado a garrote vil durante la dictadura franquista y Teresa, el cuerpo de Cristo (2007), de Ray Loriga.

Las películas que más recientemente se han estrenado, son: Belle du Seigneur (2007), de Glenio Bonder, Los Crímenes de Oxford (2007), de Álex de la Iglesia y Lezione 21 (2007), de Alessandro Baricco. En ninguna de ellas Leonor es la protagonista y es que recientemente ha declarado que le «ofrecen mejores papeles secundarios que protagonistas». Paralelamente a su carrera cinematográfica, Leonor Watling ha triunfado como cantante y letrista del grupo Marlango, con el que ha editado cinco discos: Marlango (2004), Automatic imperfection (2005), The electrical morning (2007), Life in the treehouse (2010) y Un Día Extraordinario (2012).

Su actual pareja es el cantautor uruguayo Jorge Drexler, con quien tiene dos hijos, Luca, nacido a comienzos de 2009, y Lea, nacida en julio de 2011. Su representante es Mario Vaquerizo.

Filmografía

Discografía

Colaboraciones musicales

Premios y candidaturas

Premios Goya

Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor interpretación femenina protagonista A mi madre le gustan las mujeres Candidata
1998 Mejor interpretación femenina protagonista La hora de los valientes Candidata

Fotogramas de Plata

Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor actriz de cine Malas temporadas Candidata
2002 Mejor actriz de cine A mi madre le gustan las mujeres Ganadora

Unión de Actores

Año Categoría Película Resultado
2003 Mejor actriz de reparto de cine Mi vida sin mí Ganadora
2002 Mejor actriz protagonista de cine A mi madre le gustan las mujeres Candidata

Círculo de Escritores Cinematográficos

Año Categoría Película Resultado
2003 Mejor actriz secundaria En la ciudad
Mi vida sin mí
Ganadora
2002 Mejor actriz A mi madre le gustan las mujeres Candidata

Festival de Cine de Cartagena de Indias

Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor actriz A mi madre le gustan las mujeres Ganadora

Premios Sant Jordi

Año Categoría Película Resultado
1998 Mejor actriz española La hora de los valientes
La primera noche de mi vida
Todas hieren
Ganadora

Enlaces externos


Pilar López de Ayala
Pilar López de Ayala.jpg

Nombre real Pilar López de Ayala Arroyo
Nacimiento Madrid, Flag of Spain.svg España
18 de septiembre de 1978 (34 años)
Ocupación Actriz
Premios
Premios Goya Mejor actriz
2001 - Juana la loca
Ficha en IMDb

Pilar López de Ayala Arroyo (Madrid, 18 de septiembre de 1978) es una actriz española. Empezó trabajando en series de televisión como Menudo es mi padre, dirigida por Manuel Valdivia y Guillermo F. Groizard. De ahí pasó a Al salir de clase y pronto dio el salto al cine con Báilame el agua. Su personaje de Rocío, una gaditana de clase media alta en la película Besos para todos, le valió la nominación al Goya como mejor actriz revelación. Pero su confirmación definitiva vino con el papel protagonista en Juana la Loca de Vicente Aranda, que le valió un premio Goya a la mejor interpretación femenina interpretando a Juana y la Concha de Plata a la mejor interpretación femenina en el Festival de Cine de San Sebastián.

En 2005 estrenó Obaba de Montxo Armendáriz, película por la que obtuvo una nueva nominación en los Premios Goya, esta vez como Mejor actriz de reparto. Obaba fue propuesta por España a los Oscar 2005, aunque finalmente no quedó nominada entre las cinco candidatas a Mejor película extranjera.

Familia

Pilar López de Ayala Arroyo nació en Madrid el 18 de septiembre de 1978. Tiene un hermano, Rodrigo López de Ayala Arroyo, nacido en Madrid el 20 de enero de 1975. Sus padres son Rodrigo López de Ayala Sánchez Arjona (Fregenal de la Sierra, 4 de julio de 1944), descendiente de la nobleza rural de Extremadura con baronía de Sotomaior, pariente de Rodrigo Sánchez-Arjona y Sánchez-Arjona y dos veces descendiente de Cristóbal Colón por Diego Colón, y su mujer Pilar Arroyo Gallego.1

Trayectoria

El primer referente al hablar de la actriz es el de la serie de los años 1990 Al salir de clase. Participó también en Menudo es mi padre con El Fary, en Yo, una mujer con Concha Velasco y en alguno de los primeros capítulos de Hospital Central. En 1995 participó en la película infantil El niño invisible. Entre 1999 y 2000 hizo dos cortos: El paraíso perdido y Aviso de bomba. También en el 2000 hizo un pequeño cameo en la película La gran vida en la que trabajaban Carmelo Gómez y Salma Hayek.

Báilame el agua (2000)

Fue dirigida por Josecho San Mateo y el guion se basó en la novela homónima de Daniel Valdés, que también adaptó el guion. María (Pilar López de Ayala) se va del hogar familiar, procedente del norte por algún problema que le hace no querer hablar con su familia, ni pedir ningún tipo de ayuda, viéndose obligada a soportar una vida dura en Madrid. David (Unax Ugalde) es un chico que también ha abandonado el hogar familiar en busca de una forma de vida muy particular, deseo que sale al exterior en forma de poesía. David y María se enamoran, pero frente a su amor está el universo real llamado Madrid, que les impondrá unas circunstancias que pondrán a prueba su amor. La cinta obtuvo cierto reconocimiento en el festival de cine español de Toulouse, donde Pilar fue premiada por su interpretación así como también obtuvo el premio Sant Jordi.

Besos para todos (2000)

Dirigida por Jaime Chávarri narra las primeras experiencias sexuales en un lupanar, de unos jóvenes de buena familia, que estudian medicina en el Cádiz de los años 1960. La película presenta la división social de una España en pleno franquismo pasando por todos los estamentos sociales de la época, telón de fondo de la historia de amor entre los protagonistas, interpretados por Eloy Azorín (Ramón, chico católico y aplicado) y Emma Suárez (Vicky, prostituta y artista de variedades). Entre los personajes secundarios aparece Rocío (Pilár López de Ayala), una chica de buena familia gaditana cuyo novio la deja embarazada antes de desaparecer, situación insostenible dentro de su contexto social. Rocío intenta conquistar a Ramón y conseguir así un padre para su hijo. Esta actuación le valió la nominación para el Goya a la mejor actriz revelación en el 2000.

Juana la Loca (2001)

El veterano director Vicente Aranda eligió a Pilar López de Ayala para protagonizar Juana la Loca (2001). La actriz encarnaba a Juana de Castilla, apodada “La Loca” por sus manifestaciones histriónicas motivadas por un amor u obsesión hacia el hombre con el que estaba obligada a contraer matrimonio, Felipe I Habsburgo (interpretado por Daniele Liotti), situación que se veía alimentada por las continuas infidelidades de Felipe, apodado “El Hermoso” y la muerte de su madre Isabel La Católica. La relación entre Felipe y Juana está enmarcada por los enfrentamientos políticos entre quienes eran fieles a Castilla y su heredera y quienes querían declarar loca a la reina y encerrar a Juana de Castilla en favor de los intereses de Felipe de Habsburgo. Perfectamente ambientada, el protagonismo absoluto recayó sobre Pilar López de Ayala. Este trabajo le supuso ganar la Concha de Plata del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y el Goya a la mejor actriz protagonista.

El puente de San Luis Rey (2004)

Película basada en la novela homónima del escritor Thornton Wilder, Premio Pulitzer de Narrativa de 1928, éste fue su primer trabajo en inglés, en su papel de actriz de teatro del siglo XVIII.

Obaba (2005)

Obaba es una película del director navarro Montxo Armendáriz basada en la novela Obabakoak, del escritor vasco Bernardo Atxaga, que es una colección de cuentos que tienen como trama marco un lugar llamado Obaba, donde se mezcla magia y realismo. El relato de la maestra que en la película encarna Pilar López de Ayala se llama en el libro Post tenebras spero lucem. Su papel es el de una mujer alejada de su familia y de su novio que tiene que vivir en un pueblo aferrado a una manera de vivir donde la privacidad no existe y el enjuiciamiento al prójimo es práctica habitual. La soledad de la maestra es cada día mayor, y se transforma en una necesidad de encontrar el amor y mitigar el deseo. Por este trabajo, Pilar López de Ayala fue nominada al Premio Goya a la mejor actriz de reparto, que finalmente fue para Elvira Mínguez por su trabajo en Tapas de José Corbacho y Juan Cruz.

Bienvenido a casa (2006)

En 2006 coprotagonizó Bienvenido a casa, escrita y dirigida por David Trueba.

Alatriste (2006)

Después del éxito literario cosechado por las novelas de Arturo Pérez-Reverte, Alatriste se convirtió en el proyecto más caro del cine europeo. Pilar López de Ayala tuvo un pequeño papel, una mujer frágil totalmente sometida a los designios del infame Malatesta.

En la ciudad de Sylvia (2007)

En la ciudad de Sylvia es una película de José Luis Guerín, el director del documental En construcción. Pilar López de Ayala actuó en francés, teniendo que estudiar los diálogos fonéticamente.

Las 13 rosas (2007)

Carlos Fonseca publicó en abril de 2004 13 Rosas Rojas, un libro que cuenta la historia de 13 chicas jóvenes asesinadas por la represión franquista. En 2007 Emilio Martínez Lázaro rodó la película con Pilar López de Ayala en el papel de Blanca Brisac, una madre y esposa católica que durante la guerra se ve obligada a ocultar sus imágenes religiosas, porque era peligroso que éstas fueran encontradas en zonas ocupadas por los republicanos.

Solo quiero caminar (2008)

Película de Agustín Díaz Yanes, Solo quiero caminar es una historia de venganza. Gloria Duque (Victoria Abril) sigue siendo una ladrona y a lo largo de los años ha hecho amistad con otras tres mujeres que la acompañan en sus robos. Pilar López de Ayala es una de las amigas de Gloria Duque, junto con Ariadna Gil y Elena Anaya.

Medianeras (2011)

Película de Gustavo Taretto, Medianeras es la historia de Mariana, Martín y la ciudad. Ambos viven en la misma manzana, el uno frente al otro, en diferentes edificios, pero no pueden encontrarse. Sus caminos se cruzan sin saber el uno del otro. La ciudad los une y a la vez los separa.

Filmografía

Año Título Personaje Director País
2012 Spaz Luna Nicholas Steve Clark Flag of the United States.svg Estados Unidos
2011 Intruders Luisa Juan Carlos Fresnadillo Flag of Spain.svg España
2011 Buenas noches, España Varios Raya Martin Flag of Spain.svg España

Bandera de las Filipinas Filipinas

2011 Medianeras Mariana Gustavo Taretto Flag of Argentina.svg Argentina
2010 Lope Elena Osorio Andrucha Waddington Flag of Spain.svg España
2010 El extraño caso de Angélica Angélica Manoel de Oliveira Flag of Portugal.svg Portugal
2008 Solo quiero caminar Paloma Molina Agustín Díaz Yanes Flag of Spain.svg España
2008 Comme les autres Josefina María Paredes (Fina) Vincent Garenq Flag of France.svg Francia
2007 Las 13 rosas Blanca Brisac Emilio Martínez Lázaro Flag of Spain.svg España
2007 En la ciudad de Sylvia Ella José Luis Guerín Flag of Spain.svg España
2006 Alatriste Mujer de Malatesta Agustín Díaz Yanes Flag of Spain.svg España
2006 Bienvenido a casa Eva David Trueba Flag of Spain.svg España
2005 Obaba Maestra Montxo Armendáriz Flag of Spain.svg España
2004 El puente de San Luis Rey Micaela Villegas (La Perricholi) Mary McGuckian Bandera del Reino Unido Reino Unido

Flag of Spain.svg España

Flag of France.svg Francia

2001 Juana la Loca Juana Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
2000 Besos para todos Rocío Jaime Chávarri Flag of Spain.svg España
2000 Báilame el agua María Josetxo San Mateo Flag of Spain.svg España
2000 La gran vida - Antonio Cuadri Flag of Spain.svg España
2000 Aviso de bomba Natalia Diego Suárez Flag of Spain.svg España
1999 El paraíso perdido - Jaime Marques Flag of Spain.svg España
1995 El niño invisible Hermana Rafael Monleón Flag of Spain.svg España

Televisión

Premios y candidaturas

Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Año Categoría Película Resultado
2001 Concha de Plata a la mejor actriz Juana la Loca Ganadora

Premios Goya

Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor interpretación femenina de reparto Intruders Nominada
2010 Lope Nominada
2005 Obaba Nominada
2001 Mejor interpretación femenina protagonista Juana la Loca Ganadora
2000 Mejor actriz revelación Besos para todos Nominada

Premios de la Unión de Actores

Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor actriz de reparto de cine Lope Ganadora
2005 Mejor actriz secundaria de cine Obaba Nominada
2001 Mejor interpretación protagonista de cine Juana la Loca Ganadora
2000 Mejor interpretación revelación Besos para todos Nominada

 


Carmen Maura
Carmen Maura en 20 minutos.jpg

Nombre real Carmen García Maura
Nacimiento Madrid, Flag of Spain.svg España
15 de septiembre de 1945 (67 años)
Ocupación Actriz
Familia
Cónyuge Francisco Forteza Pujol
(
1966-1970)1
Hijo/s Carmen y Pablo2
Premios
Festival de Cannes Mejor actriz (ex aequo)
2006
Volver
Festival Internacional de San Sebastián Concha de Plata a la mejor actriz
2000 La comunidad
Premios Goya Mejor actriz de reparto
2006 Volver
Mejor actriz
2000 La comunidad
1990 ¡Ay, Carmela!
1988 Mujeres al borde de un ataque de nervios
Premios César Mejor actriz secundaria
2012 Las chicas de la sexta planta
Otros premios Premio Málaga en 2007
Premio Donostia en 2013
Ficha en IMDb

Carmen García Maura, conocida como Carmen Maura (n. Madrid, 15 de septiembre de 1945), es una actriz española. Es una de las actrices más consagradas de España, que ha desarrollado su carrera tanto en su país natal como en Francia, con gran éxito en ambos. Lo que le ha hecho merecedora de cuatro premios Goya, récord solo igualado en el cine español por la actriz Verónica Forqué, y un premio César del cine francés. Así como del premio a la mejor actriz del prestigioso Festival de Cannes. Durante años fue la actriz más galardonada por la Academia del Cine Europeo (1988, 1990), honor que en la actualidad comparte con las actrices Isabelle Huppert y Juliette Binoche.

Algunas de las películas más importantes en las que ha intervenido son ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, Mujeres al borde de un ataque de nervios, ¡Ay, Carmela!, Sé infiel y no mires con quién, La comunidad, 800 balas, Volver o Las chicas de la sexta planta.

También es conocida por ser la primera actriz vinculada profesionalmente con el famoso director de cine español Pedro Almodóvar, siendo la primera en recibir el sobrenombre de "chica almodóvar". A raíz de sus memorables trabajos y extensa carrera, es considerada por los medios y la crítica como una de las grandes actrices de Europa.

Carmen Maura forma parte de la dinastía Maura. Es bisnieta de Bartolomé Maura y Montaner, conocido grabador de su época y hermano del político Antonio Maura y Montaner.

Primeros años

Carmen Maura nació el 15 de septiembre de 1945 en el barrio de Chamberí de Madrid, hija de Salvador García Santa Cruz, médico oftalmólogo, y de Carmen Maura Arenzana, nieta tanto de los condes de Fuente Nueva de Arenzana como de Bartolomé Maura y Montaner. En su niñez, tenía por vecinos en su casa de la calle Rafael Calvo al dramaturgo y escritor Edgar Neville y la actriz Conchita Montes. Comenzó sus primeros estudios en el madrileño colegio San José de Cluny, para después graduarse en Letras Francesas por el Instituto Católico de París con sede en Madrid. En 1966 se casó con el abogado Francisco Forteza Pujol y tuvo dos hijos, Carmen y Pablo.3

Comenzó a actuar en el Teatro Español Universitario como aficionada hasta el momento en que el crítico teatral Alfredo Marquerie le aconsejó dedicarse por entero a la interpretación dada su valía.

Pese a no contar con el apoyo familiar, trabaja en café-teatro, hace pequeños papeles en televisión y realiza giras teatrales en compañías independientes de poca resonancia. Logra su primer papel importante sustituyendo a Amparo Pamplona en la obra Hay una luz sobre la cama (1969) y comienza a aparecer en cine en personajes secundarios (El asesino está entre los trece, de Javier Aguirre; Un casto varón español, de Jaime de Armiñán; La petición, de Pilar Miró, etc.).

Sus primeros papeles protagonistas en el cine son Tigres de papel (1977) y ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste? (1978), ambas de Fernando Colomo.

En 1977 protagoniza el montaje teatral Las manos sucias, de Jean-Paul Sartre, junto a José Luis Pellicena y Enrique Diosdado y conoce a Pedro Almodóvar, que interpreta un pequeño papel. Su gran amistad y entendimiento profesional da sus frutos durante la siguiente década. Primero en cortometrajes, mediometrajes y colaboraciones de poca entidad como Folle, folle, fólleme Tim, hasta que Maura protagoniza el primer largometraje dirigido por Almodóvar, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón. El rodaje dura más de un año por las dificultades técnicas y económicas, pero finalmente se estrena en salas comerciales cosechando críticas y elogios.4

El público de la movida madrileña se sintió identificado y convirtió la película en el estandarte del movimiento social de los años ochenta y se presentó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. A pesar de que el gran público miraba a Pedro Almodóvar como un moderno desbocado y gran parte de la crítica lo observaba con cierto recelo, Pedro tuvo su primer éxito con su gente, los que habían participado en la película, algunos de ellos muy próximos a la movida, como por ejemplo la cantante Alaska. Sus libertades a la hora de mostrar temas comprometidos como las drogas o el sexo hicieron que tuviera grandes dificultades para que se le empezara a tomar en serio dentro del cine.

La fama en los años 80

A raíz de sus colaboraciones televisivas como actriz tuvo la oportunidad de conocer al fallecido periodista Fernando García Tola, el cual la contrató para que trabajara en el programa de entrevistas Esta noche. Con este programa se dio a conocer entre el público español en la década de los años ochenta y protagonizó la famosa frase que le dirigía Tola a Maura: "Nena, tu vales mucho". En el cine y en la televisión siguió desempeñando su labor como actriz, tanto dramática en El crimen de la calle Fuencarral de la serie La huella del crimen o como cómica en El Cid cabreador, ambas del cineasta Angelino Fons.

A mediados de los ochenta, Pedro Almodóvar volvió a confiar en Carmen para su película Entre tinieblas, una película arriesgada y controvertida en aspectos religiosos en la que trabajo con actrices como Julieta Serrano, Marisa Paredes, Berta Riaza o Chus Lampreave. Y unos años más tarde, Carmen y Pedro estrenaron ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, película que contó con la también colaboración de actores como Ángel de Andrés López, Chus Lampreave, Gonzalo Suárez, Amparo Soler Leal y Verónica Forqué, entre otros. En ella, Carmen Maura pudo realizar una de sus interpretaciones más logradas en el cine y a partir de ese momento, Carmen y Pedro se convirtieron por excelencia en la pareja director - actriz más prolífica del cine español. El éxito de Pedro alcanzó al público convencional y se le empezó a mirar con otros ojos y el éxito internacional empezaba a asomar la cabeza. Carmen recibió diferentes premios nacionales por su interpretación, entre los cuales destaca el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de cine por votación de los lectores.

Carmen y Pedro realizaron otras tres películas más hasta finales de los años ochenta: Matador, rara película de suspense en la que realizó un personaje secundario junto a Nacho Martínez, Assumpta Serna y Antonio Banderas; La ley del deseo, arriesgada, libre y transgresora película que mostró por primera vez con claridad y sin prejuicios la homosexualidad, donde Carmen interpretaba el papel de un transexual, al lado de Eusebio Poncela y Antonio Banderas como protagonistas; y finalmente, la película cumbre del tándem Almodóvar - Maura, la disparatada comedia Mujeres al borde de un ataque de nervios, en la cual Carmen volvió a deslumbrar al público y a la crítica con su interpretación. La película fue un verdadero triunfo y su éxito se disparó tanto en España como en el extranjero, llegando incluso a ser candidata al Óscar de la Academia de Hollywood como mejor película de habla no inglesa. La película dio la vuelta al mundo ganando premios allá por donde iba y las carreras cinematográficas de sus actores se vieron lanzadas al éxito rotundo. Carmen logró el Premio Goya de la academia como mejor actriz protagonista y Felix (Premios del Cine Europeo) como mejor actriz europea.

Pero a pesar de su éxito al lado de Pedro Almodóvar, Carmen Maura también hizo otras muchas películas durante los ochenta como por ejemplo Bâton Rouge de Rafael Monleón, junto a Victoria Abril y Antonio Banderas; Tata mía de José Luis Borau, con Imperio Argentina, Alfredo Landa y Miguel Rellán; o Sé infiel y no mires con quién de Fernando Trueba, junto a Ana Belén, Antonio Resines, Santiago Ramos, Verónica Forqué o Chus Lampreave. También tuvo la oportunidad de protagonizar la ópera prima de la actriz y cantante Ana Belén con la película Cómo ser mujer y no morir en el intento, basada en la novela de Carmen Rico Godoy.

Desgraciadamente, la fantástica relación profesional entre Almodóvar y la Maura se desintegró y se rompió por motivos no demasiado claros y hasta 2006, con la película Volver, no volvieron a trabajar juntos.

De ¡Ay, Carmela! a Coppola

Carmen siguió demostrando su talento en la década de los 90, y su trabajo en otros muchos trabajos cinematográficos le valió muchísimos más éxitos. Para empezar, en el año 1990, tras la reciente ruptura con Almodóvar protagonizó la película ¡Ay, Carmela! de Carlos Saura, junto a Andrés Pajares y Gabino Diego. Ambientada durante la Guerra Civil Española, esta película fue el otro gran triunfo de Carmen junto con Mujeres al borde.... Volvió a recibir premios aquí y allá, entre ellos de nuevo el premio Goya y el Felix. La película estuvo considerada como la mejor del cine de Saura y batió un récord en la historia de los Premios Goya que duraría hasta el año 2004 con Mar adentro.

Durante toda la década de los años noventa, Carmen no paró de realizar largometrajes tanto en España como en el extranjero, donde su prestigio había llegado con gran fortuna, especialmente en Francia, donde sus trabajos fueron muy reconocidos. Llegó incluso a ser candidata en los Premios César (los "Goya" franceses), como mejor actriz de reparto por la película Le bonheur est dans le pré (La alegría está en el campo) y fue condecorada con el título de caballero de honor de las artes y las letras de Francia. Su éxito se trasladó a otros países como Italia, Inglaterra y a la zona de Hispanoamérica, pasando por Chile y Argentina. Pero aun así, ella siempre dio prioridad a los trabajos que venían de España.

A pesar de tener una mayor predilección a las comedias, sus papeles dramáticos fueron los que más logros le dieron. Papeles como los de Sombras en una batalla de Mario Camus (1993) o Lisboa de Antonio Hernández (1999), películas por las que fue nominada al Goya como actriz protagonista. Pero sin duda alguna, su tercer gran triunfo en su carrera fue su papel en La comunidad de Álex de la Iglesia en el año 2000. En esta película compartió reparto con Emilio Gutiérrez Caba, Terele Pávez y Sancho Gracia pero sobre todo le hizo frente a un difícil protagonismo que le dio más que satisfacciones: su tercer Goya, la Concha de Plata a la mejor actriz en San Sebastián, el Fotogramas de Plata, el premio de la Unión de Actores,...

Durante la década de los años noventa también experimentó otros registros en otros ámbitos como el teatro, del cual se había apartado desde sus comienzos. En este ámbito trabajó en Francia, y aunque también trabajó en televisión en la serie A las once en casa, con Antonio Resines y Ana Obregón, ella siempre prefirió el cine. En este ámbito siguió trabajando en la comedia, su género preferido, en películas como Reinas de Manuel Gómez Pereira, junto a actrices como Verónica Forqué, Mercedes Sampietro y Marisa Paredes o Carretera y manta, con Eduardo Noriega y Natalia Verbeke. Pero no dejó a un lado el drama, género en el que hizo películas como Clara y Elena, con Verónica Forqué y Jorge Sanz; La promesa, de Héctor Carré junto a Ana Fernández; o 25 grados en invierno, una producción belga que triunfo en Berlín. También realizó una miniserie de épocas para TVE basada en la obra de Vicente Blasco Ibáñez Arroz y tartana, desarrollada en la Valencia del siglo XIX y en la que pudo trabajar con Pepe Sancho y Eloy Azorín.

Como actriz activa en el cine francés, Carmen Maura también tuvo el honor de trabajar al lado de Gérard Depardieu en la película de suspense Silencio pactado. Entre sus trabajos en el extranjero, se podrían destacar la sentimental película de Alejandro Agresti El sueño de Valentín, la chilena El entusiasmo, junto a Maribel Verdú, Zona libre, película en la que trabajo con la prometedora actriz norteamericana Natalie Portman, o El harén de Madame Osmane, una producción israelí.

En 2006 protagonizó el reencuentro más esperado del cine español: Pedro Almodóvar y ella se volvieron a unir en el rodaje de Volver, película en la que ha trabajado con Penélope Cruz, Blanca Portillo, Lola Dueñas, Yohana Cobo y Chus Lampreave, actrices con las que compartió el premio a la mejor interpretación femenina en el Festival de Cannes.

Posteriormente rodó la serie Círculo rojo, junto con María Adánez, Emilio Gutiérrez Caba y María Botto entre otros, emitiéndose en Antena 3.

Fue la madrina de la edición del año 2007 del Madrid de Cine – Spanish Film Screenings, inaugurado por ella el día 4 de junio del mismo año.

En abril de 2008, fue convocada por Francis Ford Coppola para participar en su próximo proyecto, Tetro, en sustitución de Javier Bardem, quien tuvo que renunciar a su papel por problemas de agenda. Para hacer posible esta sustitución, Coppola modificó el papel pensado para Bardem en un personaje femenino apto para Maura. Además, durante los cambios que él hace siempre en el guion en el periodo de filmación, se dio cuenta de que el personaje aportaría más a la película si fuera una mujer, en vez de un hombre.

Últimos trabajos

Entre sus últimos trabajos, se cuentan apariciones en Las chicas de la sexta planta (2010), película por la que obtiene el premio de cine francés (César) como actriz secundaria,5 Chicas (2010), dirigida por la autora Yasmina Reza, el debut de la actriz María Adánez como directora en el cortometraje 5ºB Escalera Dcha (2010), y en la película colombiana Sofía y el terco (2012).

También participa en varios trabajos en televisión, como la versión española de la mítica serie Las chicas de oro (2010), Stamos okupa2 (2012) y Carta a Eva (2012), una miniserie de dos episodios dirigida por Agustí Villaronga, que reconstruye el viaje que hizo Eva Perón a España.

En 2011 se confirmó que volvería a trabajar con Álex de la Iglesia en la película Las brujas de Zugarramurdi (2013), una comedia de terror ambientada en la actualidad, que toma su título del caso real por el que la Inquisición condenó a morir en la hoguera a unas vecinas de Logroño acusadas de brujería.6

En 2013 el Festival Internacional de Cine de San Sebastián le otorga el Premio Donostia en reconocimiento a su extensa trayectoria cinematográfica, siendo el primero a una actriz española y el cuarto para un español tras los de Fernando Fernán Gómez (1999), Francisco Rabal (2001) y Antonio Banderas (2008).7

Filmografía parcial

Televisión

Teatro

Premios y candidaturas

Premios César
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz secundaria Las chicas de la sexta planta Ganadora
1996 Mejor actriz secundaria Le bonheur est dans le pré Candidata
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor interpretación femenina de reparto Volver Ganadora
2000 Mejor interpretación femenina protagonista La comunidad Ganadora
1999 Mejor interpretación femenina protagonista Lisboa Candidata
1993 Mejor interpretación femenina protagonista Sombras en una batalla Candidata
1990 Mejor interpretación femenina protagonista ¡Ay, Carmela! Ganadora
1988 Mejor interpretación femenina protagonista Mujeres al borde de un ataque de nervios Ganadora
Premios del Cine Europeo
Año Categoría Película Resultado
2000 Premio Jameson del público a la mejor actriz europea La comunidad Candidata
1990 Premio Félix a la mejor actriz europea ¡Ay, Carmela! Ganadora
1988 Premio Félix a la mejor actriz europea Mujeres al borde de un ataque de nervios Ganadora
Fotogramas de Plata
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz de cine Volver Candidata
2000 Mejor actriz de cine Carretera y manta
El harén de Madame Osmane
La comunidad
Ganadora
1998 Mejor actriz de televisión A las once en casa Ganadora
1993 Mejor actriz de cine Sombras en una batalla Finalista
1992 Mejor actriz de cine Entre el cielo y la tierra
La reina anónima
Candidata
1990 Mejor actriz de cine ¡Ay, Carmela! Ganadora
1990 Mejor actriz de televisión La mujer de tu vida: La mujer feliz Candidata
1988 Mejor actriz de cine Bâton Rouge
Mujeres al borde de un ataque de nervios
Ganadora
1987 Mejor actriz de cine Delirios de amor
La ley del deseo
Candidata
1986 Mejor actriz de cine Matador
Tata mía
Candidata
1985 Mejor actriz de cine Extramuros
Sé infiel y no mires con quién
Candidata
1984 Mejor actriz de cine ¿Qué he hecho yo para merecer esto? Ganadora
1981 Mejor intérprete de televisión Esta noche Ganadora
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz protagonista de cine Que parezca un accidente Candidata
2006 Mejor actriz secundaria de cine Volver Candidata
2000 Mejor interpretación protagonista de cine La comunidad Ganadora
1998 Mejor interpretación protagonista de televisión A las once en casa Candidata
Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz secundaria Volver Ganadora
2000 Mejor actriz La comunidad Ganadora
1990 Mejor actriz ¡Ay, Carmela! Ganadora
Premios Cóndor de Plata
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor actriz de reparto El sueño de Valentín Candidata
2002 Mejor actriz Arregui, la noticia del día Candidata
Premios Mestre Mateo
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor interpretación femenina protagonista El menor de los males Candidata
2004 Mejor interpretación femenina protagonista La promesa Candidata
Premios Ondas
Año Categoría Película Resultado
1981 Nacionales de televisión Esta noche Ganadora
Premios TP de Oro
Año Categoría Película Resultado
1981 Personaje más popular Esta noche Ganadora
Festival Internacional de Cine de Cannes
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz (ex aequo) Volver Ganadora
Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Año Categoría Película Resultado
2013 Premio Donostia Ganadora
2000 Concha de Plata a la mejor actriz La comunidad Ganadora
Festival Internacional de Cine de Locarno
Año Categoría Resultado
2007 Locarno Excelence Award Ganadora
Festival Internacional de Cine de Valladolid
Año Categoría Resultado
2008 Espiga de Honor Ganadora
Festival de Málaga de Cine Español
Año Categoría Resultado
2007 Premio Málaga Ganadora
Festival de Televisión de Montecarlo
Año Categoría Película Resultado
2004 Ninfa de Oro a la mejor actriz Arroz y tartana Ganadora
Festival de Cine de Islantilla
Año Categoría Película Resultado
2012 Premio Luna de Islantilla a la mejor actriz8 5ºB Escalera Dcha Candidata
Otros reconocimientos

Cecilia Roth
Ceciliarothsequence.jpg

Nombre real Cecilia Edith Rotenberg Gutkin
Nacimiento Bandera de Argentina Buenos Aires, Argentina
8 de agosto de 1956 (57 años)
Familia
Pareja Gonzalo Gil (?–1992)
Fito Páez (1992–2001)
Gonzalo Heredia (2009-2010)
Hijo/s Martin Paez Rotenberg
Premios
Premios Goya Mejor actriz
1999 Todo sobre mi madre
1997 Martín (Hache)
Premios Cóndor de Plata Mejor actriz
1998 Martín (Hache)
1993 Un lugar en el mundo
Otros premios Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2008
Ficha en IMDb

Cecilia Edith Rotenberg Gutkin (Buenos Aires, 8 de agosto de 1956), conocida como Cecilia Roth, es una actriz argentina, ganadora de dos Premios Goya y un Premio del Cine Europeo. Es hermana del músico Ariel Rot.


Biografía

Su padre Abrasha Rotenberg, era un ucraniano de origen judío que se estableció en los años 30 en Buenos Aires, donde trabajó como escritor, editor y periodista. La madre de Cecilia, la cantante Dina Rot, nació en Mendoza y pasó su infancia en Santiago de Chile.1 Su hermano Ariel Rot es también músico y reside en España.

Comienza como actriz en su país hasta que en 1976 se establece en España huyendo de la Dictadura militar. No ha dejado de trabajar allí pese a triunfar plenamente en el cine español desde sus primeras apariciones en Las verdes praderas, de José Luis Garci; Arrebato, de Iván Zulueta o Laberinto de pasiones, de Pedro Almodóvar.

Entre sus películas más relevantes cabe señalar Un lugar en el mundo y Martín (Hache), ambas de Adolfo Aristarain, así como su papel protagonista en Todo sobre mi madre, también de Almodóvar, con ambos directores obtiene sendos premios Goya a la mejor actriz.

En televisión protagonizó la telenovela Por amor junto a Arnaldo André y Marita Ballesteros y las unitarias Nueve lunas, Laura y Zoe junto a Susú Pecoraro y Tratame bien junto a Julio Chávez.

Estuvo casada con el cantautor Fito Páez con quien tiene un hijo adoptado, Martín; antes se había unido en matrimonio con Gonzalo Gil. Tuvo una relación con el joven actor argentino Gonzalo Heredia hasta mediados de 2010.2

Además de hacer cine y televisión, también se ha dedicado a hacer teatro tanto en Argentina como en España. Actualmente se encuentra trabajando en la obra de Philippe Blasband, Una Relación Pornográfica junto a Darío Grandinetti.

Filmografía

Premios y candidaturas

Premios Anuales de la Academia "Goya"

Año Categoría Película Resultado
1999 Mejor interpretación femenina protagonista Todo sobre mi madre Ganadora
1997 Mejor interpretación femenina protagonista Martín (Hache) Ganadora
Premios Cóndor de Plata
Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor actriz de reparto Sofacama Nominada
2002 Mejor actriz protagonista Antigua vida mía Nominada
2001 Mejor actriz protagonista Una noche con Sabrina Love Nominada
1998 Mejor actriz protagonista Martín (Hache) Ganadora
1993 Mejor actriz protagonista Un lugar en el mundo Ganadora
Fotogramas de Plata
Año Categoría Película Resultado
1999 Mejor actriz de cine Todo sobre mi madre Ganadora
Premios Martín Fierro
Año Categoría Programa Resultado
2009 Actriz protagonista de unitario y/o miniserie Tratame bien Ganadora
2008 Actriz protagonista de unitario y/o miniserie Epitafios Nominada
Otros

 


Ángela Molina

Nacimiento Madrid, Flag of Spain.svg España
5 de octubre de 1955 (57 años)
Ocupación Actriz
Año de debut 1974
Familia
Cónyuge Leo Blakstad (1995- )
Hervé Tirmarche (197?-1991)
Hijo/s 5
Premios
Festival Internacional de San Sebastián Concha de Plata a la mejor actriz
1986 - La mitad del cielo
Otros premios David de Donatello a la mejor actriz
1986 - Camorra: Contacto en Nápoles (Un complicato intrigo di donne, vicoli e delitti)
Premio Málaga - 2002
Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2002
Ficha en IMDb

Ángela Molina Tejedor (Madrid, 5 de octubre de 1955) es una actriz española perteneciente a una conocida saga de artistas. Sus comienzos cinematográficos, que incluyen trabajos para Luis Buñuel y Manuel Gutiérrez Aragón, la convierten en una de las actrices más representativas de la Transición Española. Rueda también en Italia, Francia y Latinoamérica, superando el centenar de películas y atesorando premios como el David de Donatello de la Academia italiana y la Concha de Plata del Festival de San Sebastián.1


Biografía

Nace en Madrid el 5 de octubre de 1955. Tercera de los ocho hijos del cantante y actor Antonio Molina, sus hermanos Paula, Miguel, Mónica y Noel también se dedican a la interpretación y a la música. Su hija Olivia Molina es igualmente actriz.

Comienzos

Estudia ballet clásico, danza española y Arte Dramático en la Escuela Superior de Madrid. Trabaja en un circo en Francia y ejerce como profesora de baile clásico español antes de aparecer en su primera película, No matarás (César F. Ardavín, 1974), a raíz de un reportaje fotográfico publicado en Fotogramas. A punto de cumplir diecinueve años, en adelante su dedicación al cine es absoluta.

Llegada la Transición, trata de desvincularse del auge comercial del destape y enfoca su carrera hacia producciones que reúnan cierta calidad y compromiso, a menudo de temática social, política o histórica, motivada por el pensamiento que acompaña cada guion.2 3

En 1976 rechaza protagonizar Cambio de sexo, de Vicente Aranda, mientras asume papeles relevantes en La ciutat cremada, de Antoni Ribas y en Las largas vacaciones del 36, de Jaime Camino. Un año antes es propuesta para el papel que interpreta Alicia Sánchez en Furtivos, de José Luis Borau, con quien más tarde trabaja en La Sabina (1979).

Luis Buñuel la elige en 1977 para protagonizar, junto a Fernando Rey, Ese oscuro objeto del deseo, película que le proporciona renombre internacional y le abre las puertas de la cinematografía europea. En ella comparte personaje con la actriz francesa Carole Bouquet y exhibe un temperamento vivo y enigmático, que luego trata de combinar con su aspecto dulce y suave. Buñuel afirma de ella que posee «el rostro de una virgen pagana», afianzando así el mito de mujer instintiva y pasional que conserva en su mirada cierto primitivismo.4

Reconocimiento internacional

Por entonces y a lo largo de la década de 1980, Ángela Molina se convierte en rostro habitual de la gran pantalla, reafirma su presencia en España y la amplía en Francia e Italia, con incursiones en el cine alemán y norteamericano. Habla varios idiomas, por lo que a menudo no necesita ser doblada. Interviene en Operación Ogro, de Gillo Pontecorvo; en Bearn o La sala de las muñecas, de Jaime Chávarri, encarna a La Bella Otero en una coproducción española para la televisión italiana y rueda a las órdenes de Jaime de Armiñán, Luigi Comencini, Ricardo Franco, Marco Bellocchio, Bigas Luna o Lina Wertmüller.5

Una fructífera colaboración con el director cántabro Manuel Gutiérrez Aragón afianza su carrera y ahonda en su potencial dramático mediante papeles principales en Camada negra, El corazón del bosque, Demonios en el jardín y La mitad del cielo, obras que componen un retrato alegórico de la España ominosa del franquismo y en las que la ideología, el núcleo familiar y la presencia femenina cobran especial importancia. «Esas películas marcaron mi alma y mi forma de trabajar», diría más tarde la actriz.6

En 1985 se le concede el Gran Premio de la Crítica de Nueva York y al año siguiente se convierte en la primera actriz extranjera en recibir el David de Donatello que otorga la academia italiana de cine.7 También en 1986 consigue con La mitad del cielo la Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián y es nominada en la 1ª edición de los Premios Goya.

Artista multidisciplinar

En esos años prueba suerte en el mundo de la canción, edita un disco (Con las defensas rotas) y canta Muertos de amor a dúo con Georges Moustaki. Sin embargo, es en las dos partes de Las cosas del querer (Jaime Chávarri, 1989 y 1995), donde desarrolla con éxito su faceta musical, dando vida a un personaje muy querido en su carrera. Poco antes rueda Esquilache, que protagoniza Fernando Fernán Gómez para Josefina Molina.8

Considerada una de las actrices españolas mejor pagadas junto a Ana Belén y Victoria Abril, espacia sus trabajos nacionales a partir de 1990, coincidiendo con su negativa a protagonizar la versión de Bigas Luna de Las edades de Lulú por lo escabroso de algunas escenas.9 Destaca en Sandino, de Miguel Littín, que narra la vida del líder revolucionario nicaragüense y fuera de nuestras fronteras en El hombre que perdió su sombra, de Alain Tanner, junto a Francisco Rabal. Trabaja con Marcello Mastroianni en Le voleur d'enfants y aparece en 1492: La conquista del paraíso, superproducción de Ridley Scott que protagoniza Gérard Depardieu. Con Viggo Mortensen rueda Gimlet en 1995.

Tarda en darle el sí a Pedro Almodóvar y lo hace para su película Carne trémula (1997), un trabajo que no se aleja del todo de la chica sensual de sus comienzos, pero la aproxima ya a la mujer madura, marcada por las huellas de la vida, que representa en los últimos años. El rodaje con Almodóvar supone ciertas dificultades para la actriz, que vuelve a saborear el reconocimiento profesional. Consigue su cuarto Fotogramas de Plata y logra una cuarta candidatura al Goya.

Posteriormente, protagoniza la comedia televisiva Hermanas y ofrece un variado registro en proyectos muy dispares, a menudo independientes y comprometidos, tanto españoles como extranjeros. Destacan El mar, Punto de mira (One of the Hollywood Ten), Sagitario, Al sur de Granada, Los Borgia y La caja.10

En 2007 estrena El destino de Nunik, crónica del genocidio armenio a cargo de Paolo y Vittorio Taviani que protagoniza junto a Paz Vega, además de encarnar a una combativa asistente social en la serie de televisión francesa La Commune. Tras colaborar en dos películas de Giuseppe Tornatore, repite con Almodóvar en Los abrazos rotos, dando vida a la madre de Penélope Cruz.

Con Emilio Gutiérrez Caba encabeza el reparto de la serie Gran Reserva en La 1 desde 2010.11

Continúa vinculada al cine de autor y asegura preferir «el cine de directores que cuentan algo porque, si no lo hacen, revientan...».12 En reconocimiento a su extensa carrera cinematográfica, recibe en 2002 el primer Premio Málaga otorgado en el marco del Festival de Cine Español de Málaga e inaugura un monolito en su honor en el Paseo Antonio Banderas de la ciudad andaluza.

Teatro

En 2002 llega su primera incursión teatral en el Festival de Teatro Clásico de Mérida con el espectáculo Troya, siglo XXI.13 En 2005 encarna a la seductora Mrs. Robinson en El Graduado, montaje que dirige Andrés Lima y comparte con su hija Olivia en papeles antagónicos. Regresa tres años después a los escenarios con La dama del mar, adaptación de Susan Sontag del texto de Henrik Ibsen bajo la dirección de Robert Wilson.

Familia

Ángela Molina tiene cinco hijos, tres nacidos de su primera unión con el fotógrafo y realizador francés Hervé Tirmarche: Olivia (1980), Mateo (1982) y Samuel (1987); y dos, Antonio (1995) y María (2003) con su actual marido, el empresario ibicenco de origen canadiense Leo Blakstad. En 2012 nace su primera nieta, hija de Olivia y el actor Sergio Mur.

Filmografía

Obras de teatro

Televisión

Discografía

Premios y candidaturas

Premios David de Donatello
Año Categoría Película Resultado
1986 Mejor actriz protagonista Camorra: Contacto en Nápoles (Un complicato intrigo di donne, vicoli e delitti) Ganadora
Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Año Categoría Película Resultado
1986 Concha de Plata a la mejor actriz La mitad del cielo Ganadora
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor interpretación femenina de reparto Blancanieves Nominada
1997 Mejor interpretación femenina de reparto Carne trémula Nominada
1989 Mejor interpretación femenina protagonista Las cosas del querer Nominada
1988 Mejor interpretación femenina protagonista Luces y sombras Nominada
1986 Mejor interpretación femenina protagonista La mitad del cielo Nominada
Fotogramas de Plata
Año Categoría Trabajo Resultado
1998 Mejor actriz de televisión Hermanas Nominada
1997 Mejor actriz de cine Carne trémula
Edipo alcalde
Ganadora
1993 Mejor actriz de cine Mal de amores Semifinalista
1989 Mejor actriz de cine Esquilache
Las cosas del querer
Nominada
1986 Mejor actriz de cine El río de oro
La mitad del cielo
Lola
Ganadora
1982 Mejor actriz de cine Demonios en el jardín Nominada
1979 Mejor intérprete de cine español El corazón del bosque
La Sabina
Ganadora
1977 Mejor intérprete de cine español Camada negra
Nunca es tarde
Ganadora
Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz secundaria Blancanieves Ganadora
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Trabajo Resultado
2012 Mejor actriz secundaria de cine Blancanieves Nominada
1997 Mejor interpretación secundaria de cine Carne trémula Nominada
Premios Gaudí
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor protagonista femenina Blancanieves Nominada
Premios Zapping
Año Categoría Serie Resultado
2011 Mejor actriz Gran Reserva Ganadora
Festival de Cine Español de Málaga
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz de reparto (Mención especial) Miel de naranjas Ganadora
2002 Premio Málaga a la trayectoria cinematográfica Ganadora
Otros
  • 1989
    • Premio de Interpretación del Festival de Cine de Santarém por La mitad del cielo.
  • 1985
    • Gran Premio de la Crítica de Nueva York por Demonios en el jardín.
    • Premio ACE a la mejor actriz por Demonios en el jardín.
  • 1982
    • Premio de Interpretación del Festival de Cine de Montréal.
  • 1981
    • Gran Premio de Interpretación del Festival de Cine de Nueva Delhi por La Sabina.

Emma Suárez

Nombre real Emma Suárez Bodelón
Nacimiento Bandera de España Madrid, España
25 de junio de 1964 (49 años)
Familia
Cónyuge Juan Estelrich Jr. (1992-1997)
Hijo/s 2
Premios
Premios Goya Mejor actriz
1996 El perro del hortelano
Ficha en IMDb

Emma Suárez Bodelón (n. Madrid, 25 de junio de 1964) es una actriz española.


Biografía

Nacida en una familia alejada del espectáculo y sin especial vocación de actriz, con catorce años es seleccionada en un casting juvenil para protagonizar la adaptación cinematográfica de Memorias de Leticia Valle, de la escritora Rosa Chacel.

Decide entonces dedicarse profesionalmente a la interpretación y en 1982 debuta en el teatro con El cementerio de los pájaros, obra de Antonio Gala en la que comparte escenario con Irene Gutiérrez Caba y Encarna Paso.

Actriz autodidacta, trabaja en películas de directores de renombre como Antonio Betancor (1919: Crónica del alba), José Luis Garci (Sesión continua) o José Luis Borau (Tata mía) y con nuevos valores como Isabel Coixet (Demasiado viejo para morir joven).

En 1986 encarna a la sobrina y confidente de Carlota Núñez (Concha Cuetos) en la serie de TVE Tristeza de amor. Su labor teatral prosigue en las obras Bajarse al moro y La Chunga.

Convertida en una firme promesa muy bien acogida por la crítica, en 1989 asume su primer papel principal como actriz adulta en La blanca paloma, de Juan Miñón, donde coincide con Francisco Rabal y Antonio Banderas.

Durante la década de 1990 se suceden sus éxitos cinematográficos, alcanzando notable popularidad y prestigio. Las películas que rueda con el novel Julio Medem (Vacas, La ardilla roja y Tierra) anticipan la llamada de Pilar Miró para protagonizar El perro del hortelano y Tu nombre envenena mis sueños. En todas ellas forma una sólida pareja artística con el actor Carmelo Gómez.

En 1997 regresa a la televisión con la serie Querido maestro. Posteriormente se muestra más selectiva en sus proyectos para el cine y retoma su carrera teatral; en 2002 protagoniza junto a Aitana Sánchez-Gijón la obra Las criadas, de Jean Genet con dirección de Mario Gas. Otros montajes en los que interviene son Proserpina, Perséfone (a las órdenes de Bob Wilson) y Tío Vania (dando vida al personaje de Elena).

Después de rodar Visionarios y El caballero Don Quijote con Manuel Gutiérrez Aragón, en 2004 encarna a la mujer que se enamora del preso Juan José Garfia en la película Horas de luz. Más recientes son sus actuaciones en Bajo las estrellas, La casa de mi padre y La mosquitera.

Entre sus trabajos televisivos cabe destacar El Pantano, Cuéntame cómo pasó y Cazadores de hombres.

Candidata en cuatro ocasiones al Premio Goya, en 1996 se impone a Concha Velasco y Ana Torrent con su aclamada interpretación en verso en la película El perro del hortelano, de Pilar Miró, que también le reporta, entre otros, el premio Fotogramas de Plata.

En lo personal, estuvo casada con el realizador Juan Estelrich Jr., quien la dirigió en los largometrajes La vida láctea y Pintadas y con quien tuvo su primer hijo, Juan (nacido en 1992). Tras la ruptura con Estelrich, Suárez fue pareja del músico Andy Chango, con quien tuvo su segunda hija, Ada Marta (nacida en 2005).

Filmografía

Cine

Televisión

Teatro

Premios y candidaturas

Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor interpretación femenina protagonista La mosquitera Candidata
2007 Bajo las estrellas Candidata
1996 El perro del hortelano Ganadora
1993 La ardilla roja Candidata
Premios Gaudí
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor interpretación femenina principal La mosquitera Candidata
Fotogramas de Plata
Año Categoría Película/Serie Resultado
1997 Mejor actriz de televisión Querido maestro Candidata
1996 Mejor actriz de cine El perro del hortelano
Tierra
Tu nombre envenena mis sueños
Ganadora
1993 La ardilla roja Candidata
1990 A solas contigo
Contra el viento
La blanca paloma
La luna negra
Candidata
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película/Serie Resultado
1997 Mejor interpretación protagonista de televisión Querido maestro Candidata
1996 Mejor interpretación protagonista de cine El perro del hortelano Candidata
1993 La ardilla roja Ganadora
Otros premios

Marisa Paredes
Marisa Paredes 2011.jpg

Nombre real María Luisa Paredes Bartolomé
Nacimiento Bandera de España Madrid, España
3 de abril de 1946 (67 años)
Familia
Hijo/s María
Ficha en IMDb

María Luisa Paredes Bartolomé (3 de abril de 1946) es una actriz española de reconocido prestigio internacional.


Trayectoria

Nació en Madrid, España. Desde niña mostraba una gran vocación por el teatro. En 1960 (a los catorce años de edad) debutó en cine. Al año siguiente debutó en teatro. Actuó con la compañía de Conchita Montes como meritoria, en la obra de José López Rubio Esta noche tampoco. El teatro la ha acompañado durante toda su trayectoria profesional (hasta hace poco triunfaba en el teatro con Hamlet con Eduard Fernández), aunque el número de intervenciones como actriz en cine o televisión (Estudio 1 entre otros) es considerable.

De su relación con el director de cine Antonio Isasi-Isasmendi, nace en 1975 su única hija, la también actriz María Isasi.

Su reconocimiento internacional y masivo entre el público español le llegó con el director manchego Pedro Almodóvar, quien la convirtió en una «chica Almodóvar», con papeles principales en películas como Tacones lejanos o La flor de mi secreto. Por esta última película fue nominada al premio Goya como mejor actriz protagonista. Esto le abrió las puertas del mercado internacional y tuvo el honor de trabajar con directores muy reconocidos del cine europeo y en producciones tan emblemáticas como La vida es bella (de Roberto Benigni) y Profundo carmesí de Arturo Ripstein.

Desde el 2000 al 2003 fue la presidenta de la Academia del Cine Español, haciendo frente a la época más controvertida y polémica de ésta, ya que en el momento inicial de la Guerra de Iraq, los profesionales del cine español se manifestaron rotundamente en contra de todo ello en la gala del año 2003.

En 2010 interpreta el papel de reina Sofía en la miniserie de televisión emitida por Telecinco Felipe y Letizia. Su participación, unida a la de Juanjo Puigcorbé como rey Juan Carlos, recibió críticas al respecto de los acentos adoptados por ambos actores.1 2 3

Filmografía

Teatro

Premios y candidaturas

Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
1995 Mejor interpretación femenina protagonista La flor de mi secreto Candidata
1987 Mejor interpretación femenina de reparto Cara de acelga Candidata
Premios Sindicato de Actores (SAG)
Año Categoría Película Resultado
1998 Mejor reparto La vida es bella Candidata
Fotogramas de Plata
Año Categoría Trabajo Resultado
2006 Mejor actriz de teatro Hamlet Ganadora
1995 Mejor actriz de cine La flor de mi secreto Ganadora
1991 Tacones lejanos Ganadora
1988 Mejor labor teatral Orquídeas a la luz de la luna Candidata
1968 Mejor intérprete de televisión Conjunto de su labor Ganadora
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actriz de reparto de cine La piel que habito Candidata
1995 Mejor interpretación protagonista de cine La flor de mi secreto Candidata
1991 Tacones lejanos Ganadora
Otros

Ana Belén


 

Datos generales
Nombre real María del Pilar Cuesta Acosta
Nacimiento 27 de mayo de 1951 (62 años)
Madrid, España1
Cónyuge Víctor Manuel
Hijos David y Marina
Ocupación Cantante, actriz y directora
Información artística
Otros nombres La sonrisa del PCE
Musa e icono de Madrid
Musa de la España contemporánea
Género(s) Pop rock
Cantautor
Bolero
Balada
Pop latino
Instrumento(s) Voz
Período de actividad 1961 - presente
Discográfica(s) Sony Music
Ariola Eurodisc (actualmente)
Artistas relacionados Víctor Manuel
Miguel Narros
Joan Manuel Serrat
Miguel Ríos
Joaquín Sabina
Fito Páez
Pedro Guerra
José Carlos Plaza
Web
Sitio web Página oficial
Ficha Ana Belén en IMDb

Ana Belén, cuyo nombre real es María del Pilar Cuesta Acosta (n. Madrid, España; 27 de mayo de 1951), es una cantante, actriz y directora española. Se trata de una de las figuras más destacadas del mundo del espectáculo en habla hispana. Está casada con el cantautor asturiano Víctor Manuel, su pareja artística en muchas ocasiones. Tras más de cuarenta años de profesión, su carrera artística cuenta con más de cuarenta películas, una veintena de obras de teatro y más de treinta y cinco discos.

Ana Belén tiene una de las más importantes y reconocibles voces de la música hispana, y ha sido nominada en dos ocasiones al Grammy Latino.

Biografía

Inicios de su carrera

Ana Belén se crio en el seno de una familia humilde en la calle del Oso, junto a la glorieta de Embajadores del barrio de Lavapiés (Madrid, España). Es la mayor de tres hermanos; ella, Julio y Eugenia. Su padre era cocinero en el Hotel Palace y su madre, Pilar Acosta, portera de la finca en la que residían.2 Pasaba los veranos de su niñez en Cabezuela (Segovia), donde ejercía su abuela paterna, Matilde Bravo, de maestra en la escuela del pueblo. Estudió en el colegio de las Damas Apostólicas; allí tuvo su primera salida a escena para actuar en un cuento que se titulaba El enanito saltarín. Desde muy pequeña sintió una vocación artística y por ello, al mismo tiempo que estudiaba solfeo y piano con el maestro Estebarena, que vivía en su misma calle, comenzó a inscribirse en concursos radiofónicos infantiles, algunos como Gran Vía o Conozca usted a sus vecinos, en los que cantaba canciones de moda como La novia, La flor de la canela, Nena, de Sara Montiel, o Tómbola, de Marisol. Participó en un concurso de Radio España a los diez años que se llamaba Vale todo, dirigido por Bobby Deglané, en la Gran Vía madrileña; se inscribió en el apartado de música moderna e interpretó La novia. Ese año no ganó el concurso, pero sí al año siguiente, con la canción La flor de la canela, famosa canción de la cantautora peruana Chabuca Granda, que cantaba por entonces con una gran repercusión María Dolores Pradera. Estuvo en otros concursos con Juan de Toro, en Radio Madrid, donde cantó cuatro canciones acompañada del maestro Aguayo (El ritmo de la lluvia, Cúlpale a la bossa nova, La novia y La flor de la canela).

En 1964 ya era conocida en las emisoras de radio como una nueva niña prodigio, con el nombre de Mari Pili Cuesta, al estilo de Rocío Dúrcal o Marisol, a quien Ana Belén admiraba mucho. A los 13 años grabó sus primeras canciones, de las cuales la más promocionada fue Qué difícil es tener 18 años. Pronto empezó a trabajar de forma fija en Radio Madrid para cubrir un hueco que había dejado Rocío Dúrcal, hasta que la productora Época Films se interesó por ella y le firmó un contrato por cuatro años para rodar cuatro películas musicales infantiles.

Zampo y yo

Su primera intervención en el cine con Época Films, en conjunción con Benito Perojo, a los 13 años, fue en la película musical infantil Zampo y yo, donde trabajó con el actor Fernando Rey bajo la dirección de Luis Lucia Mingarro. Mari Pili interpretaba a una niña rica, hija de un empresario, que entabla una tierna amistad con un payaso de circo ambulante. En la película canta varias canciones que se llegaron a grabar en un disco con la BSO (Banda Sonora Original), que incluía canciones como Esta noche, Un mundo mágico o Muy cerca de ti. Esta última fue grabada con posterioridad por Kaka de Luxe, grupo musical punk de la Movida madrileña liderado por Olvido Gara. Los responsables de la música original de la película fueron Augusto Algueró y Adolfo Waitzman. La cinta, estrenada en 1965, no tuvo el éxito esperado, hecho que impidió la realización de las otras tres películas previstas en el contrato con Época Films. Fue esta productora la que le otorgó el nombre artístico de Ana Belén, después de pensar para ella otros muchos nombres como María José.

Inicios teatrales

A partir del fracaso de Zampo y yo, Ana Belén emprendió una carrera personal como actriz dramática de teatro de la mano de Miguel Narros, reconocido decorador y director teatral que se fijó en ella durante el rodaje de la película. Con él tuvo uno de los encuentros más influyentes de su carrera profesional. Comenzó a estudiar en el TEM (Teatro Estudio de Madrid), primero como oyente y después empezó a estudiar interpretación y en particular arte dramático.

Siendo una adolescente, interpretó su primera obra en 1966, a los quince años, en el Teatro Español, cuyo director era Narros. La obra representada fue El cerco de Numancia, de Miguel de Cervantes; después, El Rey Lear, Las mujeres sabias, El burlador de Sevilla, El condenado por desconfiado, El rufián castrucho, Don Juan Tenorio, Medida por medida y El sí de las niñas, hasta llegar finalmente a Los niños y Te espero ayer, en 1970. Participó como actriz secundaria en diversas piezas teatrales de autores como Shakespeare, Molière, Lope de Vega o José Zorrilla en distintos escenarios de Madrid, como los del Teatro La Latina o el Teatro María Guerrero. Con dichas obras comenzó a trabajar en la compañía del Teatro Español durante gran parte de su juventud, guiada por Berta Riaza y Julieta Serrano, las dos actrices a quienes su madre la había dejado a cargo, y conoció a actores muy respetados en el mundo del teatro y el cine de entonces como María Luisa Ponte y Agustín González, entre otros, con los que hizo sus primeras giras por España.

Paralelamente, su encuentro con Narros le permitió aprender y estudiar teatro de otros maestros como William Layton, quien dirigía el TEM junto a Narros. La hija de Ana Belén, Marina San José, ha empezado su carrera como actriz en el estudio de este director teatral.

En esa época, finales de los años sesenta, comienza a trabajar en Televisión Española con pequeñas apariciones en Estudio 1, en las que llegó a colaborar con profesionales de la cultura española como la cineasta Pilar Miró, con quien filmó La pequeña Dorrit. La primera de esas colaboraciones fue en 1967 con Ligazón, de Valle Inclán y, tras ella, rodó muchas y diversas piezas teatrales como Eleonora.

El inicio de su trayectoria cinematográfica

En 1970, el por entonces director novel Roberto Bodegas le propuso un papel en la película Españolas en París, en la que trabajaban Laura Valenzuela, Máximo Valverde y Tina Sainz. Sería su segunda película tras Zampo y yo.3

En 1971, vuelve al teatro, con la obra Sabor a miel, de Shelag Delaney, junto a Laly Soldevilla y Eusebio Poncela. Con esa obra realiza una gira por España en la que coincide con el cantautor asturiano Víctor Manuel, en Galicia, mientras este cantaba con Julio Iglesias. En aquel año realizó las películas Aunque la hormona se vista de seda, de Vicente Escrivá, junto a Manuel Summers y Morbo de Gonzalo Suárez, en la que también trabajaba Víctor Manuel. En esa película, por la que recibió una mención especial en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, iniciaron una relación sentimental y posteriormente se casaron, rodeados de polémicas, por el juzgado del Sr. Pardo el 13 de junio de 1972, en Gibraltar.4

En aquellos años continuó trabajando para Televisión Española con obras como Romeo y Julieta o Retablo de las mocedades del Cid, con la que consigue su primer Fotograma de Plata por votación de los lectores en la categoría Mejor Actriz Televisiva, en 1972.

Después de la película Al diablo con amor, de Gonzalo Suárez, en 1972 (también junto a Víctor Manuel, de la que sale un disco con la BSO que incluye Canción del oro, con letras de Gonzalo Suárez y música de Víctor Manuel), hizo películas de mayor repercusión como Separación matrimonial, de Angelino Fons y Vida conyugal sana, de Roberto Bodegas en 1973, con José Sacristán y Antonio Ferrandis, producida por José Luis Dibildos y escrita por José Luis Garci. La película fue muy transgresora en aquellos momentos, ya que fue de las primeras que abordó explícitamente el uso de la píldora anticonceptiva.

En 1974 rodó un cortometraje de Luis Eduardo Aute llamado A flor de piel; El amor del capitán Brando de Jaime de Armiñán, junto a Fernando Fernán Gómez, y Tormento de Pedro Olea, en la que pudo protagonizar una obra de Benito Pérez Galdós, con compañeros de reparto como Francisco Rabal, Rafael Alonso o Concha Velasco.

Tras esta etapa cinematográfica y junto a Víctor Manuel, alcanzó la fama y la popularidad entre el público español. Además, su carrera como actriz de cine y teatro se consolidaba, trabajando con algunos de los grandes cineastas españoles del momento y con compañeros de reparto muy veteranos que ocupaban un privilegiado lugar en el cine y teatro español.

Inicios discográficos - compromiso político

En 1973 retomó su carrera como cantante después de Zampo y yo, publicando discos de escasa repercusión como Tierra y Calle del Oso, con canciones mayoritariamente compuestas por Víctor Manuel, algunas de ellas con un claro contenido político y social. En esa época Víctor y Ana comenzaron a tomar posiciones políticas de forma pública hacia la izquierda política progresista española, y el franquismo fue en repetidas ocasiones bastante restrictivo con ellos, al igual que con muchos otros profesionales de la música como Joan Manuel Serrat, Lluís Llach o Luis Eduardo Aute, quienes utilizaron su música para protestar contra la situación de España en aquellos momentos. En este sentido, el mayor problema que tuvieron fue en 1974, cuando representaron juntos en México una obra de teatro llamada Ravos, dirigida por Miguel Narros, con la que les acusaron de quemar una bandera de España durante la representación, en un episodio poco claro que les obligó a permanecer seis meses de exilio en México. También sufrieron varios percances, como la explosión de dos bombas en el chalet que por entonces poseía la pareja en Torrelodones (Madrid).

En 1975 Ana Belén representó la obra de teatro clásica Antígona en el Teatro Reina Victoria de Madrid. Cinco días después del estreno se produjo la primera huelga de actores en reclamación a un día de descanso en los teatros, en la que participó activamente con otros compañeros de profesión como Concha Velasco o Juan Diego y durante la cual fueron detenidas entre otras Tina Sainz y Rocío Dúrcal. Un gran número de actores tomaron el sindicato y se encerraron allí. Víctor Manuel compuso una canción escrita para los actores en la época de la huelga: Cómicos. Al terminar la huelga, la pareja entró a formar parte del Partido Comunista de España, y militaron en él de forma clandestina durante varios años. Pasados los años, tras su salida del Partido Comunista, Ana Belén y Víctor Manuel han continuado comprometiéndose políticamente, pero no han vuelto a pertenecer a ningún colectivo político.

En 1975 publica un nuevo LP llamado De paso, incluyendo canciones de Luis Eduardo Aute, Pablo Milanés y Teddy Bautista, entre otros, así como poemas de Fanny Rubio, Nicolás Guillén o Rafael Alberti. Este disco tuvo una mayor repercusión que los anteriores, y fue el primer álbum que alcanzó un cierto éxito, sobre todo por la canción que da título al disco, escrita por Luis Eduardo Aute y que fue su primer gran single. Ese mismo año rueda Jo, papá de Jaime de Armiñán, rodada en Albarracín y ambientada en la Guerra Civil Española, junto a los actores Antonio Ferrandis, Amparo Soler Leal, Fernando Fernán Gómez y Josep María Flotats, entre otros.

El 13 de noviembre de 1976 Ana Belén es madre de su primer hijo, David San José, y continuó con su carrera cinematográfica, participando en varias películas: La petición de Pilar Miró junto a Carmen Maura y Emilio Gutiérrez Caba, Emilia parada y fonda de Angelino Fons y El buscón de Luciano Berriatúa.

En 1977 rueda La oscura historia de la prima Montse de Jordi Cadena, basada en una obra de Juan Marsé, La criatura de Eloy de la Iglesia, una cinta extraña junto a Juan Diego y Luis Ciges y Sonámbulos de Manuel Gutiérrez Aragón junto a Lola Gaos.

En 1978 rueda Jaque a la dama de Francisco Rodríguez junto a Concha Velasco y al año siguiente Cuentos eróticos de Emma Cohen.

En 1979 se compromete con algunos compañeros de profesión en la creación del TEC (Teatro Estable Castellano) y participa en el primer montaje de este: Tío Vania de Chéjov, dirigido por William Layton. Con esta obra recibe el Fotogramas de Plata por votación de los lectores a la mejor actriz teatral en reconocimiento como miembro del TEC.

Su relación con América Latina

Tras vivir seis meses de exilio en México, desde muy jóvenes Ana Belén y Víctor Manuel tuvieron contacto con los países de América Latina y han mantenido con todos ellos, Argentina, Uruguay, Perú, Paraguay, Colombia, Chile o Venezuela entre otros, una estrecha relación hasta la actualidad. Precisamente fue en la década de los setenta cuando comenzaron a realizar sus primeras giras musicales en el extranjero, por países como México o Cuba, donde conocieron a integrantes de la Nueva Trova Cubana como el cantautor Pablo Milanés y al poeta Nicolás Guillén, aunque se mostraron críticos con el gobierno cubano de Fidel Castro.

Desde entonces y hasta ahora, los discos de Ana Belén se publican siempre en dichos países y sus giras viajan por sus principales ciudades, ya sean en solitario, junto a Víctor Manuel o acompañada de otros artistas como Miguel Ríos o Joan Manuel Serrat. De hecho, América Latina sigue siendo la zona del extranjero donde Víctor y Ana gozan de una mayor fama y repercusión internacional, especialmente gracias a discos como Mucho más que dos, Mírame o El gusto es nuestro, que tuvieron una igual acogida de ventas que en España. Además, muchas de las canciones de Ana Belén y Víctor Manuel como La muralla (poema de Nicolás Guillén), Sólo le pido a Dios (de León Gieco), La puerta de Alcalá, Derroche o Contamíname han obtenido muy buenas aceptaciones por parte del público latinoamericano.

La muralla

De dichas relaciones con Latinoamérica surgieron otros proyectos profesionales de carácter musical como la grabación de un disco doble, llamado La paloma del vuelo popular en 1976, con poemas de Nicolás Guillén musicalizados por Sergio Aschero, Víctor Manuel o Rosa León, entre otros. El disco incluía la canción La muralla, musicado con anterioridad por Quilapayún. En principio lo grabó Ana Belén en solitario, pero fue el primer éxito musical del repertorio en común de Ana Belén y Víctor Manuel, siendo así la primera canción que la pareja cantó en un concierto en directo. Esta canción se convirtió y sigue siendo uno de los más representativos de la carrera de Víctor y Ana, que alcanzó un éxito masivo tanto en España como en Latinoamérica.

Fortunata y Jacinta

En 1979 Ana Belén protagonizó junto a Maribel Martín, Manuel Alexandre, Paco Rabal, Mary Carrillo, Fernando Fernán Gómez, Charo López y María Luisa Ponte entre otros actores, la serie Fortunata y Jacinta, basada en la obra de Benito Pérez Galdós y dirigida por Mario Camus. La serie, emitida por Televisión Española, tuvo una importante repercusión tanto de crítica como de público. Se emitió con éxito en países como Francia, Italia, Países Bajos, República Checa, Argentina y en el resto de América Latina. Por su interpretación en esta serie de diez capítulos, Ana Belén recibió el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de televisión por votación de los lectores. Actualmente sigue siendo con diferencia su mayor éxito televisivo, con el que también recibió el TP de Oro por votación de los lectores como mejor actriz televisiva.

Su consolidación como solista

Tras el éxito de La muralla, la pareja se empezó a fusionar y comenzaron a cantar juntos en directo por medio de giras que recorrían España y Latinoamérica. Uno de sus primeros espectáculos en común fue Víctor y Ana en vivo, que tras su paso por las fiestas de San Isidro, se grabó el concierto editado en un disco publicado en 1983, año en que nace su hija Marina San José.

Agapimú, primer éxito musical

En 1979 sale a la luz el álbum Ana. En este álbum hay menos canciones de contenido político y social (aunque siempre van a estar presentes en todos sus discos). El disco, por el que consiguió el Fotogramas de Plata a la mejor solista, incluía canciones como Desde mi libertad o Agapimú, adaptación de Luis Gómez Escolar de una canción griega que se convirtió en una de las canciones más representativas de su carrera en solitario.

Participó junto a Elsa Baeza y Miguel Bosé, entre otros, en la versión pop de la Misa campesina nicaragüense, de Carlos Mejía Godoy.

El hombre del piano, versionando a Billy Joel

En 1980 edita el disco Con las manos llenas, en el que se incluían las canciones Qué será de Chico Buarque y El hombre del piano, adaptación realizada por Víctor Manuel de una mítica canción del músico estadounidense Billy Joel. Esta canción es probablemente una de las más importantes de la carrera musical de Ana Belén.

Ana en Río

En 1982 viaja a Brasil donde graba el disco Ana en Río, con canciones de compositores brasileños entre los que destaca la canción Balance. En este disco contó con la colaboración de Chico Buarque y Raimundo Fagner, con el que graba el dúo Noche de máscaras.

Ese mismo año representa en los escenarios La hija del aire de Calderón de la Barca, dirigida por Lluís Pasqual, estrenada en el María Guerrero de Madrid.

Géminis, éxito masivo

Con el álbum Géminis en 1984 logra un punto de inflexión en su carrera como cantante en solitario, con canciones como La paloma, poema de Rafael Alberti, Sólo le pido a Dios de León Gieco o España, camisa blanca de mi esperanza de Víctor Manuel, la cual se convirtió en una de sus mejores canciones. El disco fue producido y arreglado por Geoff Westley, quien introdujo en él algunos elementos electrónicos pioneros en la música española como la batería lynn.

Desarrollo cinematográfico

En 1982 rueda Demonios en el jardín de Manuel Gutiérrez Aragón, una de sus películas más conocidas; intervienen también Ángela Molina, Encarna Paso e Imanol Arias.

La colmena

Con Mario Camus repitió en La colmena en 1982, de Camilo José Cela, compartiendo el plantel actoral con José Luis López Vázquez, Fernando Fernán Gómez, José Sacristán, Paco Rabal, Agustín González y Concha Velasco. Esta película logró el Oso de Plata en ese año durante el Festival Internacional de Cine de Berlín.

La Corte de Faraón

En 1985 interviene en el cine en Sé infiel y no mires con quien de Fernando Trueba con Carmen Maura y Verónica Forqué, y en Dolores de José Luis García Sánchez, director con el que trabajó en repetidas ocasiones. En una de esas ocasiones se estrenó una de sus películas más populares: La Corte de Faraón, de la cual salió un disco con la banda sonora, ya que la artista cantaba varias canciones durante la película, en la que trabajó con Fernando Fernán Gómez, Antonio Banderas y José Luis López Vázquez. Con esta película volvió a recibir una mención especial durante el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La casa de Bernarda Alba

Con Camus también rodó La casa de Bernarda Alba en 1987, basada en la obra de Federico García Lorca, que también interpretó en el teatro, en la que compartió reparto con actrices como Irene Gutiérrez Caba y Florinda Chico, entre otras.

Divinas palabras

Ese mismo año vuelve a repetir con José Luis García Sánchez, protagonizandade divinas como mili

Valle Inclán, junto a Imanol Arias, Aurora Bautista y Paco Rabal entre otros.

Primeras nominaciones a los Premios Goya

Con Fernando Colomo hizo Miss Caribe en 1988, película con la que obtuvo su primera nominación en la III edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista. También rodó Rosa rosae años más tarde junto a la actriz María Barranco en 1992. Al año siguiente de estrenar Miss Caribe, volvió a estar nominada en la IV edición de los Premios Goya como actriz protagonista por El vuelo de la paloma de José Luis García Sánchez, en la cual trabajó con José Sacristán y Juan Luis Galiardo.

La puerta de Alcalá y otros éxitos

A pesar de sus personales y diferenciadas carreras en solitario, Ana Belén y Víctor Manuel no dejaron de colaborar en espectáculos y discos en común. El ejemplo de ese éxito conjunto está en el año 1986, cuando sale a la luz el disco doble Para la ternura siempre hay tiempo con canciones nuevas como Niña de agua. En realidad se trataba de dos discos, uno de ellos Para la ternura de Ana Belén y el otro Siempre hay tiempo de Víctor Manuel con canciones como Nada sabe tan dulce como su boca o Cruzar los brazos pero en ambos discos aparecen canciones cantados a dúo. El disco incluía la canción La puerta de Alcalá, composición del grupo Suburbano, la cual se convirtió en la canción más representativa de la pareja. Su conocido estribillo pertenece a la memoria colectiva de la España más reciente, siendo todo un himno popular. Con este álbum realizaron una gira por toda España y América Latina y vendieron más de 300.000 copias sólo en España.

Ana Belén además fue condecorada por el ministro de cultura francés Jack Lang con el galardón Caballero de la Orden de las Artes y Letras francesas en marzo de 1978.

Ese mismo año rueda Adiós pequeña de Imanol Uribe y también participa como cantante en la campaña de protesta contra el ingreso de España en la OTAN durante el entonces Gobierno del PSOE, presidido por Felipe González.

Ana Belén, tras el grandísimo éxito de La puerta de Alcalá se convirtió en una personalidad muy relevante de la cultura española. En su siguiente disco de 1988, A la sombra de un león, contó con la colaboración del brasileño Djavan y con el que se convertiría en un colaborador habitual en sus proyectos discográficos: Joaquín Sabina.

En 1989 cambia de compañía de discos —pasando a BMG— y de arreglista, y graba con ellos Rosa de amor y fuego, arreglado por el italiano Roberto Costa, excepto la canción Lía, arreglado por José María Cano, integrante de Mecano, y Manel Santiesteban. En este disco evoluciona hacia una línea más comercial y vanguardista. La canción Lía se convierte en una de las canciones más características de su repertorio. También destaca la canción Arde París. El disco fue presentado en el Teatro Español por medio de un espectáculo, realizado durante diez días, dirigido por Miguel Narros, con diseño gráfico de Juan Gatti y vestuario de su diseñador por excelencia: Jesús del Pozo.

Altibajos comerciales. 1990-1992

Cómo ser mujer y no morir en el intento

Animada por José Luis García Sánchez, en 1991 Ana Belén debutó como directora de cine con la película Cómo ser mujer y no morir en el intento, basada en una novela de la escritora Carmen Rico Godoy en la que contó con el protagonismo de Carmen Maura y Antonio Resines. Por esta ópera prima fue nominada en la VI edición de los Premios Goya de la academia del cine español como directora novel. La película, a pesar de ser mal recibida por la crítica, gozó de un notable éxito de público y logró el Premio Ondas a la mejor dirección.

Como una novia

En 1991 graba Como una novia, con canciones de Gloria Varona, Pancho Varona y Antonio García de Diego, siendo este el primer disco en el que no se incluye ninguna canción compuesta o adaptada por su marido Víctor Manuel. El disco también fue producido por Pancho Varona y Antonio García de Diego.

La Gallarda, éxitos teatrales y colaboraciones

En 1992, coincidiendo con la inauguración de la exposición universal de Sevilla, Ana Belén estrena en el teatro Central de la ciudad La gallarda de Rafael Alberti, dirigida por su maestro en el teatro Miguel Narros, junto al actor José Sacristán y la soprano Montserrat Caballé.

Ese año vuelve a rodar con Mario Camus la película Después del sueño y además, ese mismo año interpreta El mercader de Venecia de Shakespeare, dirigida por José Carlos Plaza,5 con el que ya había interpretado con gran éxito Hamlet en 1989 junto a José Luis Gómez.

En 1992 también estrena la película El marido perfecto, una producción internacional en la que trabajó con Aitana Sánchez Gijón.

En 1990 graba junto a la gran estrella del flamenco Camarón de la Isla la canción Amor de conuco, compuesta por Juan Luis Guerra.

Auge y ascenso internacional. 1993-1996

Veneno para el corazón, éxitos en solitario

En 1993 publica el álbum Veneno para el corazón, con sonidos de jazz, salsa, bolero, rumba, rock, reegae, pop.... En este disco, grabado parcialmente en Londres, se incluye un bloque de canciones compuestas por Cole Porter, grabadas con big-band y arregladas por Geoff Westley, así como canciones de nuevos cantautores como Pedro Guerra y Andrés Molina, y clásicos como el bolero La mentira de Álvaro Carrillo. Además de Geoff Westley, aparecen otros arreglistas como Pancho Varona y Antonio García de Diego, el guitarrista flamenco Gerardo Núñez y Roberto Costa. La edición en CD incluye además una segunda versión de la canción Derroche, con la colaboración de Juan Luis Guerra y los 4:40. Derroche es también uno de las canciones más características del repertorio en solitario de Ana Belén, compuesto por el cantautor dominicano Manuel Giménez.

Ese año estrena la película basada en la novela Tirano Banderas de Valle Inclán, dirigida de nuevo por José Luis García Sánchez con la compañía en el reparto de Juan Diego y Fernando Guillén entre otros. La película fue rodada en Cuba.

Mucho más que dos

En abril de 1994 junto a Víctor Manuel graba en Gijón uno de los acontecimientos más importantes de la música española; un concierto en directo con las colaboraciones de Joan Manuel Serrat, el actor Juan Echanove, Antonio Flores, Joaquín Sabina, Manolo Tena, Pablo Milanés y Miguel Ríos. El espectáculo se produjo durante dos días en el Palacio de los Deportes de la ciudad asturiana y dio lugar a un doble álbum y un DVD llamado Mucho más que dos. De este doble álbum se vendieron más de 600.000 copias sólo en España.

Durante el espectáculo se repasaron los grandes éxitos de Ana Belén y Víctor Manuel con canciones a dúo con los colaboradores. Desde Asturias a El hombre del piano, pasando por Derroche, Lía, El abuelo Víctor hasta llegar a La muralla y La puerta de Alcalá.

Este concierto dio pie a una exitosa gira en España y en el extranjero, pasando por países como Chile y EUA. Con este espectáculo se produjo el primer hito de Víctor y Ana en cuanto a giras musicales.

En este espectáculo, dirigido y organizado por José Carlos Plaza -colaborador habitual de Ana Belén en sus espectáculos- se estrenaron dos canciones: la composición de Víctor Manuel Yo también nací en el 53 y Contamíname, un himno al mestizaje cultural, compuesto por el cantautor canario Pedro Guerra, que se convirtió en un grandísimo éxito de la pareja.

La pasión turca

En 1994 rueda La pasión turca, escrita y dirigida por Vicente Aranda, sobre la novela homónima del escritor andaluz Antonio Gala. La interpretación de Ana Belén en esta película fue valorada con varios galardones y con una nominación en la IX edición de los Premios Goya de la academia del cine español como actriz protagonista. Producida por Andrés Vicente Gómez, la película tuvo bastante éxito de público pero no muy buenas críticas, y Antonio Gala no estuvo conforme con la adaptación que Vicente Aranda hizo de su obra, algo que le dio también la categoría de una controvertida y polémica película que es hasta el momento la más famosa y conocida de Ana Belén, quien recibió el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de cine por votación de los lectores, y la Rosa de Sant Jordi a la mejor intérprete del año.

La controversia de esta película también se vio influenciada por su explícito contenido erótico. Rodada fundamentalmente en Estambul, esta película cuenta la historia de una mujer que abandona toda su vida por la pasión sexual y amorosa que siente por un guía turístico turco interpretado por George Corraface. Junto a él también aparecen en el reparto Sílvia Munt, Ramón Madaula y Loles León, y destaca la música de José Nieto, ganador del Premio Goya por la banda sonora.

Éxitos cinematográficos

Ha sabido compatibilizar desde sus comienzos cine, música, teatro y televisión. En 1995 fue galardonada con la medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España en honor a su trayectoria como actriz de cine, donde llevaba más de treinta películas.

En 1996 rueda, de nuevo con Vicente Aranda, Libertarias, en la que compartió reparto con Victoria Abril. Ambientada durante la Guerra Civil Española, esta película -rodada gran parte en Aragón- fue un éxito de público y bien recibida por la crítica.

De forma casi consecutiva con Libertarias, Ana Belén rueda El amor perjudica seriamente la salud, dirigida por: Manuel Gómez Pereira; estaba acompañada de Gabino Diego, Juanjo Puigcorbé y Penélope Cruz. La película fue un éxito de público y crítica. La película recorre la peculiar relación de una pareja de enamorados que atraviesa la historia más reciente de nuestro país. Los cuatro actores interpretaron a los mismos personajes de jóvenes y adultos. Con esta película fue condecorada con el premio a la mejor actriz en el festival de cine de Peñíscola.

Ana Belén en el Teatro Romano de Mérida

En 1995 Ana Belén estrena en el marco del Teatro romano de Mérida la clásica opereta La bella Helena de Jacques Offenbach, adaptada por Molina Foix y dirigida por José Carlos Plaza; en ella cabe destacar la música de Mariano Díaz.

Con esta obra, Ana Belén recibió el Fotogramas de Plata a la mejor actriz teatral por votación de los lectores y con ella realizó una exitosa gira que pasa por ciudades como Sevilla, Valencia o Madrid, donde se representó durante varios días en el teatro Albéniz.

La artista volvería posteriormente al Teatro romano de Mérida con sus giras musicales y con la obra clásica griega Fedra en el año 2007.

El gusto es nuestro

En 1996 y 1997 realiza junto a Víctor Manuel, Miguel Ríos y Joan Manuel Serrat la exitosa gira El gusto es nuestro, que arrasa en toda España con más de 500.000 espectadores, y que llegó a Latinoamérica con un éxito rotundo que da lugar a un CD y un DVD, grabados en vivo en el concierto ofrecido en la plaza de toros de Las Ventas en Madrid, el 12 de septiembre de 1996.

Cuatro grandes nombres de la música española se unieron en un espectáculo -de nuevo dirigido por José Carlos Plaza-, en el que se mezclaron los repertorios de los cuatro artistas. Se cantaron sobre el escenario desde España, camisa blanca de mi esperanza al Himno a la alegría, pasando por Quiero abrazarte tanto y Paraules d´amor.

El gusto es nuestro fue premiada en los premios de la música en el año 1996 en la categoría de mejor gira del año.

Monográficos y éxitos en solitario. 1997-1999

Mírame

En 1997 publica su nuevo álbum Mírame, grabado en Londres. Un disco de duetos que se convierte en el trabajo discográfico más vendido de su carrera en solitario junto con Géminis. Con él realiza una gira por España y Latinoamérica que consiguió notables éxitos, llegando incluso a actuar en Miami, donde la condecoraron con un galardón al mejor espectáculo. En dicho álbum canta junto a muchas personas, entre las cuales destaca el actor malagueño Antonio Banderas, con el que interpreta el bolero No sé por qué te quiero, un éxito compuesto por Víctor Manuel que cantaría con posterioridad la cantante Pasión Vega y que nunca faltó desde entonces en los conciertos de Víctor y Ana. Entre el resto de duetos también sobresale el realizado junto a Chavela Vargas, cantando la canción amanecí en tus brazos. También canta junto a Ketama y Fito Páez entre otros. El disco fue producido de nuevo por Geoff Westley y también colaboraron en él Chico Buarque y el italiano Lucio Dalla entre muchos otros.

En 1997 también fue reconocida en Buenos Aires como solista femenina con el premio Carlos Gardel y el premio Cadena Dial, en homenaje a su trayectoria como cantante en solitario.

Ana Belén, mujer del año

Ese año recibe el premio de la revista de moda femenina Elle, otorgado a mujeres que destacan por su belleza, personalidad y elegancia.

Lorquiana, la revisión de un mito

1998 es el año del centenario del poeta Federico García Lorca y Ana quiso conmemorarlo publicando dos discos bajo el título de Lorquiana en los que se recogen los poemas y las canciones populares del poeta granadino versionadas por Ana Belén y su equipo musical propio en conjunción con Chano Domínguez y sus músicos. Canciones populares y poemas como los cuatro muleros recogidos en este doble disco con el que realiza una gira paseando por España un personalísimo espectáculo de recitales, a caballo entre el teatro y la música, dirigido por Lluís Pascual que se estrenó en el teatro Romea de Murcia. El doble álbum Lorquiana se encuentra dividido en dos volúmenes, uno de canciones populares y otro de poemas. Este último contenía grandes composiciones poéticas del granadino musicalizadas por diversos músicos como Joan Manuel Serrat, Fito Páez, Kiko Veneno, Pedro Guerra, Chano Domínguez, Ketama o el propio Víctor Manuel. Una de esas composiciones era el mítico Pequeño Vals Vienés, que versionó primero el célebre músico canadiense Leonard Cohen. Este álbum fue dirigido y arreglado por Michel Camilo. Lorquiana, trabajo por el que obtuvo una nominación a los Premios Amigo como mejor solista femenina, fue producido en su conjunto por Víctor Manuel, quien ya se había lanzado desde hace años al mundo de la producción musical y cinematográfica. Víctor Manuel ya había producido Mírame y a partir de ahí, muchas de sus producciones discográficas y de Ana Belén fueron producidas por él.

Petra Delicado y colaboraciones

Ese mismo año rueda para Tele 5 la serie policíaca Petra Delicado junto a Santiago Segura, una producción de Andrés Vicente Gómez dirigida por Julio Sánchez Valdés que no obtuvo el éxito esperado.

Tras este último proyecto televisivo, más tarde la cantante puso voz junto a su hijo David San José a la sintonía de la serie de Televisión Española Cuéntame cómo pasó, en el año 2001, por medio de la canción que lleva por título el mismo nombre, original de Fórmula V.

Ana Belén y Miguel Ríos cantan a Kurt Weill

En 1999 publica el disco Ana Belén y Miguel Ríos cantan a Kurt Weill, doble disco homenaje a Kurt Weill dirigido por Josep Pons, que cuenta con la colaboración de la Orquesta Ciudad de Granada y Lluis Vidal Trío. Los dos cantantes unieron sus voces en un espectáculo con el que recorrieron los principales auditorios de España. El disco se publicó en el centenario del nacimiento de Kurt Weill, autor de Mackie Navaja. En septiembre de 2005 Ana Belén y Miguel Ríos se unen de nuevo con Josep Pons y esta vez, con la Orquesta Nacional de España, y actúan en el Auditorio Nacional de Madrid.

Ese mismo año recopiló sus grandes éxitos, como Sólo le pido a Dios, La puerta de Alcalá o A la sombra de un león, y los recogió en un disco editado en Argentina que lleva por título Ana Belén en Argentina. Por este trabajo recibió el premio Martín Fierro a la mejor cantante extranjera. Ana Belén ya había publicado hasta ese momento varios recopilatorios que repasaban sus más importantes éxitos como fueron los discos: Ana Belén, 20 éxitos en 1996 o 26 grandes canciones de amor y una nube blanca en 1989, entre otros.

Primeros años de la década del 2000

Peces de ciudad - nominación al Grammy Latino

En mayo de 2001 publica un disco de canciones inéditas titulado Peces de ciudad, con once canciones de autores como Joaquín Sabina, Carlos Varela, Víctor Manuel, Fito Páez y Franco De Vita, entre otros. El primer single fue la canción que da título al disco, de Joaquín Sabina, que se convirtió pronto en una de las canciones más representativas de la carrera musical de Ana Belén. El segundo single fue la canción Si me nombras y también alcanzó notables éxitos.

Con este álbum obtuvo un Doble Disco de Platino, fue nominada al Grammy Latino y al Premio Amigo en la categoría de mejor solista femenina.

Dos en la carretera

En 2001 realiza una nueva gira multitudinaria junto a Víctor Manuel, llamada Dos en la carretera, en la que se presentaron las canciones de sus discos en solitario Peces de ciudad y El hijo del ferroviario, además de repasar importantes éxitos como Asturias, El hombre del piano, Derroche o La puerta de Alcalá. Con esta gira consiguen grandes éxitos en España y Latinoamérica.

Con una puesta en escena dirigida de nuevo por José Carlos Plaza, el 21 de septiembre de 2001 consiguen llenar la Plaza de Toros de Las Ventas en Madrid, en un concierto al que acudieron sobre el escenario Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Miguel Ríos, Fito Páez y Pedro Guerra e invitados del mundo de la cultura como Concha Velasco, Nacho Duato, Jesús del Pozo, Cecilia Roth y Antonio Resines, entre otros. Dicho concierto se graba en directo y se edita con posterioridad en un disco (CD+DVD) que alcanza grandes éxitos de ventas. En esta gira comienza a acompañarles en sus espectáculos el hijo de ambos: David San José, al teclado, junto a la banda habitual de músicos formada entre otros por Mariano Díaz, Andreas Prittwitz y Ángel Crespo.

Antigua vida mía

En 2001 estrena la película Antigua vida mía junto a Cecilia Roth, una coproducción de España y Argentina. Rodada en Buenos Aires y Guatemala, esta película de Héctor Olivera no recibió buenas críticas. En esta película, adaptación realizada por Ángeles González Sinde de una conocida novela de la escritora Marcela Serrano, interpretó a una famosa cantante de éxito que mantiene una dulce amistad con una mujer que sufre malos tratos por parte de su marido.

En la película Ana Belén canta El vals de Violeta, una canción compuesta por Jorge Drexler.

Teatro, cine y música. 2002- 2005

Después de regresar con proyectos nuevos como el disco Peces de ciudad y la gira Dos en la carretera, Ana Belén siguió trabajando en proyectos musicales y sobre todo interpretativos en el teatro, con distintas obras, y en el cine, con una película tras Antigua vida mía. Siguió recibiendo premios y homenajes, colaborando con otros artistas en la música y el compromiso político, sin dejar de hacer balance de sus años de trayectoria profesional con una biografía.

Defensa de dama

Su vuelta al teatro se produce en 2002, con la obra Defensa de dama, dirigida por José Luis Gómez y coprotagonizada por Antonio Valero y Juan José Otegui, en los papeles del marido y el padre del personaje de Ana Belén. Creada en base a testimonios reales de mujeres maltratadas, la obra fue escrita por Joaquín Hinojosa e Isabel Carmona, y tuvo un gran éxito de crítica y público, y se llevó a Estudio 1 con Amparo Larrañaga como protagonista femenina. La obra fue estrenada en el Teatro de La Abadía de Madrid, propiedad del director de la obra José Luis Gómez, y posteriormente inició una gira que recorrió diversas ciudades españolas, donde se representó con gran acogida. Con esta obra, Ana Belén consiguió la segunda posición a la mejor actriz teatral en los Premios Mayte de las artes escénicas.

En esta obra, Ana Belén interpretó el drama de una mujer que sufre malos tratos por parte de su marido y que vive angustiada y enquistada en el dolor que le produce recordar que fue violada por su propio padre cuando no era más que una adolescente.

Ana Belén. Biografía de un mito. Retrato de una generación

El 7 de noviembre de 2002 se publica su primera biografía autorizada, llamada Ana Belén. Biografía de un mito. Retrato de una generación, pensada, ideada y escrita por el periodista de El País Miguel Ángel Villena, que empezó a escribirla con la estrecha colaboración de la artista en 2001, bajo la editorial Plaza & Janés y con la intención de contar no solo la historia personal y profesional de Ana Belén, sino también la trayectoria social que ha vivido España en los últimos años, desde el punto de vista de su generación. La propia artista cedió fotografías personales inéditas en exclusiva para dicha biografía.

Ana Belén presentó el libro junto a su marido Víctor Manuel y el autor del mismo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid ante los medios de comunicación, en un acto que contó con la asistencia de diversos invitados y amigos de la artista, como José Carlos Plaza, Gerardo Vera, Loles León, José Luis García Sánchez, el diseñador de moda Jesús del Pozo y la política y ex - ministra de cultura Carmen Alborch, entre muchos otros.

Viva L´Italia

En noviembre de 2003 edita un nuevo disco: Viva L'Italia, en el que rinde tributo a la música italiana con canciones de Domenico Modugno, Gino Paoli, Francesco de Gregori, Claudio Baglioni y Mina entre otros. También interpreta a dúo la canción Canción junto a Lucio Dalla. Las canciones fueron adaptadas al castellano por Víctor Manuel, la producción fue de nuevo realizada por Emanuele Rufinengo y el proceso de grabación se produjo en Milán, Roma y Madrid.

El álbum fue Disco de Oro en España, se rodaron varios videoclips con los singles y se editó una edición especial del disco que cosechó bastante éxito y con él, Ana Belén realizó una gira con Víctor Manuel a lo largo del año 2004 presentando el álbum, así como el disco El perro del garaje, de Víctor Manuel. Con dicha gira recorren España.

Colaboraciones, compromiso político y homenajes

En 2003 colabora en la plataforma cultural contra la Guerra de Irak con la ayuda de otros artistas como Juan Diego, Pedro Almodóvar, Jordi Dauder o Pilar Bardem, que salieron junto a miles de personas a la calle en protesta al apoyo del Gobierno de España a dicho conflicto. Su compromiso con ello pasó también por entrar junto a actores como Aitana Sánchez Guijón, Juan Echanove o María Barranco al Congreso de los Diputados con camisetas de protesta mientras el por entonces Presidente del Gobierno José María Aznar, uno de los líderes mundiales que apoyaron a George Bush en la Guerra de Irak, comparecía en el hemiciclo.

Ese año también colabora con el hijo del fallecido cantaor flamenco Juanito Valderrama en su disco La memoria del agua, en el que canta la canción Envidia, una canción a caballo entre la balada y el flamenco de la que se graba un videoclip con los dos cantantes.

En 2003 también graba en castellano e inglés la balada I only have eyes for you con el cantante británico Rod Stewart en su disco The great american song book volumen II, en el que también colaboraron las cantantes Queen Latifah y Cher con otros duetos con el artista.

El 18 de febrero de 2003 recibe un homenaje en el Instituto Cervantes de Toulouse por su carrera cinematográfica, al que acudió para realizar varias conferencias y coloquios. En el homenaje, durante una semana se proyectaron algunas de sus películas como La casa de Bernarda Alba, La Corte de Faraón, La colmena, Demonios en el jardín y El amor perjudica seriamente la salud, o Cómo ser mujer y no morir en el intento; su única incursión en la dirección cinematográfica.

A mediados de 2003 graba en el disco homenaje a José Alfredo Jiménez "XXX Un Mundo Raro", la canción que da nombre al homenaje Un Mundo Raro

En junio de 2004 colabora y participa activamente en un concierto realizado en homenaje a los republicanos que sufrieron el impacto de las consecuencias de la Guerra Civil Española. El recital se celebró en la localidad de Rivas Vaciamadrid, llevando como nombre Recuperando memoria. De ese concierto se editó un disco (CD+DVD). En él recitó el poema del fallecido Pedro Garfias Madrid y bajo la metralla y cantó junto a su marido Víctor Manuel y el cantautor canario Pedro Guerra la canción Contamíname. En dicho concierto también participaron la actriz Pilar Bardem, el cantante Miguel Ríos, la escritora Almudena Grandes y su marido Luis García Montero, el cantante Paco Ibáñez, los actores Juan Diego y José Sacristán y los cantautores Luis Eduardo Aute y Lluís Llach, entre otros.

Ese mismo año colabora en un disco homenaje a Pablo Neruda producido por su marido Víctor Manuel: Neruda en el corazón, en el que también colaboran Julieta Venegas, Enrique Morente, Soledad Giménez, Joan Manuel Serrat, Miguel Bosé y Pablo Milanés. Ana Belén canta Tonada de Manuel Rodríguez, la cual interpretó en la Teletón de Santiago de Chile, por medio de una emotiva actuación retransmitida a toda Latinoamérica. Precisamente es allí donde este proyecto les reporta más triunfos profesionales y particularmente en Santiago de Chile. Todos los artistas que colaboraron en el disco realizaron un exitoso concierto en el Palau Sant Jordi.

Fue uno de los integrantes de la "Plataforma para el Apoyo de Zapatero", apoyando la candidatura socialista de José Luis Rodríguez Zapatero para la presidencia del Gobierno, una plataforma en la que participaron actores, deportistas, cantantes y españoles destacados, entre los que se puede citar a Concha Velasco, Fran Perea, Álvaro de Luna, Joan Manuel Serrat y David Meca, entre otros.

Cosas que hacen que la vida valga la pena

En 2004 estrena la película Cosas que hacen que la vida valga la pena de Manuel Gómez Pereira, escrita por Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano, que le reporta muchos triunfos profesionales. Ganó el premio a la mejor actriz en el Festival de Montecarlo y el Premio Turia a la mejor intérprete femenina cinematográfica del año, y además fue nominada en la XIX edición de los Premios Goya de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España como actriz protagonista, a los premios de la Unión de Actores y a los Fotogramas de Plata como actriz de cine protagonista.

En esa película, ganadora del Premio del Público en el Festival de Cine Español de Málaga, compartió protagonismo con Eduard Fernández y en ella interpretan a Hortensia y Jorge, dos personas desencantadas de la vida que se enamoran y deciden iniciar una nueva vida en común. En el reparto también figuran María Pujalte y José Sacristán y la banda sonora de la película incluye canciones originales cantadas por Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, Pasión Vega y Miguel Ríos.

Diatriba de amor contra un hombre sentado

El 13 de febrero de 2004 vuelve al teatro con la obra de Gabriel García Márquez Diatriba de amor contra un hombre sentado, la única pieza teatral del autor, y el primer monólogo de la carrera interpretativa de Ana Belén. La obra la estrenó en el Palacio de Festivales de Santander y con ella realizó una gira durante varios meses, que se retomó el 8 de abril de 2005 en el Teatro Romea de Barcelona. Con ella recorrió ciudades españolas como Bilbao, Málaga, Jaén, Almería, Cádiz, Alicante, Albacete o Madrid, donde se representó en el Teatro de La Latina durante más de un mes. En la obra, desarrollada en el Caribe, interpretó a Graciela, una mujer que narra la historia de su vida frente a su marido, que permanece ausente. La dirección corrió a cargo de José Carlos Plaza, la minimalista y peculiar escenografía fue creada por Gerardo Vera, la música fue compuesta y dirigida por el hijo de Ana Belén, David San José y del diseño gráfico del cartel fue responsable Juan Gatti.

La interpretación de Ana Belén fue bien acogida por la crítica y fue nominada a diversos premios teatrales del año, incluido el Premio Mayte de las artes escénicas.

Una canción me trajo aquí - 30 años de historia musical

Su siguiente proyecto fue la gira Una canción me trajo aquí junto a Víctor Manuel, que comenzó el 25 de junio de 2005 junto al Acueducto de Segovia. Este espectáculo, con el que recorrieron España y Latinoamérica, repasa los más de 30 años de trayectoria musical de la pareja cantando sus grandes éxitos de manera continua, enlazados como un medley. De esta gira se publica en febrero de 2006 un álbum (CD+DVD) con el concierto que grabaron en directo en el Teatro romano de Mérida el 16 de septiembre de 2005. Con este espectáculo estuvieron en el Palacio de la Música Catalana y una semana en el Teatro Gran Vía de Madrid, entre otros lugares de España y Latinoamérica. La gira concluyó en octubre de 2006, durante el cierre de la XVI cumbre de Iberoamérica en Uruguay, ante 15.000 personas. La recaudación de ese concierto fue a beneficio de un hospital.

En esta gira, además de sus músicos como Ángel Crespo, Andreas Prittwitz, Mariano Díaz o su hijo David San José al teclado, también les acompañó haciendo los coros la hija de la pareja: Marina San José. En esta misma gira también, además de repasar sus mayores éxitos musicales, estrenaron tres canciones inéditas: El largo viaje, compuesta por David San José, Cuando arreglábamos el mundo y Una canción me trajo aquí, canción que da título a la gira y al disco, compuesto por el ganador de un Óscar Jorge Drexler.

Durante esta gira, el 12 de enero de 2006, participa con su marido Víctor Manuel y otros artistas como Miguel Bosé en el cierre de la Campaña Electoral de Michelle Bachelet en el Paseo de la Alameda de Santiago de Chile.

Música, teatro y homenajes. Regreso a Mérida. 2006-2010

Después de estar más de un año en la gira Una canción me trajo aquí, Ana Belén se involucró en nuevos proyectos tanto en la música como en la interpretación, no dejando de colaborar tampoco con otros artistas y de recibir premios, nominaciones y homenajes a toda su carrera profesional como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes o el recibido en el Festival de Cine Español de Málaga. Publicó un nuevo disco de canciones inéditas en marzo de 2007: Anatomía y comenzó una nueva gira teatral con la obra clásica de la mitología griega Fedra.

Premio Málaga a toda la trayectoria cinematográfica

El 18 de marzo de 2006 recibió el Premio Málaga (Biznaga de Plata) durante la novena edición del Festival de Cine Español de Málaga e inauguró su monolito situado en el Paseo Marítimo Antonio Banderas de la ciudad, en reconocimiento a su extensa carrera cinematográfica como actriz. Durante el festival se proyectaron sus películas más representativas como La Corte de Faraón o La pasión turca. El galardón lo recibió en un emotivo acto celebrado en el Teatro Cervantes de Málaga de manos de compañeros de profesión y amigos como Imanol Arias, Pastora Vega y Juan Echanove. Este reconocimiento cinematográfico lo poseen otras personalidades del cine español como Carmen Maura, Ángela Molina, Concha Velasco, Verónica Forqué o Geraldine Chaplin.

Anatomía

En 2006 comienza a grabar con el productor Javier Limón un nuevo trabajo discográfico que se publica el 6 de marzo de 2007 con el nombre de Anatomía, en el que se incluyen trece canciones inéditos de autores como Joaquín Sabina, Javier Limón, Pablo Guerrero, su hijo David San José, Bebe y Víctor Manuel entre otros, y que contó con la producción de Javier Limón. En él hay colaboraciones de músicos como Niño Josele con la guitarra flamenca. El primer single, titulado Pobrecita de mi está compuesto por Joaquín Sabina y con él se rodó un videoclip. El disco, el decimonoveno de su carrera en solitario, ha sido certificado con un Disco de Oro en España y con él comenzó una gira en solitario por toda España el 19 de enero de 2008, que se prolongó hasta el 1 de junio. Un sobrio espectáculo diseñado y dirigido por José Carlos Plaza en el que fue acompañada por su banda habitual de músicos, entre los que destacan Mariano Díaz, Santi Ibarretxe, Ovidio Pérez, el batería Ángel Crespo y su propio hijo David San José al teclado, entre otros. Repasando casi todas las canciones del disco y clásicos más o menos conocidos de su repertorio como El hombre del piano, Lía o A la sombra de un león, la artista pasó por más de veinte ciudades y por lugares emblemáticos como el Gran Casino de Aranjuez o el Palacio de la Música Catalana, finalizando su recorrido en el Teatro Gran Vía de Madrid, donde realizó siete conciertos consecutivos desde el 26 de mayo hasta el 1 de junio de 2008.

Por este disco, optó en la VIII edición de los Grammy Latino al Gramófono de Oro en la categoría de mejor álbum pop vocal femenino, compartiendo nominación con Shaila Dúrcal, ILona, Belinda y Laura Pausini, quien resultó finalmente vencedora.

Fedra

El 12 de julio de 2007 se estrenó en la inauguración de la LIII edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida la tragedia griega Fedra, con versión del dramaturgo Juan Mayorga y bajo la dirección de José Carlos Plaza. La obra, un clásico inmortalizado por Eurípides y Séneca entre otros, batió récords con más de 22.000 espectadores, lo que la convierte en la segunda obra con más público en la historia del festival. Después, la obra emprendió una gira que recaló el 1 de agosto en el Festival Grec de Barcelona. El 7 de septiembre Fedra se estrenó con gran éxito en el Teatro Bellas Artes de Madrid y se representó hasta el 28 de octubre. El 1 y el 2 de noviembre se representó en el Gran Teatro de Córdoba y en San Sebastián en el Teatro Victoria Eugenia durante los días 10 y 11 de noviembre. Además, la gira pasó por otras ciudades de la geografía española como Sevilla, Bilbao, Almería y Alicante. En esta obra compartió reparto con Alicia Hermida y Fran Perea entre otros actores.

Por Fedra, Ana Belén ganó el Fotogramas de Plata en la categoría de mejor actriz teatral por votación de los lectores, y fue candidata en los Premios Mayte de las artes escénicas, los Premios Ercilla y en los galardones de la Unión de Actores como actriz de teatro. Además, junto a once candidatos más, estuvo nominada al Premio Valle-Inclán de Teatro, resultando la finalista en una segunda posición, durante una ceremonia de entrega ofrecida en el Teatro Real de Madrid.

Debido al gran éxito de público y crítica, la obra se reestrena en septiembre de 2009 en Madrid. Después, emprende una gira por toda España, visitando ciudades como Zaragoza, Málaga, Palma de Mallorca y Las Palmas de Gran Canaria, entre otras. Hasta la fecha, más de 83.000 espectadores han visto la función.

Tal para cual

El 26 de junio de 2008, Ana Belén y Víctor Manuel iniciaron la gira conjunta Tal para cual, en la que presentaron canciones de sus discos en solitario: Anatomía y No hay nada mejor que escribir una canción, respectivamente. Juntos protagonizaron un espectáculo, que recorrió España por ciudades como León, Zaragoza, Madrid o Barcelona y que viajó a países como México, Chile, Costa Rica y Colombia en diversas fases desde 2008 hasta 2013.

Colaboraciones musicales

El 8 de marzo de 2007, día de la mujer trabajadora, ofreció un concierto en Gijón junto a su hijo David San José al piano, rindiendo homenaje a cientos de mujeres asturianas.

El 14 de marzo de 2007 colaboró en el concierto-homenaje del veinte aniversario de la ONG Solidaridad Internacional, acompañada por otros muchos rostros del mundo del espectáculo como Joan Manuel Serrat, Ismael Serrano, Miguel Ríos, Pilar Bardem, Víctor Manuel, Lola Herrera, Iñaki Gabilondo o Luis Eduardo Aute.

Ese mismo año 2007 se edita un álbum (CD+DVD) llamado Tatuaje, el cual trata de rendir tributo a la canción típica española. En él, diversos artistas de distintos estilos musicales ponen sus voces a clásicos de la copla de Miguel de Molina o Concha Piquer entre muchos otros cantantes en varias actuaciones para Televisión Española, por medio de una gala muy teatral presentada por la actriz Pastora Vega. Ana Belén canta precisamente, de forma más melódica, la canción Tatuaje, canción por excelencia de la estrella de la copla Concha Piquer. En este álbum también participan cantantes como Cristina del Valle, Antonio Carmona, Enrique Bunbury, Rosario Flores, Luis Eduardo Aute, Antonio Vega, Joaquín Sabina, Marta Sánchez, Malú, Andrés Calamaro, David Bisbal, Pasión Vega, Carmen París y su propio marido Víctor Manuel entre otros.

Junto a este último proyecto discográfico de Tatuaje, Ana Belén también se involucra en 2007 en el disco La Zarzuela + pop cantando Bella enamorada, un trabajo musical que trata de acercar el género de la zarzuela al público joven mezclando e introduciendo dicho género en el pop actual. Ana Belén colabora junto a distintos cantantes como Pasión Vega, Chano Domínguez, Martirio o Jaime Urrutia, que ponen sus voces a clásicos como La verbena de la paloma. El álbum ha sido editado con el apoyo de la SGAE y el Teatro de la Zarzuela.

Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes

En junio de 2007 se le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, galardón anual honorífico a toda la trayectoria artística, otorgado por el Consejo de Ministros y entregado en la Catedral de Toledo el 12 de diciembre de 2007, en un solemne acto presidido por los Príncipes de Asturias. Ese mismo año, este premio también se lo concedieron a diversas personalidades del mundo de la cultura como el cantautor Paco Ibáñez, la actriz Nati Mistral, el cineasta Bernardo Bertolucci, el torero Enrique Ponce, el cocinero Ferran Adriá o la presentadora y actriz Cayetana Guillén Cuervo por su programa Versión española de la 2 de Televisión Española.

Plataforma de Apoyo a Zapatero

En febrero de 2008 Ana Belén, junto a cientos de ciudadanos anónimos y diversas personalidades del mundo de la cultura como su marido Víctor Manuel, Pedro Almodóvar, Álvaro de Luna, Concha Velasco, Miguel Bosé, Juan José Millás, Soledad Giménez, José Luis Cuerda, José Saramago, Joaquín Sabina, María Barranco, Bernardo Bertolucci, Marisa Paredes y Joan Manuel Serrat entre otros, entró a formar parte de PAZ (Plataforma de Apoyo a Zapatero), organización conformada por más de dos mil personas que apoyaron y reivindicaron el voto para el Presidente del Gobierno José Luis Rodríguez Zapatero del PSOE, con la intención de que saliera de nuevo elegido en las pasadas Elecciones Generales del 9 de marzo de 2008.

Con esta plataforma, todos los integrantes hicieron público un manifiesto en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y realizaron varios vídeos propagandísticos en los que con un gesto haciendo referencia a las cejas del Presidente del Gobierno en lengua de signos trataron de apoyarle. En otro de los vídeos, que despertaron grandes polémicas, los artistas adaptaron y cantaron juntos una canción de Joan Manuel Serrat: Defender la alegría, basada en un poema del escritor y poeta uruguayo Mario Benedetti.

Tras la definitiva victoria del PSOE en las Elecciones Generales del 9 marzo de 2008, Ana Belén estuvo apoyando activamente junto a cientos de personas a José Luis Rodríguez Zapatero con Víctor Manuel, José Carlos Plaza, Rosa León y Fran Perea entre otros artistas desde la Calle Ferraz en Madrid, donde se encuentra la sede central del partido.

Colaboraciones, homenajes y firmas publicitarias

El 5 de febrero de 2008, la cantante Soledad Giménez (ex vocalista de Presuntos Implicados) lanzó al mercado su nuevo álbum en solitario, en el que canta una canción a dúo con ella: La felicidad. Asimismo, ese día se publica el nuevo álbum en solitario de su marido Víctor Manuel: No hay nada mejor que escribir una canción, en el cual colabora en los coros.

A partir de febrero de 2008 Ana Belén se presentó ante los medios de comunicación como la nueva imagen publicitaria oficial de la línea o gama comercial de productos cosméticos Vitesse Excellent, anunciando unas cremas faciales destinadas a mujeres maduras con una edad superior a los cuarenta años. Esta campaña publicitaria supone ser la primera en la que Ana Belén cede su imagen a una marca privada determinada.

El 12 de marzo de 2008 se le rindió un homenaje como actriz cinematográfica en la XIV Muestra de Cine Español de Tudela. En ella se proyectó la película La Corte de Faraón y se hizo un coloquio en el que estuvo ella como invitada junto al director de la película, José Luis García Sánchez.

El 14 de abril de 2008 participa en un homenaje al fallecido guionista Rafael Azcona, recitando un poema sobre el escenario del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Este año también colabora con la ONG Survival International, poniendo su voz a la narración del documental Indígenas aislados, junto al actor Óscar Jaenada.

El 14 de junio de 2008 colaboró en el concierto Para la libertad, dirigido por José Carlos Plaza en el Palacio de Vista Alegre en Madrid, en homenaje a los quinientos presos y represaliados políticos del Franquismo. En él cantó La muralla, España, camisa blanca de mi esperanza y Rumbo al Sur.

El 7 y 8 de noviembre del 2008 participó junto a miles de personas anónimas en el concierto internacional homenaje al fallecido Presidente Chileno Salvador Allende, conmemorando así el año de su centenario. En la organización de dicho evento está profundamente implicado su marido Víctor Manuel y en él participaron muchos artistas de carácter internacional. Se celebraron dos conciertos consecutivos los días 7 y 8 de noviembre de 2008 en el Estadio Nacional de Chile bajo el título 100 años, 1000 sueños.

A finales de julio de 2008 su hijo David la convirtió en abuela primeriza de una niña.

La plaça del diamant

El 28 de abril de 2008, Ana Belén realizó en el Teatro Español de Madrid un espectáculo donde recitó e interpretó una lectura dramatizada de un fragmento de la mítica obra literaria catalana La plaça del diamant de la escritora Mercè Rodoreda, por medio de una versión traducida al castellano dirigida por Joan Ollé. Conmemorando el centenario del nacimiento de su autora, dicho espectáculo pertenece al calendario de actividades internacionales que promocionan la cultura catalana en todo el mundo bajo la coordinación del Institut Ramon Llull (IRL) y el apoyo de la Generalidad de Cataluña y el Centro Cultural Blaquerna. Sobre una íntima puesta en escena, Ana Belén dio vida a través de un monólogo a Colometa. El espectáculo se representó también en México, durante el festival anual de Guanajuato.

Gira con Rosa Torres-Pardo, regreso a la televisión, nuevo álbum y Electra. 2011-2013

Música callada. La vida rima

El 7 de abril de 2011 inicia en Bilbao una gira con la pianista Rosa Torres-Pardo. El espectáculo, con guion de Luis García Montero y dirigida por José Carlos Plaza, lleva por título Música callada. La vida rima y está compuesto de textos poéticos y piezas musicales. Recorren teatros y auditorios de España, en ciudades como Bilbao, Madrid, Jaén, Mérida o Santiago de Compostela.

Colaboraciones televisivas: Cheers y Hospital Central

En septiembre de 2011 interviene en el primer capítulo de la versión española de la serie Cheers, interpretando a Emilia, la prometida del personaje que encarna Antonio Resines. En 2012 también participa como invitada especial en un capítulo de la vigésima temporada de la serie Hospital Central, dando vida a Ana Besteiro, una psicóloga que sufre agorafobia.

A los hombres que amé

El 15 de noviembre de 2011 Ana Belén publica un nuevo álbum de estudio, A los hombres que amé, con el que rompe cuatro años de silencio discográfico. En el disco recrea canciones de 14 de sus autores preferidos, entre los que figuran Joaquín Sabina, Víctor Manuel, Kiko Veneno, Joan Manuel Serrat y Chico Buarque. Como primer sencillo se extrae una versión del clásico de Luis Eduardo Aute Las cuatro y diez. Con este disco, la artista protagoniza un especial musical emitido por La 1 en Nochebuena. El álbum es certificado Disco de Oro por sus ventas en España. En marzo de 2012, la cantante emprende una gira para presentar el álbum, que la lleva a ofrecer su primer concierto en el Teatro del Liceo de Barcelona y a actuar durante 5 noches consecutivas en el Teatro Español de Madrid.

Electra

Ana Belén regresa al Festival de Teatro de Mérida en su 58ª edición para encarnar a Electra. La dirección del montaje corre a cargo de José Carlos Plaza y la adaptación de la tragedia de Eurípides es obra de Vicente Molina Foix. En el espectáculo, que se representa del 20 al 29 de julio de 2012, la actriz comparte escenario con Julieta Serrano y Fran Perea, entre otros. La obra obtiene el Premio Ceres del Público al mejor espectáculo de la 58ª edición del Festival.

Discografía

Álbumes de estudio

En solitario

  • Tierra (1973)
  • Calle del Oso (1975)
  • La paloma del vuelo popular (1976)
  • De paso (1977)
  • Ana (1979)
  • Con las manos llenas (1980)
  • Ana Belén (en italiano) (1981)
  • Ana en Río (1982)
  • Ana Belén (en portugués) (1982)
  • Géminis (1984)
  • A la sombra de un león (1988)
  • Rosa de amor y fuego (1989)
  • Como una novia (1991)'
  • Veneno para el corazón (1993)
  • Mírame (1997)
  • Lorquiana. Poemas de Federico García Lorca (1998)
  • Lorquiana. Canciones populares de Federico García Lorca (1998)
  • Peces de ciudad (2001)
  • Viva l'Italia (2003)
  • Anatomía (2007)
  • A los hombres que amé (2011)

Con otros artistas

  • Para la ternura siempre hay tiempo (con Víctor Manuel) (1986)
  • Ana Belén y Miguel Ríos cantan a Kurt Weill (con Miguel Ríos) (1999)

Recopilatorios

  • Lo mejor de Ana Belén (1979)
  • Grandes éxitos (1986)
  • 26 grandes canciones y una nube blanca (1989)
  • 20 éxitos (1996)
  • Ana Belén en Argentina (1999)
  • Los grandes éxitos...y mucho más (CD+DVD) (2008)

Álbumes en directo

CD

  • Víctor y Ana en vivo (1983)
  • Mucho más que dos (2 CD) (1994)
  • El gusto es nuestro (1996)
  • Dos en la carretera (CD+DVD) (2001)
  • Una canción me trajo aquí (CD+DVD) (2005)

DVD

  • Mucho más que dos (1994)
  • El gusto es nuestro (1996)
  • Dos en la carretera (2001)
  • Una canción me trajo aquí (2005)

Bandas sonoras

  • Zampo y Yo (1965)
  • Al diablo con amor (1973)
  • La Corte de Faraón (1985)
  • Divinas palabras (1987)

Colectivos

Sencillos

  Tierra
  • Sencillos:
  1. "Dieron las diez"
  2. "Lady Laura"
  3. "Quiero ser canto y rodar"
  Calle del Oso
  • Sencillos:
  1. "Todas las cosas van hacia ti"
  La paloma del vuelo popular
  • Sencillos:
  1. "Me matan si no trabajo"
  Ana
  • Sencillos:
  1. "Agapimú"
  2. "Desde mi libertad"
  3. "Los amores de Ana"
  4. "Vuelo blanco de gaviota"
  Con las manos llenas
  • Sencillos:
  1. "Que será"
  2. "No volverán"
  3. "Banana republic"
  4. "El hombre del piano"
  Ana en Río
  • Sencillos:
  1. "Balance"
  2. "Planeta agua"
  3. "Caminando"
  Víctor y Ana en vivo
  • Sencillos:
  1. "La muralla"
  Géminis
  • Sencillos:
  1. "Solo le pido a Dios"
  2. "España, camisa blanca de mi esperanza"
  3. "Mira Luna"
  Para la ternura siempre hay tiempo
  • Sencillos:
  1. "La puerta de Alcalá"
  2. "Niña de agua"
  3. "Así soy"
  A la sombra de un león
  • Sencillos:
  1. "A la sombra de un león"
  2. "En sus ojos un barco"
  Rosa de amor y fuego
  • Sencillos:
  1. "Arde París"
  2. "Lía"
  3. "Ya no puedo parar"
  Como una novia
  • Sencillos:
  1. "Camino de vuelta"
  2. "Margaritas a los cerdos"
  Veneno para el corazón
  • Sencillos:
  1. "La mentira"
  2. "Derroche"
  3. "Derroche (con Juan Luis Guerra y 4:40)"
  4. "Que malo eres"
  5. "No me voy sin bailar"
  Mucho más que dos
  • Sencillos:
  1. "Contamíname"
  2. "Mediterráneo (con Joan Manuel Serrat)"
  3. "Solo le pido a Dios (con Antonio Flores)"
  4. "Marilyn Monroe (con Manolo Tena)"
  Mírame
  • Sencillos:
  1. "No sé por qué te quiero (con Antonio Banderas)"
  2. "Entre dos amores"
  3. "Amigas"
  4. "Un vestido y un amor (con Fito Páez)"
  5. "Tú me amas (con Ketama)"
  Lorquiana
  • Sencillos:
  1. "Son de negros en Cuba"
  2. "Herido de amor"
  3. "Pequeño Vals Vienés"
  Ana Belén y Miguel Ríos cantan a Kurt Weill
  • Sencillos:
  1. "La Luna de Alabama"
  Peces de ciudad
  • Sencillos:
  1. "Peces de ciudad"
  2. "Si me nombras"
  3. "Tengo miedo"
  Dos en la carretera
  • Sencillos:
  1. "Solo le pido a Dios"
  2. "No sé por qué te quiero"
  Viva L´Italia
  • Sencillos:
  1. "Ahora"
  2. "Respirando"
  Una canción me trajo aquí
  • Sencillos:
  1. "Una canción me trajo aquí"
  Anatomía
  • Sencillos:
  1. "Pobrecita de mi"
  2. "Tan azul"
  A los hombres que amé
  • Sencillos:
  1. "Las cuatro y diez"

Filmografía como actriz y directora

Película Director Año
Zampo y yo Luis Lucia 1965
Españolas en París Roberto Bodegas 1971
Aunque la hormona se vista de seda Vicente Escrivá 1971
Morbo Gonzalo Suárez 1972
Al diablo, con amor Gonzalo Suárez 1973
Separación matrimonial Angelino Fons 1973
Vida conyugal sana Roberto Bodegas 1974
El amor del capitán Brando Jaime de Armiñán 1974
Tormento Pedro Olea 1974
A flor de piel (cortometraje) Luis Eduardo Aute 1975
Jo, papá Jaime de Armiñán 1975
Emilia... parada y fonda Angelino Fons 1976
La petición Pilar Miró 1976
El Buscón Luciano Berriatúa 1976
La oscura historia de la prima Montse Jordi Cadena 1977
La criatura Eloy de la Iglesia 1977
Sonámbulos Manuel Gutiérrez Aragón 1978
Jaque a la dama Francisco Rodríguez 1978
Cuentos eróticos Jaime Chávarri, Josefina Molina, Fernando Colomo 1980
La colmena Mario Camus 1982
Demonios en el jardín Manuel Gutiérrez Aragón 1982
La Corte de Faraón José Luis García Sánchez 1985
Sé infiel y no mires con quién Fernando Trueba 1985
Adiós pequeña Imanol Uribe 1986
La casa de Bernarda Alba Mario Camus 1987
Divinas palabras José Luis García Sánchez 1987
Miss Caribe Fernando Colomo 1988
El vuelo de la paloma José Luis García Sánchez 1989
Cómo ser mujer y no morir en el intento Ana Belén 1991
Después del sueño Mario Camus 1992
Rosa rosae Fernando Colomo 1993
El marido perfecto Beda Docampo Feijóo 1993
Tirano Banderas José Luis García Sánchez 1993
La pasión turca Vicente Aranda 1994
Libertarias Vicente Aranda 1996
El amor perjudica seriamente la salud Manuel Gómez Pereira 1996
Cada día hay más besos (cortometraje) Gregorio Guzmán 1999
Antigua vida mía Héctor Olivera 2001
Cosas que hacen que la vida valga la pena Manuel Gómez Pereira 2004

Televisión

Serie/Programa Episodio Año
Hora once Ligazón 1968
Teatro de siempre Los caprichos de Mariana 1970
Teatro de siempre Hamlet en los suburbios 1970
Teatro de siempre La comedia nueva 1970
Pequeño estudio La trampa 1970
Novela Crimen y castigo 1970
Novela La pequeña Dorrit 1970-1971
Teatro de siempre Antígona 1970
Hora once El extraño secreto de Shalken, el pintor 1970
Hora once Eleonora 1971
Juegos para mayores La finca 1971
Estudio 1 Retablo de las mocedades del Cid 1971
Estudio 1 Romeo y Julieta 1972
Fortunata y Jacinta Protagonista 1980
Petra Delicado Protagonista 1999
Cheers Corbatas y pigmeos 2011
Hospital Central Fobias 2012

Teatro

Obra Autor Año
Numancia Miguel de Cervantes 1966
El burlador de Sevilla Tirso de Molina 1966
El rey Lear William Shakespeare 1967
Las mujeres sabias Molière 1967
El rufián castrucho Lope de Vega 1968
Don Juan Tenorio José Zorrilla 1968
Medida por medida William Shakespeare 1969
Las mocedades del Cid Guillén de Castro 1969
Te espero ayer Manuel Pombo Angulo 1969
El sí de las niñas Leandro Fernández de Moratín 1969
El condenado por desconfiado Tirso de Molina 1970
Los niños Diego Salvador Blanca 1970
Sabor a miel Shelagh Delanay 1971
Ravos Víctor Manuel San José 1972
Antígona Jean Anouilh 1975
Tío Vania Antón Chejov 1978
La hija del aire Pedro Calderón de la Barca 1981
La gallina ciega (Lectura dramatizada) Max Aub 1983
La casa de Bernarda Alba Federico García Lorca 1984
Hamlet William Shakespeare 1989
La gallarda Rafael Alberti 1992
El mercader de Venecia William Shakespeare 1992
La bella Helena Jacques Offenbach 1995
Defensa de dama Isabel Carmona y Joaquín Hinojosa 2002
Diatriba de amor contra un hombre sentado Gabriel García Márquez 2004
Fedra Juan Mayorga 2007 (reposición en 2009)
La plaza del Diamante (Lectura dramatizada) Mercè Rodoreda 2008
Electra Eurípides 2012

Premios y nominaciones

Premios generales

Fotogramas de Plata
Año Categoría Película/Montaje/Serie/Álbum Resultado
2007 Mejor actriz de teatro Fedra Ganadora
2004 Mejor actriz de cine Cosas que hacen que la vida valga la pena Finalista
Mejor actriz de teatro Diatriba de amor contra un hombre sentado Semifinalista
2002 Mejor actriz de teatro Defensa de dama Semifinalista
1999 Mejor actriz de televisión Petra Delicado Semifinalista
1995 Mejor intérprete de teatro La bella Helena Ganadora
1994 Mejor actriz de cine La pasión turca Ganadora
1992 Mejor intérprete de teatro El mercader de Venecia Finalista
1989 Mejor intérprete de teatro Hamlet Finalista
1987 Mejor actriz de cine Divinas palabras
La casa de Bernarda Alba
Finalista
1985 Mejor actriz de cine La Corte de Faraón
Sé infiel y no mires con quién
Finalista
1982 Mejor actriz de cine Demonios en el jardín Finalista
1980 Mejor intérprete de televisión Fortunata y Jacinta Ganadora
1979 Mejor actividad musical   Ganadora
1978 Mejor intérprete de teatro Tío Vania Finalista
1971 Mejor intérprete de televisión Estudio 1: Retablo de las mocedades del Cid Ganadora
Unión de Actores
Año Categoría Película/Montaje Resultado
2007 Mejor actriz protagonista de teatro Fedra Finalista
2004 Mejor actriz protagonista de cine Cosas que hacen que la vida valga la pena Finalista
TP de Oro
Año Categoría Película/Montaje Resultado
1980 Mejor actriz Fortunata y Jacinta Ganadora

Premios cinematográficos

Premios Anuales de la Academia "Goya"
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor interpretación femenina protagonista Cosas que hacen que la vida valga la pena Candidata
1994 Mejor interpretación femenina protagonista La pasión turca Candidata
1991 Mejor dirección novel Cómo ser mujer y no morir en el intento Candidata
1989 Mejor interpretación femenina protagonista El vuelo de la paloma Candidata
1988 Mejor interpretación femenina protagonista Miss Caribe Candidata

 

Festival de Cine de San Sebastián
Año Categoría Película Resultado
1985 Mención especial del jurado La Corte de Faraón Ganadora
1972 Morbo Ganadora

 

Otros

  • 1985
    • Premio Bronce a la mejor actriz por La Corte de Faraón
  • 1991
    • Premio Ondas a la mejor dirección novel por Cómo ser mujer y no morir en el intento
  • 1994
    • Premio ADIRCAE a la mejor actriz por La pasión turca
    • Rosa de Sant Jordi a la mejor actriz por La pasión turca
  • 1997
    • Faro de Plata en el Festival de Alfás del Pí.
  • 2000
    • Premio William Layton.
  • 2001
    • Premio Mujer ELLE.
  • 2003
    • Homenaje en el Festival de Cine de Toulouse
  • 2004
    • Premio a la mejor actriz en el Festival de Montecarlo por Cosas que hacen que la vida valga la pena
    • Premio Turia a la mejor actriz de cine por Cosas que hacen que la vida valga la pena
  • 2008
    • Homenaje a la trayectoria cinematográfica en la XIV Muestra de Cine Español de Tudela

Premios teatrales

Premios Valle Inclán
Año Categoría Montaje Resultado
2007 Personalidad teatral del año Fedra Finalista (2ª posición)
Premios Mayte
Año Categoría Montaje Resultado
2007 Mejor actriz protagonista Fedra Finalista
2005 Diatriba de amor contra un hombre sentado Finalista
2002 Defensa de dama Finalista (2ª posición)
1982 La hija del aire Finalista

Premios musicales

Grammy Latino

Año Categoría Álbum Resultado
2007 Grammy Latino al mejor álbum pop vocal femenino Anatomía Finalista
2001 Grammy Latino a la mejor solista femenina Peces de ciudad Finalista

Premios Amigo

Año Categoría Álbum Resultado
2001 Mejor solista femenina Peces de ciudad Finalista
1998 Lorquiana Finalista
1997 Mírame Finalista

Otros

  • 1996
    • Premio Cadena Dial a la mejor solista femenina
    • Premio de la Música a la mejor gira por El gusto es nuestro

Premios a toda la trayectoria artística


Verónica Forqué


Nombre real Verónica Forqué Vázquez-Vigo
Nacimiento Madrid, España
1 de diciembre de 1955
(57 años)
Familia
Cónyuge Manuel Iborra
Premios
Premios Goya Mejor actriz protagonista
1993 Kika
1987 La vida alegre
Mejor actriz de reparto
1987 Moros y cristianos
1986 El año de las luces
Otros premios Premio Málaga en 2005
Ficha en IMDb

Verónica Forqué Vázquez-Vigo (Madrid, 1 de diciembre de 1955) es una actriz española.

Forqué es una de las pocas actrices españolas que tiene cuatro Goyas, y a lo largo de su carrera ha recibido múltiples premios.

Biografía

Es hija del director y productor José María Forqué y de la escritora Carmen Vázquez-Vigo, hermana del director Álvaro Forqué y nieta del músico y compositor José Vázquez Vigo.

Estudió Arte Dramático e inició la carrera de Psicología, ésta última nunca concluida. Se inicia en el mundo del cine trabajando en películas de su padre a inicios de los setenta, hasta llegar a convertirse en una actriz de comedia durante la década de los ochenta, período en el que consigue diversos Premios Goya.

En el verano de 1980 inició un romance con el también actor Joaquín Kremel.

El gran salto en la carrera cinematográfica de Verónica Forqué se produjo cuando Pedro Almodóvar la convirtió en la entrañable Cristal de ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984).

A lo largo de su carrera ha trabajado con Fernando Trueba en Sé infiel y no mires con quién y El año de las luces, película por la que obtuvo un Goya como actriz de reparto.

Su amistad con Fernando Colomo se tradujo en dos comedias de gran éxito Bajarse al moro y La vida alegre, que le proporcionaron su primer Goya como actriz protagonista el mismo año que ganó un segundo Goya como actriz de reparto por Moros y cristianos, de Luis García Berlanga.

A principios de los noventa comenzó su colaboración con Manuel Gómez Pereira en las comedias Salsa rosa o ¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?, colaboración que se repitió en 2005 con Reinas. En 1993 obtuvo un cuarto Goya por su papel protagonista en Kika, de Pedro Almodóvar, con quién había trabajado anteriormente en ¿Qué he hecho yo para merecer esto? y Matador.

También en la televisión ha ganado gran popularidad, en series como Ramón y Cajal (1982), El jardín de Venus (1983), Platos rotos (1988), Eva y Adán, agencia matrimonial (1990-1991) y Pepa y Pepe (1995).

En el teatro, destaca el papel de Carmina en la primera representación de la obra de José Sanchis Sinisterra, ¡Ay, Carmela! (1986). Otras obras importantes en su haber son: Sublime decisión (1984), Bajarse al moro (1985), formando parte también de la versión cinematográfica de Fernando Colomo, Doña Rosita la soltera (2004), La abeja reina (2009) y Shirley Valentine (2011).

En cuanto a su vida personal, está casada desde 1981 con el director Manuel Iborra y tienen una hija en común, María Clara Iborra Forqué. Además, es budista y ha declarado que "los demás casi nunca tienen la culpa de lo que nos pasa".

Cine

Año Película Director
1972 Mi querida señorita Jaime de Armiñán
1974 Tiempos de constitución Rafael Gordon
1977 La guerra de papá Antonio Mercero
1978 Las Truchas José Luis García Sánchez
1980 El resplandor (Doblaje) Stanley Kubrick
1984 ¿Qué he hecho yo para merecer esto? Pedro Almodóvar
1985 Sé infiel y no mires con quién Fernando Trueba
1986 Matador Pedro Almodóvar
El año de las luces Fernando Trueba
1987 La vida alegre Fernando Colomo
Moros y cristianos Luis García Berlanga
1989 Bajarse al moro Fernando Colomo
1990 Don Juan, mi querido fantasma Antonio Mercero
1991 Salsa rosa Manuel Gómez Pereira
1992 Orquesta Club Virginia Manuel Iborra
1993 Kika Pedro Almodóvar
Amor propio Mario Camus
¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo? Manuel Gómez Pereira
1994 Siete mil días juntos Fernando Fernán Gómez
1995 ¿De qué se ríen las mujeres? Joaquín Oristrell
1997 El tiempo de la felicidad Manuel Iborra
1999 Pepe Guindo Manuel Iborra
2001 Clara y Elena Manuel Iborra
I Love You Baby Alfonso Albacete y David Menkes
Sin vergüenza Joaquín Oristrell
2005 Reinas Manuel Gómez Pereira
2006 La dama boba Manuel Iborra
2008 Enloquecidas Juan Luis Iborra
2012 Ali Paco R. Baños

Teatro

Actriz
Año Obra de teatro
1975 Divinas palabras
1978 El zoo de cristal
1980 María, la mosca
Casa con dos puertas mala es de guardar
1982 Agnus Dei
1984 Sublime decisión
1985 Bajarse al moro
1987 ¡Ay, Carmela! *
2003 El sueño de una noche de verano
2004 Doña Rosita la soltera
2006 ¡Ay, Carmela!
2009 La abeja reina
2011 Shirley Valentine

(*) Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá.

Directora
Año Obra de teatro
2000 La tentación vive arriba
2008 Adulterios

Televisión

Año Serie/Telefilme/Especial
1974 Silencio, estrenamos
1974-1976 Novela
1976 Curro Jiménez
1979-1982 Estudio 1
1980 El español y los siete pecados capitales
1982 Ramón y Cajal
1983 El jardín de Venus
Nunca es tarde
1984 Goya
1987 Bajarse al moro
1988 Platos rotos
1990-1991 Eva y Adán, agencia matrimonial
1995 Pepa y Pepe
2000 ¡Ay, Carmela!
2003 La vida de Rita
El club de la comedia
2011 Hospital Central
Dues dones divines

Premios y candidaturas

Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
1986 Mejor interpretación femenina de reparto El año de las luces Ganadora
1987 Mejor interpretación femenina protagonista La vida alegre Ganadora
Mejor interpretación femenina de reparto Moros y cristianos Ganadora
1989 Mejor interpretación femenina protagonista Bajarse al moro Candidata
1993 Mejor interpretación femenina protagonista Kika Ganadora
Fotogramas de Plata
Año Categoría Película/Serie/Montaje Resultado
1983 Mejor intérprete de televisión El jardín de Venus Candidata
1985 Mejor intérprete de televisión Platos rotos Ganadora
Mejor intérprete de teatro Bajarse al moro
¡Sublime decisión!
Candidata
1989 Mejor actriz de cine Bajarse al moro
El baile del pato
Candidata
1990 Mejor actriz de televisión Eva y Adán, agencia matrimonial Ganadora
1993 Mejor actriz de cine Kika
¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?
Ganadora
1995 Mejor actriz de televisión Pepa y Pepe Candidata
Premios TP de Oro
Año Categoría Serie Resultado
1990 Mejor actriz de televisión Eva y Adán, agencia matrimonial Ganadora
1995 Mejor actriz de televisión Pepa y Pepe Ganadora
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película/Serie Resultado
1993 Mejor interpretación protagonista de cine Kika Candidata
1995 Mejor interpretación protagonista de televisión Pepa y Pepe Candidata
Premios Sant Jordi de Cine
Año Categoría Película Resultado
1987 Mejor actriz española La vida alegre Ganadora
2004 Premio Especial de la Crítica Ganadora
Premios ACE (Nueva York)
Año Categoría Película Resultado
1986 Mejor actriz de reparto ¿Qué he hecho yo para merecer esto? Ganadora
Festival de Málaga de Cine Español
Año Categoría Película Resultado
2001 Biznaga de Plata a la Mejor actriz Sin vergüenza Ganadora
2005 Premio Málaga Ganadora
Festival Internacional de Cine de Comedia de Peñíscola
Año Categoría Película Resultado
1993 Mejor actriz ¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo? Ganadora

 


Ariadna Gil
Ariadna gil.jpg

Nombre real Ariadna Gil Giner
Nacimiento Bandera de España Barcelona, España
23 de enero de 1969 (44 años)
Familia
Pareja David Trueba (separada)
Viggo Mortensen (c.2009-presente)
Hijo/s Violeta (1997) y Leo (c.2004)
Premios
Premios Goya Mejor actriz
1993 Belle Époque
Ficha en IMDb

Ariadna Gil Giner (Barcelona; 23 de enero de 1969) es una actriz española.


Biografía

Fue descubierta por el director Bigas Luna, que la hace debutar en su película Lola, en 1986. Tras participar en cuatro películas realizadas en catalán, en 1991 dio el salto al cine en español protagonizando el largometraje de Emilio Martínez Lázaro Amo tu cama rica, que le valió el Premio Ondas a la mejor actriz española del año y la consagró definitivamente. Después llegó Belle Époque, y con ella ganó el Premio Goya a la mejor actriz, y la película consiguió el Óscar a la mejor película de habla no inglesa.

Posteriormente ha dosificado sus apariciones, escogiendo muy bien los guiones. Entre 2010 y 2011 co-protagoniza la obra teatral del clásico Un tranvía llamado Deseo.1

Tiene dos hijos de su primera unión con el escritor y cineasta David Trueba. Relacionada después con el actor Viggo Mortensen.2

Filmografía

Cine

Año Película Director
2012 The Boy Who Smells Like Fish Analeine Cal y Mayor
2011 Værelse 304 Birgitte Stærmose
2009 El baile de la Victoria Fernando Trueba
2008 Appaloosa Ed Harris
2008 Solo quiero caminar Agustín Díaz Yanes
2007 El laberinto del fauno Guillermo del Toro
2007 Una estrella y dos cafés Alberto Lecchi
2007 Bienvenido a casa David Trueba
2006 Alatriste Agustín Díaz Yanes
2005 Ausentes Daniel Calparsoro
2005 Hormigas en la boca Mariano Barroso
2003 Soldados de Salamina David Trueba
2002 El beso del oso Sergéi Bodrov
2002 El embrujo de Shanghai Fernando Trueba
2002 La virgen de la lujuria Arturo Ripstein
2001 Jet set Fabien Onteniente
2001 El lado oscuro del corazón 2 Eliseo Subiela
2001 Torrente 2: Misión en Marbella Santiago Segura
2001 Nueces para el amor Alberto Lecchi
2000 Obra maestra David Trueba
2000 Segunda piel Gerardo Vera
1999 Don Juan Jacques Weber
1999 Lágrimas negras Ricardo Franco
1996 Libertarias Vicente Aranda
1996 Malena es un nombre de tango Gerardo Herrero
1996 Tranvía a la Malvarrosa José Luis García Sánchez
1996 Pasiones rotas Nick Hamm
1995 Antártida Manuel Huerga
1995 Atolladero Óscar Aibar
1994 Los peores años de nuestra vida Emilio Martínez Lázaro
1994 Mecánicas celestes Fina Torres
1994 Todo es mentira Álvaro Fernández Armero
1994 Belle Époque Fernando Trueba
1992 El columpio Álvaro Fernández Armero
1992 Mal de amores Carlos Balague
1991 Amo tu cama rica Emilio Martínez Lázaro
1991 Barcelona Lamento Óscar Aibar
1990 Capitán Escalaborns Carlos Benpar
1990 Un submarí a les estovalles Ignasi P. Ferré
1988 El complot del Anells Álvaro Fernández Armero
1986 Lola Juan José Bigas Luna

Cortometrajes

  • El hombre de cristal (1993)
  • El columpio (1995)

Teatro

Televisión

Año Programa Personaje Director
2011 Marco, la historia de un niño Mini Serie Tv Ana Rodríguez (madre de Marco) Félix Viscarret
2008 Elles et moi Mini Serie Tv Pilar Bernard Stora
2003 Les parents terribles Tv-Movie Madeleine Josée Dayan
1995 Estació d'enllaç Serie Tv ( 1 capítulo) José Sílvia Quer
1994 Arnau Mini Serie Tv Elna Lluís Maria Güell
1993 Crónicas del mal Serie (1 capítulo) Arantxa Pedro Costa
1992 Revolver Tv-Movie Nuria Casteres Gary Nelson

Programas

Directora

  • Bar (cortometraje) (1987)

Guionista

  • Bar (cortometraje) (1987)

Productora

  • La Silla de Fernando (2006) Documental

Premios y candidaturas

Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor interpretación femenina protagonista Solo quiero caminar Nominada
2006 Mejor interpretación femenina de reparto Alatriste Nominada
2003 Mejor interpretación femenina protagonista Soldados de Salamina Nominada
1999 Mejor interpretación femenina protagonista Lágrimas negras Nominada
1995 Mejor interpretación femenina protagonista Antártida Nominada
1992 Mejor interpretación femenina protagonista Belle Époque Ganadora
Premios Cóndor de Plata
Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor actriz protagonista El lado oscuro del corazón 2 Nominada
2001 Mejor actriz protagonista Nueces para el amor Ganadora
Premios Ariel
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz protagonista Sólo quiero caminar Nominada
Fotogramas de Plata
Año Categoría Película/Serie Resultado
1992 Mejor actriz de cine Amo tu cama rica
Belle Époque
Ganadora
Mejor actriz de televisión Betes i films
Crónicas del mal: El ojo que te ve
Nominada
Otros

Victoria Abril
Victoria Abril Cannes 2013.jpg

Nombre real Victoria Mérida Rojas
Nacimiento Madrid, Flag of Spain.svg España
4 de julio de 1959 (54 años)
Premios
Festival Internacional de San Sebastián Concha de Plata a la mejor actriz
1995 - Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto
1987 - El Lute: camina o revienta
Premios Goya Mejor actriz protagonista
1995 - Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto
Otros premios Oso de Plata a la mejor actriz (Berlinale)
1991 - Amantes
Ficha en IMDb

Victoria Mérida Rojas (Madrid, 4 de julio de 1959), conocida artísticamente como Victoria Abril, es una actriz y cantante española, cuya carrera se ha desarrollado principalmente en España y Francia, aunque también ha trabajado en otros países.


Biografía

Nació en 1959 y creció entre Benajarafe, Provincia de Málaga, y Madrid. Desde pequeña se interesa por la danza y estudia ballet clásico. Con quince años encamina sus pasos hacia el cine, debutando como actriz en la película Obsesión, de Francisco Lara Polop.

En 1975 aparece brevemente en Robin y Marian, protagonizada por Sean Connery y Audrey Hepburn. Le siguen El puente, de Juan Antonio Bardem y El hombre que supo amar, de Miguel Picazo.

Sin embargo, conoce la popularidad al convertirse en secretaria del concurso Un, dos, tres... responda otra vez, diseñado por Narciso Ibáñez Serrador para Televisión Española, trabajo del que renegaría en público en repetidas ocasiones, llegando incluso a romper unas gafas de secretaria en Channel nº4 en 2006, si bien en una entrevista más reciente declaró que no se arrepiente de haber sido secretaria, pero que el agobio de la popularidad que sufrió en aquella época hace que los recuerdos de esa etapa sean agridulces.1


En 1977 interpreta el papel principal de Cambio de sexo, rechazado previamente por Ángela Molina. Inicia así una fructífera colaboración con Vicente Aranda, para quien protagonizará algunas de sus películas más relevantes, entre ellas La muchacha de las bragas de oro (1980), Tiempo de silencio (1986), El Lute: camina o revienta (1987), Amantes (1991) y Libertarias (1996). En algunos repartos coincide con Imanol Arias, Jorge Sanz o Antonio Banderas.

Además, trabaja con asiduidad en Italia y especialmente en Francia, siendo candidata al Premio César en dos ocasiones y estableciendo allí su residencia. Cimenta así una de las carreras interpretativas más brillantes del cine español, en la que tienen cabida directores como Mario Camus (La colmena), Jaime Chávarri (Las bicicletas son para el verano), Manuel Gutiérrez Aragón (La noche más hermosa), Pedro Almodóvar (¡Átame!, Tacones lejanos, Kika) o Carlos Saura (El séptimo día).

Su excelente papel en la película ¡Átame! de Pedro Almodóvar, impresionó tanto a una joven Penélope Cruz, que la madrileña decidió que algún día se dedicaría al mundo del cine como su protagonista, por la que siempre ha profesado una profunda admiración.2

Con El Lute consigue su primera Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián y por su trabajo en Amantes recibe el equivalente Oso de Plata en el Festival de Berlín. Candidata en nueve ocasiones (seis consecutivas) al Premio Goya, sólo se impone en 1995 por Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, de Agustín Díaz Yanes, con quien vuelve a colaborar en Sin noticias de Dios (2001) y Sólo quiero caminar (2008).

Su incursión en Hollywood, con la película Jimmy Hollywood de Barry Levinson, no resulta demasiado productiva. Rechaza entonces el papel protagonista de La pasión turca, que luego recae en Ana Belén.

En televisión aparece en series como La barraca (1979) o Los pazos de Ulloa (1985), así como a las órdenes de Vicente Aranda en un capítulo de La huella del crimen (El crimen del Capitán Sánchez, 1985) y en Los jinetes del alba (1991). También en cortometrajes como Pour elle (2009), realizado por Blanca Li.

Desde 2005 prueba suerte en la música con la publicación de un disco de clásicos de la bossa nova (Putcheros do Brasil) y realizando giras de conciertos con canciones en portugués, francés y castellano.

El 28 de julio de 1977 se casó con Gustavo Laube, antiguo futbolista de la selección nacional de Chile y agente artístico. La pareja se separó a principios de 1982.

Victoria Abril tiene dos hijos de su antigua relación con el cineasta francés Gérard de Battista.

Es la musa y amiga personal del diseñador de moda francés Jean Paul Gaultier.3

Filmografía

Año Título Director País
2012 The woman who brushed off her tears Teona Strugar Mitevska Bandera de Macedonia Macedonia
2012 Mince alors Charlotte de Turckheim Flag of France.svg Francia
2008 Mejor que nunca Dolores Payás Flag of Spain.svg España Flag of France.svg Francia Flag of Italy.svg Italia
2008 Sólo quiero caminar Agustín Díaz Yanes Flag of Spain.svg España Bandera de México México
2007 Óscar, una pasión surrealista Lucas Fernández Flag of Spain.svg España
2006 El camino de los ingleses Antonio Banderas Flag of Spain.svg España
2005 Tirante el Blanco (Tirant lo Blanc) Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
2005 Carne de neón Paco Cabezas Flag of Spain.svg España
2005 Les aristos Charlotte de Turckheim Flag of France.svg Francia
2004 Cause toujours! Jeanne Labrune Flag of France.svg Francia
2004 La gente honrada (Les gens honnêtes vivent en France) Bob Decout Flag of France.svg Francia Flag of Colombia.svg Colombia
2004 Escuela de seducción Javier Balaguer Flag of Spain.svg España
2003 Kaena: La profecía (Kaena: La Prophétie) -Voz- Chris Delaporte, Pascal Pinon Flag of France.svg Francia Flag of Canada.svg Canadá
2003 Incautos Miguel Bardem Flag of Spain.svg España
2003 El séptimo día Carlos Saura Flag of Spain.svg España
2002 Et après? Mohamed Ismail Flag of Morocco.svg Marruecos
2001 Mi marido es una ruina (Mari del sud) Marcello Cesena Flag of Spain.svg España Flag of Italy.svg Italia Bandera del Reino Unido Reino Unido
2001 Sin noticias de Dios Agustín Díaz Yanes Flag of Spain.svg España Bandera de México México
2000 La ruta hacia El Dorado (The Road to El Dorado) -Voz- Eric Bibo Bergeron, Don Paul Flag of the United States.svg Estados Unidos
1999 101 Reykjavík Baltasar Kormákur Bandera de Islandia Islandia Bandera de Dinamarca Dinamarca Flag of France.svg Francia Bandera de Noruega Noruega Flag of Germany.svg Alemania
1998 Entre las piernas Manuel Gómez Pereira Flag of Spain.svg España
1998 Mamá, preséntame a papá (Mon père, ma mère, mes frères et mes sœurs) Charlotte de Turckheim Flag of France.svg Francia Flag of Spain.svg España
1997 La mujer del cosmonauta (La femme du cosmonaute) Jacques Monnet Flag of France.svg Francia
1996 Libertarias Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
1995 Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto Agustín Díaz Yanes Flag of Spain.svg España
1994 Casque bleu Gérard Jugnot Flag of France.svg Francia
1994 Felpudo maldito (Gazon maudit) Josiane Balasko Flag of France.svg Francia
1994 Jimmy Hollywood Barry Levinson Flag of the United States.svg Estados Unidos
1993 Intruso Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
1993 Kika Pedro Almodóvar Flag of Spain.svg España
1992 Demasiado corazón Eduardo Campoy Flag of Spain.svg España
1991 Amantes Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
1991 Una época formidable (Une époque formidable) Gérard Jugnot Flag of France.svg Francia
1991 Tacones lejanos Pedro Almodóvar Flag of Spain.svg España
1990 Sandino Miguel Littín Bandera de Chile Chile Flag of Spain.svg España Bandera de Cuba Cuba Bandera de México México Bandera de Nicaragua Nicaragua
1990 A solas contigo Eduardo Campoy Flag of Spain.svg España
1989 Si te dicen que caí Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
1989 ¡Átame! Pedro Almodóvar Flag of Spain.svg España
1988 Ada dans la jungle Gérard Zingg Flag of France.svg Francia Bandera de Costa de Marfil Costa de Marfil
1988 Bâton Rouge Rafael Moleón Flag of Spain.svg España
1988 Sans peur et sans reproche Gérard Jugnot Flag of France.svg Francia
1987 El Lute: camina o revienta Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
1987 La ley del deseo Pedro Almodóvar Flag of Spain.svg España
1987 Barrios altos Jose Luis Berlanga Flag of Spain.svg España
1987 El juego más divertido Emilio Martínez Lázaro Flag of Spain.svg España
1987 El placer de matar Félix Rotaeta Flag of Spain.svg España
1986 Max mi amor (Max mon amour) Nagisa Oshima Flag of France.svg Francia Flag of the United States.svg Estados Unidos
1986 Ternosecco Giancarlo Giannini Flag of Italy.svg Italia
1986 Tiempo de silencio Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
1985 Padre nuestro Francisco Regueiro Flag of Spain.svg España
1985 La hora bruja Jaime de Armiñán Flag of Spain.svg España
1984 La última solución (L'addition) Denis Amar Flag of France.svg Francia
1984 La noche más hermosa Manuel Gutiérrez Aragón Flag of Spain.svg España
1984 Río abajo (On the Line) José Luis Borau Flag of the United States.svg Estados Unidos Flag of Spain.svg España Bandera de Australia Australia
1984 Rouge-Gorge Pierre Zucca Flag of France.svg Francia Flag of Belgium (civil).svg Bélgica
1984 After Darkness Sergio Guerraz, Dominique Othenin-Girard Flag of Switzerland.svg Suiza
1983 Las bicicletas son para el verano Jaime Chávarri Flag of Spain.svg España
1983 Le voyage Michel Andrieu Flag of France.svg Francia
1983 La luna bajo el asfalto (La lune dans le caniveau) Jean-Jacques Beineix Flag of France.svg Francia Flag of Italy.svg Italia
1982 Asesinato en el Comité Central Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
1982 Entre paréntesis Simó Fàbregas, Gustavo Montiel Pagés Flag of Spain.svg España Bandera de México México
1982 La colmena Mario Camus Flag of Spain.svg España
1982 Sem sombra de pecado José Fonseca e Costa Flag of Portugal.svg Portugal
1982 Le bâtard Bertrand Van Effenterre Flag of France.svg Francia
1982 J'ai épousé une ombre Robin Davis Flag of France.svg Francia
1981 Yendo hacia ti (Comin' at Ya!) Ferdinando Baldi Flag of Italy.svg Italia Flag of Spain.svg España Flag of the United States.svg Estados Unidos
1981 La batalla del porro Joan Minguell Flag of Spain.svg España
1981 La guerrillera (La guérilléra) Pierre Kast Flag of France.svg Francia Flag of Italy.svg Italia Flag of Spain.svg España
1980 La muchacha de las bragas de oro Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
1980 Mater Amatísima José Antonio Salgot Flag of Spain.svg España
1980 Otra mujer (Le cœur à l'envers) Franck Apprederis Flag of Spain.svg España Flag of France.svg Francia
1980 Más vale pájaro en mano (Mieux vaut être riche et bien portant que fauché et mal foutu) Max Pécas Flag of France.svg Francia Flag of Spain.svg España Bandera de Alemania Occidental Alemania Occidental
1980 La casa del paraíso Santiago San Miguel Flag of Spain.svg España Bandera de Venezuela Venezuela
1977 Doña Perfecta César Fernández Ardavín Flag of Spain.svg España
1977 Esposa y amante Angelino Fons Flag of Spain.svg España
1977 Cambio de sexo Vicente Aranda Flag of Spain.svg España
1976 El hombre que supo amar Miguel Picazo Flag of Spain.svg España
1976 Caperucita y Roja Aitor Goirocelaya, Luis Revenga Flag of Spain.svg España
1976 El puente Juan Antonio Bardem Flag of Spain.svg España
1975 Robin y Marian (Robin and Marian) Richard Lester Flag of the United States.svg Estados Unidos
1975 Obsesión Francisco Lara Polop Flag of Spain.svg España

Televisión

Discografía

  • Olala! (2007)
  • Putcheros do Brasil (2005)

Premios y candidaturas

Festival Internacional de Cine de Berlín
Año Categoría Película Resultado
1991 Oso de Plata a la mejor actriz Amantes Ganadora
Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Año Categoría Película Resultado
1995 Concha de Plata a la mejor actriz Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto Ganadora
1987 El Lute: camina o revienta Ganadora
Premios César
Año Categoría Película Resultado
1985 Mejor actriz secundaria La última solución (L'addition) Candidata
1984 La luna en el arroyo (La lune dans le caniveau) Candidata
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor interpretación femenina de reparto El séptimo día Candidata
2001 Mejor interpretación femenina protagonista Sin noticias de Dios Candidata
1995 Mejor interpretación femenina protagonista Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto Ganadora
1991 Mejor interpretación femenina protagonista Amantes Candidata
1990 Mejor interpretación femenina protagonista ¡Átame! Candidata
1989 Mejor interpretación femenina protagonista Si te dicen que caí Candidata
1988 Mejor interpretación femenina protagonista Bâton Rouge Candidata
1987 Mejor interpretación femenina protagonista El Lute: camina o revienta Candidata
1986 Mejor interpretación femenina protagonista Tiempo de silencio Candidata
Premios Fotogramas de Plata
Año Categoría Trabajo Resultado
2001 Mejor actriz de cine Sin noticias de Dios Candidata
1995 Mejor actriz de cine Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto Candidata
1993 Mejor actriz de cine Intruso Candidata
1991 Mejor actriz de cine Amantes
Sandino
Tacones lejanos
Candidata
1990 Mejor actriz de cine A solas contigo
¡Átame!
Candidata
1989 Mejor actriz de cine Si te dicen que caí Ganadora
1988 Mejor actriz de cine Bâton Rouge
El juego más divertido
El placer de matar
Candidata
1987 Mejor actriz de cine Barrios altos
El Lute: camina o revienta
Ganadora
1986 Mejor actriz de cine Tiempo de silencio Candidata
1985 Mejor actriz de cine La hora bruja
La última solución (L'addition)
Padre nuestro
Ganadora
Mejor intérprete de televisión La huella del crimen 1: El crimen del Capitán Sánchez
Los pazos de Ulloa
Candidata
1984 Mejor actriz de cine La noche más hermosa
Las bicicletas son para el verano
Río abajo (On the line)
Candidata
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Trabajo Resultado
2011 Mejor actriz secundaria de televisión Hospital Central Candidata
2004 Mejor actriz de reparto de cine El séptimo día Ganadora
2001 Mejor interpretación protagonista de cine Sin noticias de Dios Candidata
1995 Mejor interpretación protagonista de cine Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto Ganadora
Premios TP de Oro
Año Categoría Serie Resultado
1991 Mejor actriz Los jinetes del alba Candidata
1989 Mejor actriz El Lute: camina o revienta Ganadora
Otros reconocimientos

Enlaces externos


Amparo Soler Leal

Nacimiento Flag of Spain.svg España, Madrid
23 de agosto de 1933 (80 años)
Año de debut 1948
Familia
Cónyuge Adolfo Marsillach (1954-1956)
Alfredo Matas (1969-1996)
Ficha en IMDb

Amparo Soler Leal (Madrid, 23 de agosto de 1933) es una actriz española.


Biografía

Teatro

Nacida en una familia de artistas, es hija de los actores Salvador Soler Marí y Milagros Leal. Debuta en escena en 1948 con la obra No me mientas tanto, de Alfonso Paso. Más tarde se incorpora a la compañía del Teatro María Guerrero y bajo dirección de Luis Escobar cosecha éxitos como Historias de una casa, de Joaquín Calvo Sotelo.

Mantiene, durante los siguientes años, una intensa actividad teatral, con éxitos como Prisión de soledad. Tras pasar por las compañías de Catalina Bárcena y Ernesto Vilches, finalmente, entrada ya la década de los sesenta, forma su propia compañía. Con ella interpretó obras de Pirandello y de Sartre.

No obstante, y desde que en 1975 protagonizó la obra La señorita Julia, se apartó una larga temporada de los escenarios para centrarse en su carrera cinematográfica. No volvió al teatro hasta 1994, para interpretar El zoo de cristal, a las órdenes de Mario Gas.

Cine

En cine había debutado en 1952 con la película Puebla de las mujeres, de Antonio del Amo. Pero su popularidad comenzó a incrementarse en el medio desde Usted puede ser un asesino (1952), de José María Forqué. Las siguientes décadas la consolidaron como una de las intérpetes más sólidas del panorama cinematográfico español, habiendo trabajado —tanto en registros cómicos como en dramáticos— a las órdenes de los más prestigiosos directores del país; entre otros: Luis García Berlanga, Luis Buñuel, Pedro Olea, Jaime de Armiñán, Fernando Fernán Gómez, Pilar Miró y Pedro Almodóvar.

Televisión

A lo largo de su carrera no se ha prodigado en exceso en televisión, si bien protagonizó la comedia Tres eran tres (1972-1973) y ha hecho algunas colaboraciones, como las series El Olivar de Atocha (1988), para TVE; Querido Maestro (1996-1998), para Telecinco, y Condenadas a entenderse (1999), para Antena 3, así como la presentación del programa Juego de niños (1989).

Vida personal

Estuvo casada con el actor Adolfo Marsillach, del que obtuvo la nulidad matrimonial en 1965, contrayendo matrimonio cuatro años después con el productor Alfredo Matas, del que enviudó en 1996. No tiene hijos.

Premios

Fotogramas de Plata

Año Categoría Película Resultado
2003 Toda una vida Ganadora
1983 Mejor actriz de cine Bearn o La sala de las muñecas Ganadora
1963 Mejor intérprete de cine español La gran familia Ganadora

Círculo de Escritores Cinematográficos

Año Categoría Película Resultado
1983 Mejor actriz principal Bearn o La sala de las muñecas Ganadora
1975 Mejor actriz de reparto Jo, papá Ganadora
1962 Mejor actriz principal La gran familia Ganadora

Premios ACE (Nueva York)

Año Categoría Película Resultado
1980 Mejor actriz El crimen de Cuenca Ganadora

Otros

Filmografía (selección)

Trayectoria en teatro


Esperanza Roy

Esperanza Fuentes Roy (Madrid, 22 de noviembre de 1935) es una actriz y vedette española.

Biografía

Tras estudiar ballet clásico y danza española debuta sobre un escenario en espectáculos de Revista, llegando a convertirse pronto en Primera Vedette.

En cine debuta en 1962, amoldándose pronto al estereotipo de mujer imponente deseada por el protagonista en numerosos títulos que encajan en el sub-género que dio en llamarse landismo.

A partir de los años setenta y pese a su manifiesta vis cómica que ha marcado buena parte de su carrera artística, comienza a hacer incursiones en el género dramático, en ocasiones de la mano de su marido Javier Aguirre.

En la escena teatral, ha sabido compaginar su trabajo en musicales castizos como Por la calle de Alcalá (1983), con joyas del teatro clásico como Así que pasen cinco años, de García Lorca, La dama boba, de Lope de Vega, La Malquerida de Jacinto Benavente, Divinas palabras de Valle-Inclán.

En televisión ha realizado alguna aparición menor, destacando sus colaboraciones en la serie El jardín de Venus (1983-1984), en el espacio de Fernando García de la Vega dedicado a la Revista La Comedia Musical Española (1985), así como su interpretación de Mari Tormes en El Quijote de Miguel de Cervantes (1991), de Manuel Gutiérrez Aragón. También intervino en el espacio de Telecinco Tutti Frutti (1991-1992) y la serie Casa para dos (1995).

En 2008 vuelve a televisión con la serie de Telemadrid Viva Luisa.

Premios

Filmografía (selección)

Teatro (selección)

  • Tócame Roque (1959)
  • Una chica que promete (1962)
  • Victoria Express (1965, Teatro Victoria, Barcelona)
  • Usted si que vale (1966, Teatro Victoria, Barcelona)
  • Una viuda de estreno (1968, Teatro Calderón, Madrid)
  • La señora es el señor (1974)
  • Así que pasen cinco años (1978).
  • La dama boba (1979).
  • Llámame... señora (1980).
  • Coronada y el toro (1982).
  • Aquí no paga nadie (1983)
  • Por la calle de Alcalá (1983).
  • Salomé (1985).
  • Fiestaristófanes (1986).
  • Por la calle de Alcalá 2 (1987).
  • Una farola en el salón (1989).
  • Yo amo a Shirley Valentine (1993).
  • Tres forasters de Madrid (1995).
  • La Malquerida (1996).
  • Esta noche no estoy para nadie (1998).
  • La asamblea de las mujeres (1999).
  • Marlene Dietrich, un ángel azul (2000).
  • A media luz los tres (2001).
  • Divinas palabras (2004).
  • Tórtolas, Crepúsculo y Telón (2010).

María León

Nombre real María León Barrios
Nacimiento Sevilla, Flag of Spain.svg España
30 de julio de 1984 (29 años)
Ocupación Actriz
Premios
Otros premios Concha de Plata a la mejor actriz (2011)
Premio Goya a la mejor actriz revelación (2012)
Ficha en IMDb

María León Barrios (Sevilla, 30 de julio de 1984) es una actriz española. Es hermana del también actor Paco León. Formada en la Escuela La Platea de Madrid y con Ana Rodríguez Costa en Barcelona, ya ha intervenido en series de televisión como Estados Alterados Maitena, La tira, Hospital Central, Cuenta atrás y SMS, así como en la tv movie Una bala para el rey. En la gran pantalla ha formado parte del reparto de Fuga de cerebros mientras que en el teatro ha representado Juan de Mairena. Actualmente se ha incorporado a la serie de Aída, donde comparte reparto con su hermano.

En 2011 recibió la Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y el Premio Goya a la mejor actriz revelación por su trabajo en La voz dormida, de Benito Zambrano.

Filmografía

Series de televisión

Serie Papel Cadena Año Notas
SMS Leti La Sexta 2006-2007 Personaje Principal (99 Episodios)
Cuenta atras Tati Cuatro 2007 Personaje Secundario (1 Episodio)
Hospital Central Mabel Telecinco 2007 Personaje Secundario (1 Episodio)
Estados Alterados Maitena Maria La Sexta 2008 Personaje Secuandario (1 Episodio)
Una bala para el rey Ada Antena 3 2009 Personaje Principal (2 Episodios)
La tira Chari La Sexta 2010 Personaje Principal (82 Episodio)
Aida La Jose Telecinco 2010-2011 Personaje Secundario (3 Episodios)
Los Quien Arancha Antena 3 2011 Personaje Secundario (1 Episodio)
Con el culo al aire Sandra Rojo Antena 3 2012-presente Personaje Principal (26 Episodios)

Cine

Cine Papel Año Notas
Fuga de cerebros Chica disco 2008 Personaje Secundario
La voz dormida Pepita 2011 Personaje Principal
Carmina o revienta Maria 2012 Personaje Principal
Marsella Sara 2013 pre-production
Carmina o revienta 2 Maria 2014 Personaje Principal

Premios y candidaturas

Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Año Categoría Película Resultado
2011 Concha de Plata a la mejor actriz La voz dormida Ganadora
Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor interpretación femenina de reparto Carmina o revienta Nominada
2011 Mejor actriz revelación La voz dormida Ganadora
Fotogramas de Plata
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actriz de cine La voz dormida Nominada
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actriz protagonista de cine La voz dormida Ganadora
Círculo de Escritores Cinematográficos
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actriz revelación La voz dormida Ganadora
Premio Cinematográfico José María Forqué
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actriz La voz dormida Nominada
Premios Top Glamour
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actriz La voz dormida Ganadora1
Festival del Cine y la Palabra (CiBRA)
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor interpretación del Festival del Cine y la Palabra (CiBRA) La voz dormida Ganadora
Premio San Pancracio
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz revelación La voz dormida Ganadora
Premios Fragancias Cosmopolitan
Año Categoría Película Resultado
2012 Rostro Esencial Femenino del Cine La voz dormida Ganadora2

 


Sonsoles Benedicto
Sonsoles benedicto.jpg

Nacimiento Cuenca, Castilla-La Mancha
(Flag of Spain.svg España)
21 de abril de 1942
Sitio oficial
Ficha en IMDb

Sonsoles Benedicto (n. Cuenca, 21 de abril de 1942) es una actriz española de cine, teatro y televisión.


Biografía

Estudió en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid con Manuel Dicenta y Mercedes Prendes y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Es fundadora del CNINAT (Centro Nacional de Iniciación del Niño y el Adolescente al Teatro) junto con José María Morera. Su carrera se ha basado fundamentalmente en la interpretación de los clásicos del teatro. Forma parte de la Compañía Pequeño Teatro que dirige Antonio Guirau.

Interviene también en series de televisión como Estudio 1, Curro Jiménez, Los ladrones van a la oficina, ¡Ay, Señor, Señor! o Mujeres, y en películas como La leyenda del alcalde de Zalamea, Un hombre llamado Flor de Otoño, El maestro de esgrima o La vida empieza hoy.

Premios

Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2010 Mejor actriz protagonista de cine La vida empieza hoy Ganadora
Festival de Cine de España de Toulouse
Año Categoría Película Resultado
2010 Violette d'Or a la mejor actriz La vida empieza hoy Ganadora

Filmografía

Cine

Cortometrajes

Televisión

Teatro

Lista incompleta

Enlaces externos


Lola Dueñas
Lola Duenas cropped.jpg

Nombre real María Dolores Dueñas Navarro
Nacimiento Madrid, Flag of Spain.svg España
6 de octubre de 1971 (41 años)
Ocupación Actriz
Premios
Festival de Cannes Mejor actriz (ex aequo)
2006 -
Volver
Festival Internacional de San Sebastián Concha de Plata a la mejor actriz
2009 - Yo, también
Premios Goya Mejor actriz protagonista
2009 - Yo, también
2004 - Mar adentro
Ficha en IMDb

María Dolores Dueñas Navarro (Madrid, 6 de octubre de 1971), más conocida como Lola Dueñas, es una actriz española.


Biografía

Hija del actor Nicolás Dueñas y de la representante de artistas María Navarro, estudió interpretación en Teatro de La Abadía con José Luis Gómez.

Debutó en el cine con Mensaka (1998) y, tras intervenir en la serie de televisión Policías, en el corazón de la calle, se convierte en una de las más cotizadas actrices españolas, con trabajos en películas como Las razones de mis amigos, Piedras, Días de fútbol o Fuera de carta. Conoce la popularidad y el reconocimiento profesional merced a su trabajo en Mar adentro, de Alejandro Amenábar y Volver, de Pedro Almodóvar, que también la dirige en Hable con ella y Los abrazos rotos.

Premiada en los festivales de Cannes y San Sebastián, consigue sendos Premios Goya por Mar adentro (2004) y Yo, también (2009).

Tras la marcha de 'La Lore' (Ana Polvorosa), los guionistas de la serie Aída intentarán reforzar guiones y personajes, integrando en el barrio Esperanza Sur a Marisa, personaje que interpretará Lola Dueñas. Será la madre de Fidel y la exmujer de Chema. Un personaje de cuadro, como el de Soraya (hasta su aparición). De Marisa se la ha mencionado mucho haciendo referencia a las infidelidades del personaje con su marido.

Filmografía parcial

Televisión

Premios y candidaturas

Festival Internacional de Cine de Cannes
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz (en conjunto con el resto de actrices) Volver Ganadora
Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Año Categoría Película Resultado
2009 Concha de Plata a la mejor actriz Yo, también Ganadora
Premios Anuales de la Academia "Goya"
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor interpretación femenina protagonista Yo, también Ganadora
2006 Mejor interpretación femenina de reparto Volver Candidata
2004 Mejor interpretación femenina protagonista Mar adentro Ganadora
Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz protagonista de cine
Mejor actriz de reparto de cine
Yo, también
Los abrazos rotos
Ganadora
Candidata
2006 Mejor actriz secundaria de cine Volver Candidata
2004 Mejor actriz secundaria de cine Mar adentro Ganadora
2000 Mejor interpretación secundaria de televisión Policías, en el corazón de la calle Candidata
1998 Mejor interpretación revelación Mensaka Ganadora
Fotogramas de Plata
Año Categoría Serie Resultado
2000 Mejor actriz de televisión Policías, en el corazón de la calle Candidata
Círculo de Escritores Cinematográficos
Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz secundaria Volver Candidata
2004 Mejor actriz secundaria Mar adentro Ganadora

 


Carme Elías

Nombre real Carme Elias i Boada
Nacimiento Bandera de España Barcelona, Cataluña, España
14 de enero de 1951 (62 años)
Familia
Pareja Joan Potau (separados)
Premios
Premios Goya Mejor actriz protagonista
2008 Camino
Ficha en IMDb

Carme Elías i Boada (n. Barcelona, 14 de enero de 1951) es una actriz española.

Biografía

Estudia en el Institut del Teatre de Barcelona con profesores como Albert Boadella y completa su formación artística en el Laboratorio de actores de William Layton y la escuela neoyorquina de Lee Strasberg.

En 1974 inicia su carrera teatral en La señorita Julia, dirigida por Adolfo Marsillach, destacando notablemente en la escena catalana con Terra baixa, obra de Àngel Guimerà. Debuta en cine con La orgía, de Francesc Bellmunt, pero su popularidad crece gracias a la televisión: en 1983 interviene en la serie Anillos de oro, de Pedro Masó; un año después en el programa Y sin embargo, te quiero y en 1986 protagoniza la exitosa Turno de oficio, dirigida por Antonio Mercero.

De igual forma, asume papeles relevantes en películas como Stico (Jaime de Armiñán, 1985), Pont de Varsòvia (Pere Portabella, 1990), El rey pasmado (Imanol Uribe, 1991) y, sobre todo, en La flor de mi secreto (Pedro Almodóvar, 1995), Los aires difíciles (Gerardo Herrero, 2006), Camino (Javier Fesser, 2008) -por la que consigue el Premio Goya a la mejor actriz-, Planes para mañana (Juana Macías, 2011) y Tengo ganas de ti (Fernando González Molina, 2012).

Paralelamente, realiza diversas labores de doblaje de actrices como Nastassja Kinski, Daryl Hannah, Sigourney Weaver o Demi Moore.

Aparece con frecuencia en series de televisión (Señor alcalde, 1998), aunque especialmente en el ámbito catalán y no abandona una intensa y versátil actividad teatral, interpretando obras como Los cabellos de Absalón (1983), de Pedro Calderón de la Barca, La gata sobre el tejado de zinc (1984), de Tennessee Williams, como Margaret, El hombre del destino (1989), de George Bernard Shaw, Casi una diosa (1993), de Jaime Salom, en la que da vida a Gala Dalí, La dama enamorada de Joan Puig i Ferreter, La gaviota de Anton Chéjov, Edipo Rey (2008), de Sófocles, en el papel de Yocasta, Prometeo (2010), de Esquilo o Purgatorio (2011), de Ariel Dorfman.

En 2008 regresa a la televisión de ámbito estatal con la serie de TVE Herederos, que protagoniza Concha Velasco y en la que encarnó a la villana principal, Manuela/Carmen Ruíz. En 2010 pasó de TVE a Antena 3 para protagonizar la serie Gavilanes, donde interpretó a Sofía Cortés. La serie es una adaptación, para el público español, de la telenovela colombiana Pasión de gavilanes.

Premios y nominaciones

Premios Anuales de la Academia "Goya"
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor interpretación femenina protagonista Camino Ganadora
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película/Montaje Resultado
2008 Mejor actriz protagonista de cine Camino Ganadora
2002 Mejor actriz protagonista de teatro La gaviota Nominada
1993 Mejor interpretación protagonista de teatro La doble inconstancia Ganadora
Fotogramas de Plata
Año Categoría Serie Resultado
1996 Mejor actriz de televisión Turno de oficio: Diez años después Nominada
1986 Mejor intérprete de televisión Turno de oficio
Las aventuras de Pepe Carvalho
Nominada
1982 Mejor intérprete de televisión Luis y Virginia Nominada
Premios TP de Oro
Año Categoría Serie Resultado
1988 Mejor actriz catalana El dret d'escollir Ganadora
Premios Sant Jordi de Cine
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz española Camino Ganadora
Premios Turia
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor actriz Camino Ganadora
Premios Butaca
Año Categoría Película/Montaje Resultado
2009 Mejor actriz catalana de cine Camino Ganadora
Mejor actriz catalana de teatro La casa del cors trencats Nominada
2007 Mejor actriz catalana de teatro El ventall de Lady Windermere Ganadora
Festival Internacional de Cine de Comedia de Peñíscola
Año Categoría Película Resultado
2003 Mención especial Haz conmigo lo que quieras Ganadora
Festival Internacional de Cine de Indianápolis
Año Categoría Película Resultado
2004 Premio especial del jurado (compartido con Lola Herrera y María Isasi) Sinfonía desconcertante Ganadora
Semana del Cine y de la Imagen de Fuentes de Ebro
Año Categoría Película Resultado
2009 Premio "Panorama" a la mejor actriz (compartido con Nerea Camacho) Camino Ganadora
Otros premios

Adriana Ozores


Nombre real Adriana Ozores Muñoz
Nacimiento Madrid, España
21 de mayo de de 1959
(54 años)
Año de debut 1980 - Presente
Familia
Cónyuge Joaquín Climent
Hijo/s 1
Premios
Premios Goya Mejor actriz de reparto, por
La hora de los valientes (1998)
Ficha en IMDb

Adriana Ozores Muñoz (Madrid, 21 de mayo de 1959) es una actriz española.

Pertenece a una importante familia de artistas: es bisnieta de Antonio Puchol y Claudia Butier, director musical de zarzuelas y actriz, respectivamente; nieta de los actores Mariano Ozores Francés (1890-1976) y Luisa Puchol; hija del actor José Luis Ozores (1923-1968), que falleció cuando ella tenía nueve años, y Concepción Muñoz; es sobrina del director y guionista Mariano Ozores (1926) y del actor Antonio Ozores (1928-2010); y prima de la también actriz Emma Ozores (1961), hija de Antonio. Tiene dos hermanos gemelos, Mariano y Pelayo, dedicados también al mundo del cine.

Biografía

Sus inicios están ligados a su tío Juan y las películas del dúo Andrés Pajares y Fernando Esteso. Posteriormente, tras apariciones en diversas series de televisión como Turno de oficio, se dedicó activamente al teatro, estando ligada, por ejemplo, a la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Cuenta con un Premio Goya como actriz secundaria por su interpretación en la película La hora de los valientes del director Antonio Mercero.

En 2005 da vida a Carmen Avendaño en la película Heroína, madre de un toxicómano que funda la Asociación de Ayuda al Toxicómano Erguete.

En televisión su papel más valorado fue el de Lola en "Los hombres de Paco", serie con la que Adriana estuvo ligada durante cuatro años, llegando a rodar casi 80 episodios. También fue la madre de Manolito Gafotas en la serie honónima. Tras dos años alejada del medio, Adriana protagonizó la TV-Movie "La Duquesa" para Telecinco en 2010, con tanto éxito de público y crítica, que la cadena encargó una segunda parte para 2011.

Está casada con el actor Joaquín Climent, con el que tiene un hijo, nacido en 1998.

Filmografía parcial

Año Película Director
1979 Los energéticos Mariano Ozores
1980 El liguero mágico Mariano Ozores
1981 El hijo del cura Mariano Ozores
1981 Brujas mágicas Mariano Ozores
1981 Es peligroso casarse a los 60 Mariano Ozores
1982 Padre no hay más que dos Mariano Ozores
1983 La loca historia de los tres mosqueteros Mariano Ozores
1984 El pan debajo del brazo Mariano Ozores
1984 Los zancos Carlos Saura
1996 Niño nadie Jose Luís Borau
1996 ¿De qué se ríen las mujeres? Joaquín Oristrell
1998 La primera noche de mi vida Miguel Albaladejo
1998 La hora de los valientes Antonio Mercero
1999 Cuando vuelvas a mi lado Gracia Querejeta
1999 Ataque Verbal Miguel Albaladejo
1999 Manolito Gafotas Miguel Albadalejo
2000 Plenilunio Imanol Uribe
2000 Pídele cuentas al Rey José Antonio Quirós
2001 El palo Eva Lesmes
2002 La vida de nadie Eduard Cortés
2002 El alquimista impaciente Patricia Ferreira
2002 En la ciudad sin límites Antonio Hernández
2003 La suerte dormida Ángeles González Sinde
2004 Héctor Gracia Querejeta
2005 Heroína Gerardo Herrero
2005 El método Marcelo Piñeyro
2010 Nacidas para sufrir Miguel Albaladejo
2011 No lo llames amor, llámalo X Oriol Capel

Teatro

Televisión

Premios y candidaturas

Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor interpretación femenina protagonista Heroína Nominada
2003 La suerte dormida Nominada
2002 La vida de nadie Nominada
2000 Plenilunio Nominada
1999 Mejor interpretación femenina de reparto Cuando vuelvas a mi lado Nominada
1998 La hora de los valientes Ganadora
Premios Iris
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor actriz Gran Hotel Ganadora
2006 Mejor actriz Los hombres de Paco Nominada
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Trabajo Resultado
2012 Mejor actriz protagonista de televisión Gran Hotel Ganadora
2011 Nominada
2010 La Duquesa Ganadora
2005 Mejor actriz protagonista de cine Heroína Nominada
Mejor actriz de reparto de cine El método Ganadora
2004 Mejor actriz protagonista de cine Héctor Ganadora
2003 La suerte dormida Nominada
2002 Mejor actriz secundaria de cine En la ciudad sin límites Nominada
2000 Mejor interpretación protagonista de cine Plenilunio Nominada
1999 Mejor interpretación secundaria de cine Cuando vuelvas a mi lado Nominada
Premios EñE del cine
Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor interpretación femenina protagonista Nacidas para sufrir Nominada
2005 Heroína Nominada
2003 La suerte dormida Nominada
2002 La vida de nadie Ganadora
2000 Plenilunio Nominada
1999 Mejor interpretación femenina de reparto Cuando vuelvas a mi lado Nominada
1998 La hora de los valientes Ganadora
Otros

mercedes sampietro

Nombre real Mercedes Sampietro Marro
Nacimiento Bandera de España Barcelona, España
24 de enero de 1947 (66 años)
Ocupación Actriz
Año de debut 1970
Premios
Festival Internacional de San Sebastián Concha de Plata a la mejor actriz
2002 - Lugares comunes
1985 - Extramuros
Premios Goya Mejor actriz protagonista
2002 - Lugares comunes
Ficha en IMDb

Mercedes Sampietro Marro (nacida en Barcelona, España el 24 de enero de 1947) es una actriz española de cine, teatro, televisión y doblaje.


Biografía

Nació el 24 de enero de 1947 en Barcelona. Se inicia en la interpretación en pequeñas compañías de teatro catalanas. En 1970 debuta en el teatro como actriz profesional. En el cine debuta siete años más tarde, con A un dios desconocido (1977), de Jaime Chávarri.

Su espaldarazo profesional lo recibe en 1980 con Gary Cooper, que estás en los cielos, de Pilar Miró, directora con quien trabajaría en hasta cinco ocasiones. Además de su prolífica participación en el cine español, y participar en diversas teleseries catalanas, como Nissaga de poder, Laberint d'ombres y Porca Misèria. También interpretó el mítico papel de la Dama Blanca en la serie La tía de Frankestein (1987).

Fue Presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España desde noviembre de 2003 hasta diciembre de 2006, dejando paso a Ángeles González-Sinde, hija del primer presidente de la Academia. Hasta abril de 2009, cuando Ángeles González-Sinde abandonó la presidencia para ocupar el cargo de Ministra de Cultura, fueron cuatro los mandatos consecutivos con mujeres presidiendo la academia.

En 2009 se estrena como directora y guionista de cine con el cortometraje Turismo.

Filmografía

Teatro

Televisión

Premios y candidaturas

Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Año Categoría Película Resultado
2002 Concha de Plata a la mejor actriz Lugares comunes Ganadora
1985 Extramuros Ganadora

Premios Goya

Año Categoría Película Resultado
2004 Mejor interpretación femenina de reparto Inconscientes Candidata
2002 Mejor interpretación femenina protagonista Lugares comunes Ganadora
1999 Mejor interpretación femenina protagonista Cuando vuelvas a mi lado Candidata

Fotogramas de Plata

Año Categoría Película/Serie Resultado
2002 Mejor actriz de cine Lugares comunes Candidata
1991 Mejor actriz de televisión Una hija más Candidata
1985 Mejor actriz de cine Extramuros Candidata
1980 Mejor intérprete de cine español Gary Cooper, que estás en los cielos Ganadora

Unión de Actores

Año Categoría Película Resultado
2002 Mejor actriz protagonista de cine Lugares comunes Ganadora

 

Predecesor:
Marisa Paredes
35px
Presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España

2003 - 2006
Sucesor:
Ángeles González-Sinde

 


Ana Wagener
Ana Wagener - Seminci 2011.jpg

Nombre real Ana Álvarez Wagener
Nacimiento Las Palmas de Gran Canaria,
(Flag of Spain.svg
España)
1962
Ocupación Actriz
Premios
Premios Goya Mejor actriz de reparto,
por
La voz dormida (2011)
Ficha en IMDb

Ana Wagener (Las Palmas de Gran Canaria, 1962) es una actriz española.


Biografía

Ana Álvarez Wagener nació en Las Palmas de Gran Canaria, en 1962.

Wagener se graduó en la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla, y a los 18 años Alfonso Zurro la escogería para una figuración en la ópera Carmen, fichándola también para la compañía teatral La Jácara, en 1982.

Iniciada su carrera como actriz en el teatro, pronto su cara se hizo conocida al participar en producciones como Querido maestro, Compañeros o El comisario.

El séptimo arte le tendió la mano en el año 2000 con El bola, de Achero Mañas y desde entonces su trayectoria cinematográfica no ha hecho más que crecer. 7 vírgenes, AzulOscuroCasiNegro, Tomar el cielo, El patio de mi cárcel, Biutiful o La voz dormida son otras de las cintas en las que ha participado. Y concretamente éstas tres últimas le brindan sendas nominaciones a los Premios Goya, siendo premiada en 2011 por La voz dormida.

También ha trabajado como actriz de doblaje, llegando a doblar habitualmente a Felicity Huffman.

Filmografía

(C) - Cortometraje

Televisión

Teatro

Premios y candidaturas

Premios Goya
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor interpretación femenina de reparto La voz dormida Ganadora
2010 Mejor interpretación femenina de reparto Biutiful Candidata
2008 Mejor actriz revelación El patio de mi cárcel Candidata
Premios Gaudí
Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor interpretación femenina secundaria Fènix 11·23 Candidata
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película/Serie Resultado
2011 Mejor actriz secundaria de cine La voz dormida Ganadora
2010 Mejor actriz secundaria de cine Biutiful Ganadora
2009 Mejor actriz secundaria de televisión La Señora Candidata
2008 Mejor actriz secundaria de cine El patio de mi cárcel Ganadora
Mejor actriz secundaria de televisión La Señora Candidata
2006 Mejor actriz de reparto de cine AzulOscuroCasiNegro Candidata
Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos
Año Categoría Película Resultado
2011 Mejor actriz secundaria La voz dormida Candidata
Festival de Cine Español de Málaga
Año Categoría Cortometraje Resultado
2008 Biznaga de Plata (Cortometrajes): Mejor interpretación femenina
(ex aequo con Pilar Castro, Sandra Ferrús y Nadia de Santiago)
Test Ganadora(s)
2006 Biznaga de Plata (Cortometrajes): Mejor interpretación femenina Morir, dormir, soñar Ganadora
Festival de Cine de Alicante
Año Categoría Cortometraje Resultado
2006 Premio de la Sección Oficial de Cortometrajes: Mejor actriz Morir, dormir, soñar Ganadora
Otros premios
Año Festival Película/Cortometraje Resultado
2006 Certamen Nacional de Cortometrajes de Mula Morir, dormir, soñar Ganadora
Concurso Iberoamericano de Cortometrajes Versión Española-SGAE Ganadora
Festival Internacional de Cortometrajes de Móstoles Ganadora
Concurso de Cortos "Cuadrilla de Laguardia-Rioja Alavesa" Ganadora
2005 Primavera Cinematográfica de Lorca Vida y color Ganadora
2004 Palos de ciego amor Ganadora
2003 Certamen Nacional de Cortometrajes de Alfaz del Pi Exprés Ganadora

 


Verónica Sánchez
Verónica Sánchez - Seminci 2011.jpg

Nombre real Verónica Sánchez Calderón
Nacimiento Bandera de España Sevilla
01 de julio de 1977 (36 años)
Ocupación Actriz
Año de debut 2003 - presente
Sitio oficial
Ficha en IMDb

Verónica Sánchez Calderón (Sevilla, 1 de julio de 1977) es una actriz española.


Biografía

Abandonó su ciudad natal para trasladarse a Madrid y estudiar Arte Dramático, compartiendo piso con el también actor Félix Gómez. Mientras era estudiante realizó actuaciones esporádicas en obras de teatro, como por ejemplo en Bodas de sangre de Lorca.

Su vida cambió cuando se presentó al casting de Al sur de Granada (2003, Fernando Colomo), donde interpretó a Juliana, una joven que queda embarazada del escritor Gerald Brenan (Matthew Goode). La imagen cándida y energética que transmite en el film se vio obligada a madurar debido a la implicación con su realidad social. Fuere como fuere, la actuación le gustó a Luis San Narciso, el cual decidió contratarla para Los Serrano (Telecinco, 2003-2008). Allí interpretó a Eva, la hija mayor de Lucía (Belén Rueda), la profesora que se reencuentra con su primer amor y decide casarse e irse a vivir con él, que acaba enamorándose de su hermanastro Marcos (Fran Perea).

A raíz de su papel en la serie, Verónica fue ganando popularidad y pronto ésta le proporcionó ciertos beneficios como una candidatura al Premio Goya a la mejor actriz revelación, que recayó en las manos de María Valverde.

Mientras continuaba el rodaje de la serie, Verónica avanzaba en su carrera cinematográfica. Protagonizó junto ex compañero de piso Félix Gómez una comedia titulada "El año de la garrapata". A este papel le siguió Sara, una estudiante de universidad virgen que se integraba en un un grupo de rock llamado Las Siux y que tocaba en una conocida discoteca el 23-F de 1981. La película se llamaba "El Calentito" y reincidía en su perfil de niña-adulta que perdía su inocencia, se incorporaba al mundo real, tomaba sus propias decisiones, imponiendo un criterio propio.

Antes de estrenar comercialmente éste filme, Verónica ya tenía en candelero "Camarón", en la que interpretó a La Chispa, la mujer de Camarón de la Isla, cuya relación marcaría el final de su adolescencia tras la cual se convirtiría en la sufriente esposa de un hombre al que quería ayudar a superar su drogadicción y a vencer un agresivo cáncer de pulmón que acabaría con su vida. Para abordar su papel, Verónica se entrevistó con la auténtica Dolores Montaya.

Apenas concluido ese rodaje, Verónica se incorporó a la filmación de "Los 2 lados de la cama", en la que encarnó a Marta, una mujer que abandona a su prometido para iniciar una relación lésbica. Lucía Jiménez, Guillermo Toledo, Ernesto Alterio, Alberto San Juan, Pilar Castro y María Esteve la acompañaban en una comedia musical en la que su personaje se sentía poco amada por su novia y a la que le concedía al final de la función la libertad afectiva: de nuevo Verónica Sánchez escenificaba el proceso a la madurez en la gran pantalla.

En mayo Verónica inició la promoción de "El Calentito" que abandonó para unirse al elenco de "Mia Sarah", donde tuvo de compañeros de reparto a Daniel Guzmán, Fernando Fernán Gómez, Manuel Lozano y Phyllida Law. Finalizada la película, Verónica acudió junto a Óscar Jaenada al Festival de Cine de San Sebastián para promocionar "Camarón".

Debido a sus compromisos cinematográficos, Verónica dejó durante un tiempo "Los Serrano". El 15 de diciembre de 2005, Eduardo Noriega y Silvia Abascal anunciaban que ella optaba al Premio Goya a la mejor interpretación femenina de reparto. Apenas dos semanas después se estrenaba "Los 2 lados de la cama".

En 2006 protagonizó la primera temporada de "Génesis: en la mente del asesino" donde interpretó a una psicóloga criminalista y aceptó un papel en las "Trece rosas" (2007). Al final del año recibió una candidatura a las medallas del círculo de escritores cinematográficos por "Mia Sarah" (2006).

En 2011 participó en la coproducción Española - Chileno - Mexicana "La Lección de Pintura" realizando el papel de Elvira, una joven del sur de Chile que tiene un hijo con un excepcional talento para la pintura.

En 2013, la actriz ficho por la serie Gran Reserva: El Origen que se emite en La 1 en la que dará vida a Sofia Reverte.

Filmografía

Cine

Año Película Director
2012 La montaña rusa Emilio Martínez Lázaro
2011 La Lección de Pintura Pablo Perelman
2009 Gordos Daniel Sánchez Arévalo
2007 Zenitram Luis Barone
2007 Las 13 Rosas Emilio Martínez Lázaro
2006 Mia Sarah Gustavo Ron
2005 Los 2 lados de la cama Emilio Martínez Lázaro
2005 Camarón Jaime Chávarri
2005 El Calentito Chus Gutiérrez
2004 El año de la garrapata Jorge Coira
2004 Mirados Julio Fraga
2003 Al sur de Granada Fernando Colomo

Televisión

Teatro

Otros

Premios y candidaturas

Premios Goya

Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor interpretación femenina de reparto Gordos Nominada
2005 Mejor interpretación femenina de reparto Camarón Nominada
2003 Mejor actriz revelación Al sur de Granada Nominada

Otros

Año Categoría Película Resultado
2012 Premio Talento Muestra de cine de Fuengirola Trayectoria Ganadora
2010 Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos a la mejor interpretación femenina de reparto Gordos Nominada
2010 Premio de la Unión de Actores a la mejor actriz secundaria de cine Gordos Ganadora
2009 Premio Talento Mediterráneo1 Trayectoria Ganadora
2006 Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos a la mejor interpretación femenina Mia Sarah Nominada
2003 Premio ACE a la mejor interpretación femenina Al sur de Granada Nominada
2003 Premio de la Unión de Actores a la mejor actriz revelación Al sur de Granada Nominada

 


Nuria González

Nacimiento Bandera de España Málaga
16 de mayo de 1962 (51 años)
Ocupación Actriz
Ficha en IMDb

Nuria González (Málaga, España; 16 de mayo de 1962) es una actriz española.1


Trayectoria

Ha trabajado en varias películas, obras de teatro,concursos, series y programas de televisión. No obstante, son sus trabajos televisivos los que le han otorgado mayor fama, especialmente, es conocida por sus papeles de Adela en Manos a la obra, Candela en Los Serrano y Clara en Física o Química. Presentó el concurso El rival más débil y colaboró en los espacios de humor La corriente alterna y El club de la comedia interpretando varios monólogos.

También ha participado en series como Todos los hombres sois iguales, Padre Coraje, o ¿Quién da la vez?, y en obras de teatro como 5mujeres.com, que se representó en el Teatro Alcázar de Madrid y otras como Bodas de sangre, Cinco cubiertos, Fiestas gordas del vino y del tocino, Orgía, María Sarmiento, etc.

Su carrera cinematográfica abarca títulos como Perro, ¿qué miras? (1995), El amor perjudica seriamente la salud (1996), Los 7 pecados capitales (1997), Señores de Gardenia (1998), El milagro de P. Tinto (1998), Gente Pez, (2001), Padre Coraje (2002) y Torremolinos 73 (2003), entre otras.

Ha recibido premios como el de mejor actriz secundaria por El Calentito en el Festival de Cine Español de Málaga. Y en 2008 obtuvo una nominación al Goya como mejor actriz de reparto por la película Mataharis.

A finales de 2010, abandona Física o Química para dedicarse al teatro aunque vuelve para el último capítulo de la serie.

Filmografía

Televisión

Series

TV-Movies

Programas

Otros

Como invitada especial


Blanca Portillo
Blanca Portillo en Almagro.jpg

Nombre real Blanca Portillo Martínez de Velasco
Nacimiento Madrid, Flag of Spain.svg España
15 de junio de 1963 (50 años)
Apodo(s) Blanca Portillo
Ocupación Actriz
Año de debut 1984
Premios
Festival de Cannes Mejor actriz (ex aequo)
2006 -
Volver
Festival Internacional de San Sebastián Concha de Plata a la mejor actriz
2007 - Siete mesas de billar francés
Otros premios Premio Nacional de Teatro (2012)
Ficha en IMDb

Blanca Portillo Martínez de Velasco (Madrid, España, 15 de junio de 1963) es una actriz de cine, teatro y televisión española.


Biografía

Nació el en Madrid, ciudad en la que empezó a apuntarse a pequeñas producciones amateurs de teatro. Para realizar su deseo de convertirse en actriz, Blanca Portillo se matriculó en la RESAD, donde se graduó en Arte Dramático. Con el título en la mano consigue papeles en funciones como Bodas de sangre (1984), El mal de la juventud (1985), Lope de Aguirre, traidor (1988), Marat-Sade (1992) o Las troyanas (1993). Entre ellas destacó su doble papel de Cuento de invierno (1992), en la que encarnó a:1) una reina que moría de pena tras verse acusada injustamente de adulterio y padecer la muerte de su primer hijo; 2) la hija de ésta que había vivido durante años creyéndose una campesina y que lograba restablecer la armonía en la tierra.

En 1994 protagonizó al lado de Joaquín Kremel la obra de David Mamet, Oleanna, en la que encarnó a Carol, una estudiante que reclamaba una mayor nota a su profesor quien le otorgaba sobresaliente. Portillo debía interpretar a un personaje cuya percepción sobre el mismo varía en cada acto, de tal manera que el espectador dejaba de ver en ella a una víctima acosada por un abuso de poder para apreciarla como una arribista que no se para ante nada para subir peldaños.

Concluida la función, Portillo participó en obras teatrales como Una bala perdida (1995), El embrujado (1995), Terror y miseria del Tercer Reich (1995), Mujeres frente al espejo (1996), y Un fénix demasiado frecuente (1997). Entre medias debutó en el cine con Entre rojas.

A este título se le sumó El color de las nubes (1997), en la que encarnó a una madre divorciada que desatendía a su hijo. El papel le valió una candidatura al Premio Goya a la mejor actriz revelación y a los premios de la Unión de Actores, en cuya edición recibió el galardón a la mejor actriz secundaria por la obra teatral Eslavos, una reflexión sobre el final de siglo y de la caída del régimen comunista en la URSS.

A pesar del éxito en el cine y del premio obtenido, Blanca Portillo regresó a los escenarios con Madre, el drama padre (1998) -basada en el texto de Enrique Jardiel Poncela- y No hay burlas para el amor (1998). Paralelamente debutó en la dirección teatral con Hay amores que hablan (1997) y Shakespeare a pedazos (1999).

Al año siguiente Luis San Narciso la fichó para la serie de televisión 7 vidas, donde interpretó a Carlota, una peluquera insegura pero a su vez afectiva y racional que se casaba con un tabernero (Gonzalo: Gonzalo de Castro) al que pretendía educar y cuya relación se enturbió en principio ante la negativa de él a tener hijos -y que terminó aceptando debido a un embarazo inesperado-, y por las ansias de explorar una nueva relación con otro hombre. Blanca se sumó a todo el elencó en el movimiento del No a la guerra en 2003, el mismo año en que puso voz en castellano a uno de los personajes del filme de animación Buscando a Nemo.

La actriz compaginó el rodaje de la serie con su trabajo en obras de teatro como El matrimonio de Boston, El sueño de una noche de verano (2002), Desorientados (2003) y Como en las mejores familias (2003) donde coincidió con buena parte de sus compañeros de televisión. En ella encarnaba a Yolanda, una mujer casada que "tenía frío" en su relación conyugal con Philippe y ante el mundo. Gracias a dicho papel la actriz obtuvo una candidatura al Fotogramas de Plata y el premio de la Unión de Actores. Al final del año dirigió la obra Desorientados (2003).

En 2004 decidió abandonar la serie para emprender un proyecto teatral en Argentina titulado La hija del aire, basada en un texto de Calderón de la Barca. En ella interpretó a Semíramis, la reina de Babilonia, una monarca que desafiaba a su destino ejerciendo su poder. La actriz compaginó la obra con el rodaje del filme Elsa y Fred (2005), en la que encarnó a una mujer que se oponía a la relación entre su progenitor y una anciana de su misma edad.

Al regresar a España escenificó la obra en Madrid y decidió interpretar a un hombre -más concretamente a un inquisidor del siglo XVII- en el filme Alatriste (2005), basada en la novela de Arturo Pérez-Reverte. Se rapó el pelo para afrontar su papel. La Unión de Actores le concedió un tercer premio a la mejor actriz de teatro.

Compaginó este trabajo con su participación en una obra de teatro del colectivo Animalario titulada Hamelin, inspirada en el caso de pederastia del barrio del Raval de Barcelona que hizo perder el peso político a una asociación de vecinos en clara oposición a los planes urbanísticos del ayuntamiento. El director de la función, Andrés Lima, declaraba que su principal interés era denunciar la perversión en la educación de los niños.

Más recientemente Pedro Almodóvar la llamó para interpretar a la vecina de Chus Lampreave en la película Volver (2006) en la que interpretó a Agustina, una mujer del pueblo que busca a su madre y a la que le detectan un cáncer. Un ser solitario -tan austero hasta llevar la cabeza rasurada- en cuyos últimos días encuentra el cariño de sus antiguas vecinas y que la vinculaban de nuevo con el repertorio de mujer decidida con iniciativa propia.

Concluido este trabajo fichó para Los fantasmas de Goya, dirigida por Miloš Forman, en la que encarnó a la reina María Luisa de Parma.

En 2006 dirigió la obra de teatro Siglo XX, que estás en los cielos, la cual narraba la experiencia en el limbo de dos jóvenes que murieron sin alcanzar la treinta -un miliciano republicano y una drogadicta que cayó fulminada en plena movida madrileña", la historia de dos guerras perdidas, una librada para que esos jóvenes "no viviesen peor" y otra fruta de la falta de ideales y la sobredosis de escepticismo. La puesta en escena requería un único escenario (un cuadrilatero), las luces apagadas (que impedían ver el rostro de los actores: Roberto Enríquez, Silvia Abascal, Ricardo Gómez y Santiago Crespo) y la filtración en el escenario de olores que remitían a los lugares aludidos por el texto... Entre la puesta en marcha del proyecto y el inicio de la gira, Blanca Portillo accedió a aparecer en el capítulo 200 de 7 vidas, en el que se reencontró con sus antiguos compañeros de reparto (Amparo Baró, Eva Santolaria, Carmen Machi, Toni Cantó, Florentino Fernández, Santi Millán, Gonzalo De Castro) y se unía a los nuevos (Leandro Rivera, Yolanda Ramos y Cristina Peña).

Cuando la obra dejó de representarse en Madrid, en el Teatro Español, Blanca viajó al Festival de Cannes 2006 para promocionar Volver. Allí recibiría junto a Penélope Cruz, Chus Lampreave, Yohana Cobo, Carmen Maura, y Lola Dueñas el premio a la mejor actuación.

Dos meses después Gracia Querejeta le ofreció su primer papel protagonista en cine en Siete mesas (de billar francés) en la que incorporó a la amante del dueño de un negocio de billar, una mujer de fuerte carácter cuya madre interpretó Amparo Baró. En teatro estrenó Afterplay, según un texto de Brian Friel que especulaba sobre un encuentro entre los personajes de Tío Vania y Tres hermanas. En la función la actriz encarnó a Sonya, quien desde la muerte de su tío no ha logrado adquirir todavía una propiedad privada y sigue enganchada al Doctor Astrov, con quien apenas mantiene esporádicas relaciones sexuales que vuelven a acentuar su soledad y sufrimiento.

El 18 de diciembre se hacía pública su candidatura a los Premios Goya junto a sus compañeras de reparto Lola Dueñas y Carmen Maura; contra las cuales comptiría para alzarse con el galardón correspondiente del Círculo de Escritores Cinematográficos y el de la Unión de Actores. Finalmente ganó el galardónde la Unión de Actores, perdiendo los otros dos galardones en beneficio de Carmen Maura.

En mayo encabezó junto con Susi Sánchez y Celso Bugallo el reparto de Mujeres soñaron caballos, en la que interpretó a Ulryka, una fotógrafa pragmática que mantiene una relación inestable con su marido (Ginés García Millán), caracterizada por la violencia verbal y física.

Al concluir la función, se incorporó a los ensayos de Barroco, adaptación de Las amistades peligrosas, en la que trabajó junto a Chema León y Asier Etxeandía. Compaginó este trabajo con su incorporación a Cuéntame cómo pasó, donde dio vida a una profesora universitaria feminista. En cine firmó contrato para narrar la historia de unas reclusas que fundaron en prisidio su propia compañía de teatro. Susi Sánchez, Candela Peña, Verónica Echegui, Natalia Mateo completaron el reparto. Al mismo tiempo se alcazaba con la Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival de Cine de San Sebastián así como sendas candidaturas a los Premios Goya como al Círculo de Escritores Cinematográficos. Sus trabajos teatrales merecen también menciones a los Max (por Mujeres soñaron caballos) y a la Unión de Actores (por Barroco).

En enero de 2009 se estrenó la serie para Telecinco, Acusados, en la que interpreta a la jueza Rosa Ballester, una mujer sin escrúpulos que se embarca en una investigación judicial que la situará al borde del precipicio. En este ocasión, volvió a trabajar con Silvia Abascal y con José Coronado. En marzo del mismo año, se estrenaba su siguiente trabajo con Pedro Almodóvar: Los abrazos rotos, rodado a mediados del año anterior.

En enero de 2010, Telecinco estrena Las mil caras de Blanca Portillo un reportaje en el que la actriz repasa su trayectoria artística y hace balance de su carrera y a finales de ese mismo año se da a conocer que la actriz asumía el cargo de directora del Festival de Mérida en sustitución de Francisco Suárez.1

En 2011, se pusó bajo la dirección de la obra teatral ”La avería”, que estaba protagonizada por: Emma Suárez, José Luis García Pérez, Asier Etxeandia, Daniel Grao, José Luis Torrijo y Fernando Soto, en la que Blanca sustituyó en varias ocasiones a Daniel Grao y durante las últimas funciones a Emma Suárez. También rodó bajo las órdenes de Álex de la IglesiaLa chispa de la vida”.

En 2012, entre los meses de febrero y abril, grabó entre Galícia y Cataluña, ”La visitadora de cárceles”, dirigida por Laura Mañá, que se estrenó en exclusiva en Canal Sur y Andalucía televisión, pero que en 2013, se podrá disfrutar en TVE 1. Ha hecho "cameos" en series como Hospital Central, donde da vida a Alba, una mujer policía que ha sufrido desequilibrios psíquicos en el pasado y Frágiles donde interpreta a Mónica, una mujer que se ha quedado embarazada pasados los 40 y que tiene osteogénesis ("huesos de cristal"). También está interpretando a Segismundo en la adaptación de Juan Mayorga de ”La vida es sueño” de Calderón de la Barca, dirigida por Helena Pimenta y que se estrenó este verano en el festival de Almagro. Hasta el 16 de diciembre está en el Teatro Pavón de Madrid, luego empezará una gira por muchos lugares de España, incluso, a Buenos Aires. También participará en ”Cuentos del siglo XX” hará de bruja en la adaptación del famoso cuento ”Hansel y Gretel”, la serie hace un repaso de los cuentos infantiles más importantes. Durante este año ha ganado el Premio Max a la mejor dirección de escena por ”La avería”, y el Premio Nacional de Teatro por "su valentía al asumir nuevos retos escénicos y su defensa del teatro como compromiso con la sociedad".2

En 2013, se estrenará una tv-movie que se titula ”niños robados” que está dirigida por Salvador Calvo y que interpretará a Sor Eulalia, una controvertida religiosa.

En Agosto de 2013 se confirma que Blanca Portillo preparaba una nueva serie de Telecinco llamada El Chiringuito junto con Santi Millan y que se estrenaría finales de año.

Teatro

Como Actriz

Como directora

  • La avería (2011)
  • Siglo XX... que estás en los cielos (2006)
  • Desorientados (2004)
  • Shakespeare a pedazos (1999)
  • Hay amores que hablan (1997)

Televisión

Cine

Año Película 'Director
2011 La chispa de la vida Álex de la Iglesia
2010 Biutiful Alejandro González Iñárritu
2009 Los abrazos rotos Pedro Almodóvar
2007 Siete mesas de billar francés Gracia Querejeta
2006 Alatriste Agustín Díaz Yanes
2006 Volver Pedro Almodóvar
2006 Los fantasmas de Goya Miloš Forman
2005 Elsa y Fred Marcos Carnevale
2003 Buscando a Nemo (voz) Andrew Stanton y Lee Unkrich
2001 Sólo mía Javier Balaguer
1997 El color de las nubes Mario Camus
1996 El perro del hortelano Pilar Miró

Premios y candidaturas

Festival Internacional de Cine de Cannes

Año Categoría Película Resultado
2006 Mejor actriz (en conjunto con el resto de actrices) Volver Ganadora

Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Año Categoría Película Resultado
2007 Concha de Plata a la mejor actriz Siete mesas de billar francés Ganadora

Premios Goya

Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor interpretación femenina protagonista Siete mesas de billar francés Nominada
2006 Mejor interpretación femenina de reparto Volver Nominada
1997 Mejor actriz revelación El color de las nubes Nominada

Fotogramas de Plata

Año Categoría Película/Serie/Montaje Resultado
2012 Mejor actriz de teatro La vida es sueño Ganadora
2009 Mejor actriz de cine Los abrazos rotos Nominada
2008 Mejor actriz de teatro Barroco Nominada
2007 Mejor actriz de cine Siete mesas de billar francés Nominada
2003 Mejor actriz de teatro Como en las mejores familias Nominada
2001 Mejor actriz de televisión 7 vidas Semifinalista
Mejor actriz de teatro Madre, el drama padre Semifinalista

Premios de la Unión de Actores

Año Categoría Película/Serie/Montaje Resultado
2012 Mejor actriz protagonista de teatro]] La vida es sueño Ganadora Mejor actriz protagonista de televisión Acusados Nominada
2007 Mejor actriz protagonista de teatro Barroco Nominada
2006 Mejor actriz secundaria de cine Volver Ganadora
2004 Mejor actriz protagonista de teatro La hija del aire Ganadora
2003 Mejor actriz secundaria de teatro Como en las mejores familias Ganadora
2002 Mejor actriz protagonista de televisión 7 vidas Nominada
2000 Mejor interpretación protagonista de televisión 7 vidas Ganadora
1997 Mejor interpretación de reparto de cine El color de las nubes Nominada
Mejor interpretación secundaria de teatro Eslavos Ganadora

Círculo de Escritores Cinematográficos

Año Categoría Película Resultado
2009 Mejor actriz secundaria Los abrazos rotos Nominada
2007 Mejor actriz protagonista Siete mesas de billar francés Nominada
2006 Mejor actriz secundaria Volver Nominada

Premios Max

Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor director La avería Ganadora
2009 Mejor actriz protagonista Hamlet Ganadora
2008 Mejor actriz protagonista Barroco Nominada
2007 Mejor actriz protagonista Mujeres soñaron caballos Nominada
2004 Mejor actriz de reparto Como en las mejores familias Ganadora
2002 Mejor actriz protagonista Madre, el drama padre Ganadora

Premios Mestre Mateo

Año Categoría Película Resultado
2012 Mejor interpretación femenina protagonista Concepción Arenal, la visitadora de cárceles Nominada

Premios EñE del cine español

Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor interpretación femenina de reparto Siete mesas de billar francés Ganadora
2006 Mejor interpretación femenina de reparto Volver Ganadora

Premios Ercilla

Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor intérprete femenina La montaña rusa Nominada
2007 Mejor intérprete femenina Afterplay Ganadora

Premios Chivas Telón

Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor intérprete dramático veterano Hamelin Ganadora

Premios Micrófono de Oro

Año Categoría Película Resultado
2007 Apartado Cinematográfico Siete mesas de billar francés Ganadora

Premios Mayte de Teatro

Año Categoría Película/Serie Resultado
2010 Mejor interpretación teatral Hamlet Nominada
2009 Mejor interpretación teatral Barroco Nominada
2007 Mejor interpretación teatral Mujeres soñaron caballos Nominada

Premios Mayte de Teatro de Cantabria

Año Categoría Película Resultado
2009 Actuación teatral Barroco Nominada
2008 Actuación teatral After play Ganadora

Premios del Público TV.3

Año Categoría Serie de TV Resultado
2009 Mejor actriz protagonista de drama Acusados Nominada

Premios de Teatro Miguel Mihura de la SGAE

Año Categoría Película Resultado
2004 Labor artística de una actriz en la interpretación de la obra de algún autor español La hija del aire Ganadora

Premio Ojo Crítico de Teatro

Año Categoría Película Resultado
1998 Mejor interpretación teatral No hay burlas con el amor Ganadora
1997 Mejor interpretación teatral No hay burlas con el amor Ganadora

Los otros finalistas fueron Albert Boadella, Alberto San Juan, Federico Luppi, Carlos Hipólito, Núria Espert, José Luis Gómez, Lluís Homar, Juan Echanove, José Sacristán, Helena Pimenta y José Carlos Plaza.4


Elvira Mínguez

Nombre real Elvira Mínguez
Nacimiento Valladolid, Castilla y León
(Bandera de España España)
23 de julio de 1965 (48 años)
Premios
Premios Goya Mejor actriz de reparto
2005 Tapas
Ficha en IMDb

Elvira Mínguez (n. Valladolid, 23 de julio de 1965) es una actriz española.


Biografía

Vinculada en sus inicios al teatro, Elvira Mínguez participó en obras como Romeo y Julieta (1989), La cacatúa verde (1990), o El carro de heno (1991). En 1993 asumió la decisión de dirigirse a sí misma sobre las tablas en la adaptación de Crímenes del corazón.

En 1994 el director de casting Paco Pino la fichó para la película Días contados. Su interpretación de una terrorista de ETA le valió una candidatura al Premio Goya a la mejor actriz revelación así como una mención de la Unión de Actores.

Ya introducida en el mundo del cine, Elvira dirigió al año siguiente el cortometraje El fumador de pipa. Su carrera como actriz avanzaba con pequeños roles al servicio de Ricardo Franco en filmes como La buena estrella (1997), o Lágrimas negras, rodada en el año en que accedió a su primer protagonista en Me llamo Sara (1998). En ella la actriz encarnó a una mujer satisfecha con su pareja y con su trabajo que ve derrumbarse su pequeño mundo, el cual se va descomponiendo ante su incrédula y dolorosa mirada.

A este trabajo se le añadieron los realizados a las órdenes de Gonzalo Suárez (El portero) y de Pedro Telecha (El invierno de las anjanas).

En 2001 se unió al reparto de Sólo mía donde se puso en la piel de Andrea, una mujer que junto a su pareja (Alejandro: Alberto Jiménez), apoyaba a Ángela (Paz Vega), una treintañera maltratada por su marido (Joaquín: Sergi López). Este rol sintentizó uno de los roles más conocidos de la actriz: el de la fiel amiga dispuesta a dar apoyo a sus seres queridos.

En 2002 dio sus primeros pasos en el cine internacional con dos películas. En la primera, Pasos de baile (John Malkovich), interpretó a una inspectora encargada de atrapar al jefe de una banda terrorista cuyos atentados se cometían con la intención de aniquilar al gobierno corrupto de un país latinoamericano. Javier Bardem, Juan Diego Botto, Abel Folk y Javier Manrique completaron el reparto.

En la segunda, El misterio de Wells, se puso en la piel de Martha, una mujer acusada de brujería y del asesinato de unos adolescentes en la Edad Media, que recibe la ayuda de unos actores y un sacerdote que logran demostrar su inocencia y la culpabilidad de un noble que antes de segar la vida de los jóvenes los violaba. Willem Dafoe, Paul Bettany, Brian Cox, Vincent Cassel y Gina Mckee fueron sus compañeros.

En España, Elvira escribió junto a Javier Cámara, María Botto, Juan Diego Botto y Joaquín Oristrell la película Los abajo firmantes como protesta al apoyo del gobierno de José María Aznar al presidente George Walker Bush durante la guerra de Irak. Ella y los tres co-guionistas mencionados asumieron los roles de unos miembros de una compañía de teatro que realizaban una gira con la obra Comedia sin título (Federico García Lorca) y que se veían en la tesitura de decidir sí leer o no un manifiesto en contra del conflicto bélico. El personaje de Elvira -una actriz fracasada y madura, aunque todavía sexualmente atractiva a los ojos de uno de sus compañeros jóvenes de función- llegaba a la conclusión de que «sólo importa lo que dices cuando eres alguien».

En 2004 Juan Cruz y José Corbacho la seleccionaron para interpretar en Tapas, su debut en la realización, a Raquel, una mujer divorciada a los cuarenta que ahoga su soledad chateando por internet y manteniendo fortuitos encuentros sexuales con un veinteañero (César: Rubén Ochandiano). Dicho papel mostraba la imagen de la actriz como una cuarentona capaz de rehacer su vida tras cicatrizar las heridas que los años la ha infligido, y que todavía está dispuesta a darse una oportunidad en sí misma. La cinta se estrenó en 2005 en el Festival de Málaga, donde Elvira Mínguez se hizo con su primera Biznaga de Plata.

Después de recoger su premio, Elvira rodó la serie Abuela de verano donde encarnó a Carmen, la fiel cocinera y asistenta de Eva (Rosa María Sardá), una mujer que acogía en su casa a sus numerosos nietos mientras sus padres rehacían sus matrimonios.

La actriz compaginó el rodaje de la serie con la representación de la obra El olor del café que protagonizó junto a Maite Brick y Borja Manero.

Al final del año, Elvira recibió su segunda candidatura a los Premios Goya por Tapas. Un mes después la actriz era galardonada con el Premio Goya a la mejor actriz de reparto. Sobre el escenario, visiblemente abrumada, declaró no creer que se mereciese le premio mientras su director, José Corbacho, la interrumpía en el escenario contradiciéndola. Tres meses después la Unión de Actores la seleccionaba para sus premios anuales.

En 2006 estrena La caja -junto a Ángela Molina, Antonia San Juan y María Galiana- y al años siguiente Pudor, el debut en la realización de Tristán Ulloa. Por ésta obtuvo por segunda vez la Biznaga de Plata del Festival de Cine Español de Málaga.

En 2008 Cruz y Corbacho volvieron a contar con ella para Cobardes, un drama que basa su argumento en el acoso escolar. Por su papel fue de nuevo candidata al Premio Goya. Ese mismo año interpreta a la revolucionaria Celia Sánchez en Che: El argentino, protagonizada por Benicio Del Toro.

En 2011 protagoniza el biopic Clara Campoamor: la mujer olvidada, basado en la novela de Isaías Lafuente, y donde Mínguez interpreta a Clara Campoamor, que después de una lucha constante, y después de múltiples traiciones, el 1 de diciembre de 1931, consigue su objetivo: el voto para la mujer.

Filmografía

Cine

Televisión

Teatro

  • El olor del café (2005)
  • Crímines del corazón (1993)
  • El carro de Heno (1991)
  • La cacatúa verde (1990)
  • Romeo y Julieta (1989)

Premios y candidaturas

Premios Anuales de la Academia "Goya"
Año Categoría Película Resultado
2008 Mejor interpretación femenina de reparto Cobardes Candidata
2005 Mejor interpretación femenina de reparto Tapas Ganadora
1994 Mejor actriz revelación Días contados Candidata
Premios de la Unión de Actores
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor actriz secundaria de cine Tapas Ganadora
1994 Mejor interpretación secundaria de cine Días contados Candidata
Mejor interpretación revelación Candidata
Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor actriz secundaria Tapas Ganadora
Premios Ondas
Año Categoría Película Resultado
1994 Categoría de cine: Mejor actriz
(ex aequo con Ruth Gabriel y Candela Peña)
Días contados Ganadora
Premios Barcelona de Cine
Año Categoría Película Resultado
2005 Mejor actriz Tapas Candidata
Festival de Cine Español de Málaga
Año Categoría Película Resultado
2007 Biznaga de Plata (Sección oficial): Mejor actriz Pudor Ganadora
2005 Biznaga de Plata (Sección oficial): Mejor actriz Tapas Ganadora
Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary
Año Categoría Película Resultado
2007 Mejor actriz Pudor Ganadora
Festival Internacional de Cine de Comedia de Peñíscola
Año Categoría Película Resultado
2006 Premio Calabuch: Mejor actriz La caja Ganadora
Festival de Cine Hispano de Miami
Año Categoría Película Resultado
1999 Golden Egret ("Garza de Oro"): Mejor actriz Me llamo Sara Ganadora
Festival de Aguilar de Campoo
Año Categoría Resultado
2011 Águila de Oro de Honor Ganadora

 


Nieve de Medina

Nombre real Nieve de Medina
Nacimiento Flag of Spain.svg España
1962
Ficha en IMDb

Nieve de Medina, actriz española nacida en Madrid, (1962)

Filmografía

Cine

Largometrajes

Cortometrajes

Televisión

Teatro

Premios


Katharine Hepburn
Katharine Hepburn promo pic.jpg

Nombre real Katharine Houghton Hepburn
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Hartford, Connecticut (Estados Unidos)
12 de mayo de 1907
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Old Saybrook, Connecticut (Estados Unidos)
29 de junio de 2003 (96 años)
Ocupación Actriz
Años activo/a 1928-1994
Familia
Cónyuge Ludlow Ogden Smith
(1928 – 1934)
Pareja Spencer Tracy
(1941 – 1967)
Premios
Premios Óscar Mejor actriz
1933 Morning Glory
1967 Guess Who's Coming to Dinner
1968 The Lion in Winter (ex-aequo con Barbra Streisand)
1981
On Golden Pond
Premios BAFTA Mejor actriz
1967 Guess Who's Coming to Dinner
1968 The Lion in Winter
1981 On Golden Pond
Premios Emmy Mejor actriz - Miniserie o telefilme
1975 Love Among the Ruins
Festival de Cannes Mejor interpretación femenina
1962 Long Day's Journey into Night
 

Katharine Houghton Hepburn (12 de mayo de 1907, Hartford, Connecticut, Estados Unidos - 29 de junio de 2003, Old Saybrook, Connecticut) fue una actriz estadounidense, la única en ganar cuatro premios Óscar y una de las más nominadas con doce candidaturas. Célebre por la combinación única de talento, belleza distinguida y espíritu independiente.

Según la lista del American Film Institute (AFI), está considerada la primera estrella femenina más importante de los primeros cien años del cine norteamericano, por delante de Bette Davis (Nº2), Audrey Hepburn (Nº3), Ingrid Bergman (Nº4), Greta Garbo (Nº5), Marilyn Monroe (Nº6), Elizabeth Taylor (N°7), Judy Garland (N°8), Marlene Dietrich (N°9) y Joan Crawford (N°10).

Biografía

Primeros años

Pertenecía a una familia descendiente de los colonos del Mayflower y hasta tenía sangre real en sus venas (James Hepburn, IV conde de Bothwell). Su padre era ginecólogo y fue el que la educó. Su madre, Katharine Houghton, era una decidida sufragista muy activa en su comunidad y que luchó por el reconocimiento de las prostitutas. Hepburn se crio en un ambiente libre y tolerante, lo cual marcaría su carácter. Practicó desde muy pequeña muchos deportes y, según cuenta en su autobiografía, un verano se cortó el pelo y se hizo llamar Jimmy. Según se define ella misma, fue un «marimacho».

Siendo muy joven, recibió un duro golpe: su hermano Tom de 14 años, a quien ella estaba muy unida, se suicidó ahorcándose en Nueva York durante una visita a un familiar. Esto la convirtió en una joven retraída y poco comunicativa. Dejó los estudios en la escuela y dio clases con su madre en su casa.

Inició sus estudios de Filosofía en el Bryn Mawr College, lugar donde comenzó sus actuaciones teatrales. Cuando los terminó en 1928 decidió dedicarse de lleno a la interpretación. Tuvo pequeños papeles en obras como La Zarina donde hizo un reemplazo y viajó a Nueva York, donde tomó clases de dicción con la antigua cantante Frances Robinson Duff. En 1932 tuvo un enorme éxito con la obra teatral The warrior's husband, una fábula griega. Ese mismo año fue requerida por el cine y protagonizó para la RKO la película Doble sacrificio, junto a John Barrymore, dirigida por quien llegaría a ser uno de sus más íntimos amigos, George Cukor.

Protagonizó 'Hacia las alturas en la que interpretó a una piloto, muy inspirada en la figura de Amelia Earhart. En 1933 ganó su primer Óscar por interpretar a una actriz provinciana que va a buscar gloria en la gran ciudad, en Gloria de un día. En 1934 ganó el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Venecia por su interpretación en Little Women, donde interpretó a Jo March, en la versión de George Cukor del clásico Mujercitas.

Veneno para la taquilla

Sus siguientes películas, Sangre gitana (en la que interpreta a una gitana irlandesa) y el gran clásico de la comedia screwball La fiera de mi niña, son un rotundo fracaso y las productoras la bautizan como «veneno para la taquilla» como a Fred Astaire, Joan Crawford, Dolores del Río y Marlene Dietrich.

Protagoniza junto a las Chicas de la RKO la peícula Damas del teatro, que es nominada a varios Óscar pero no asienta totalmente a Hepburn. En 1933 y tras el éxito de Gloria de un día, se embarca en la obra teatral The Lake, de la que sale muy mal parada.

Vuelve a Connecticut con su familia y regresa triunfante al teatro en Broadway con la comedia Historias de Filadelfia, que en 1940 es adaptada para el cine y protagonizada por ella, James Stewart y Cary Grant, y que la devuelve a la palestra cinematográfica. El guion de Historias de Filadelfia fue un regalo del magnate Howard Hughes, su pareja entonces.

En 1942, protagoniza junto a Spencer Tracy, con quien mantuvo una relación sentimental hasta la muerte del actor, la comedia La mujer del año en la que hace gala de su plurilingüismo hablando francés, ruso y español. Hepburn y Tracy harían nueve películas en común. Durante los años 40 protagoniza varias películas junto a Tracy: Sin amor dirigida por George Stevens o Mar de Hierba de Frank Capra, con Angela Lansbury. En 1949, protagoniza junto a Tracy La costilla de Adán que narra las situaciones en las que un matrimonio de abogados se pone cuando se enfrentan en un tribunal. En 1951 rueda junto a John Huston y Humphrey Bogart La reina de África (La reina africana, en Latinoamérica), otro gran clásico. En 1952 realiza en Venecia y dirigida por David Lean Locuras de Verano, en la que encarna a una solterona secretaria de vacaciones que descubre el amor. Durante todos los años 50, Hepburn realizó numerosas obras de teatro, entre ellas Como gustéis y El mercader de Venecia de William Shakespeare y La Millonaria de George Bernard Shaw.

La tranquilidad de una estrella

En 1959, Hepburn realiza el papel más iconoclasta de su carrera, el de Violet Venable en De repente, el último verano de Tennessee Williams, junto a Elizabeth Taylor y Montgomery Clift, y por el cual es aclamada por la crítica.

A partir de ahí, se especializa en adaptaciones cinematográficas de obras teatrales, como Larga jornada hacia la noche de Eugene O'Neill, en la que interpreta con maestría a una morfinómana metida en una familia rota y por la que gana el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes. Tras cinco años de parón, en los que cuida a un cada vez más enfermo Tracy, reaparece junto a él en su último film juntos Adivina quién viene esta noche (también conocida como ¿Sabes quién viene a cenar? y Adivina quién viene a cenar), tras la que Tracy muere, motivo por el que Hepburn nunca vio esta película. Hepburn gana, por este film, su segundo Óscar. En esta película su sobrina Katharine Houghton, hacía el papel de su hija. En 1968 interpreta a Leonor de Aquitania en El león en invierno y gana su tercer Óscar, compartido con Barbra Streisand por Funny Girl.

En 1969 Hepburn realiza uno de sus papeles más recordados en el teatro. Protagoniza Coco, musical de gran éxito inspirado en la vida de la diseñadora de moda Coco Chanel. Hepburn grabó un álbum con las canciones del musical que vendió numerosas copias. Cansada de este duro trabajo diario dejó la función. Su rol fue asumido con solvencia por la actriz y cantante francesa Danielle Darrieux.

Ya en la década de 1970, realiza papeles importantes en más adaptaciones a la pantalla de clásicos teatrales, como el de la Condesa Aurelia en La loca de Chaillot de Jean Giraudoux y el de Hecuba en Las troyanas de Eurípides junto a Irene Papas y Vanessa Redgrave. Encarna a Eula Goodnitgh en El rifle y la biblia, un film del Oeste junto a John Wayne y cuyo argumento se parece demasiado al de la exitosa La reina de África. Interviene en Un balance delicado con Paul Scofield y dirigida por Anthony Harvey y en la obra de teatro filmada El zoo de cristal.

Realiza además algunos trabajos para televisión, y dirigida por George Cukor protagoniza Amor entre ruinas con Laurence Olivier y por la que gana un premio Emmy, además de El trigo está verde. En 1981, Hepburn interviene en la romántica En el estanque dorado (en América latina, En la laguna dorada) junto a Henry Fonda y por el cual gana su cuarto Óscar.

Sus últimos papeles en el cine son el de La última solución de Grace Quigley en el que interpreta a una anciana que contrata a un sicario, Nick Nolte, para matar a sus amigos que ya sufren los achaques de la edad y el de la anciana tía Ginny en la película de Warren Beatty, Un asunto de amor. A partir de ahí, Hepburn realiza pequeñas películas para televisión que la mantienen en activo pero una vez su estado de salud se agrava, se retira a Connecticut.

Casada con Ludlow Ogden Smith, se divorció de él en la década de los 30 y mantiene relaciones con John Ford, que la dirigió en María Estuardo, con su agente Leland Hayward y con el magnate Howard Hughes mantiene una relación amistad-amante.

En 1942 conoce a Spencer Tracy, del que no se separaría hasta su muerte en 1967. Hepburn y Tracy mantuvieron esta duradera relación sin casarse, pues Tracy, que era católico, no quiso separarse nunca de su esposa.

Aunque muchos dijeron que Hepburn padecía la enfermedad de Parkinson, ella siempre lo negó diciendo que era una herencia de su abuelo, al que también le temblaban las articulaciones y la cabeza, en verdad de lo que padecía era de temblor esencial benigno. Hepburn padeció también de pequeños cánceres en su piel y en sus últimos meses, un tumor en el cuello se le agravó.

Hepburn murió en su casa de Old Saybrook, en el estado de Connecticut el 29 de junio de 2003.

Katharine Hepburn publicó su autobiografía en 1991 con el título en español Yo misma, historias de mi vida. Hepburn ya había publicado con gran éxito un cuaderno de viaje del rodaje de La Reina de África con el largo título Cómo viajé a África con Huston, Bogart y Bacall y casi pierdo la razón. La vida de Katharine Hepburn ha dado numerosas biografías como Recordando a Kate del estadounidense A. Scott Berg, ganador del premio Pulitzer, en la que cuenta la amistad que le unió con la actriz durante 20 años.

Carrera teatral

Katharine Hepburn tuvo una sólida carrera teatral. Comenzó a dar sus pasos en el mundo de la actuación en Broadway en obras como Night Hostess y These days.

Tiene un gran éxito con The Warrior's husband, una obra inspirada en Lisístrata. Una vez triunfa en Hollywood, se decide a protagonizar The lake, obra con la que no está contenta y que finiquita con quince mil dólares.

Tras unos fracasos en el cine vuelve al teatro y protagoniza Jane Eyre e Historias de Filadelfia, que la catapulta de nuevo a la fama en su carrera como estrella de cine gracias a su adaptación cinematográfica.

Tras varios años en la primera plana de la palestra cinematográfica y con algunos problemas con Spencer Tracy, Hepburn vuelve al teatro en la década de los 50. Protagoniza Como gustéis, Mucho ruido y pocas nueces, El mercader de Venecia y Antonio y Cleopatra, y realiza una gira que la lleva a Australia, Stratford y Estados Unidos. Triunfa con crítica y público con La millonaria.

Vuelve al cine y tras ganar dos Óscar, se mete en el papel de la diseñadora francesa Coco Chanel en el musical Coco por el que es nominada al Premio Tony. Hepburn no está muy convencida de la obra pero hace multitud de representaciones llenando siempre los teatros de Broadway. En 1981 protagoniza The West Side Waltz por la que es nominada al Tony.

Comentarios

Es la intérprete que ha conseguido más Óscar de la historia, cuatro. La siguen Meryl Streep, Walter Brennan, Ingrid Bergman, Jack Nicholson y Daniel Day-Lewis con tres cada uno. Sin embargo, estando viva, nunca ganó un Globo de oro. Donó sus cuatro Óscar al Empire State Building de Nueva York, convencida de que, si no iba a recogerlos, no debía tampoco tenerlos.

Tan sólo es superada en nominaciones a los Óscar por Meryl Streep con diecisiete nominaciones.

Como curiosidad, ganó su cuarto Óscar 48 años después del primero. Sólo acudió a la ceremonia en 1974 para entregar el premio en memoria de Irving G. Thalberg a su amigo Lawrence Weingarten, y acudió vestida con un pijama en protesta por la banalidad de los premios.

Filmografía

Obras teatrales

  • 1928
    • The Czarina: Lady-In-Waiting
    • The Cradle Snatchers: Flapper
    • The Big Pond: Barbara
    • These Days: Veronica Sims
    • Holiday Understudy
  • 1929
    • Death Takes A Holiday: Grazia
  • 1930
    • A Month In The Country: Katia
    • The Admirable Crichton: Lady Agatha Lasenby
    • The Romantic Young': Lady Amalia
    • Romeo & Juliet: Kinswoman to the Capulets
    • Art & Mrs Bottle: Judy Bottle
  • 1931
    • The Animal Kingdom: Daisy Sage
  • 1932
    • The Warrior's Husband: Antiope
    • The Bride The Sun Shines On: Psyche Marbury
  • 1933
    • The Lake': Stella Surrege
  • 1936
    • Jane Eyre': Jane Eyre
  • 1939
    • The Philadelphia Story: Tracy Samantha Lord
  • 1942
    • Without Love: Jamie Coe Rowan
  • 1950
    • As You Like It: Rosalind
  • 1952
    • The Millionairess: Epifanía
  • 1957
    • The Merchant Of Venice: Portia
    • Much Ado About Nothing: Beatrice
  • 1960
    • Twelfth Night: Viola
    • Antony & Cleopatra: Cleopatra
  • 1969
    • Coco: Coco Chanel
  • 1976
    • A Matter Of Gravity: Mrs Basil
  • 1981
    • West Side Waltz Margaret: Mary Elderdice

Premios y nominaciones

Óscar
Año Categoría Película Resultado
1981 Mejor actriz On Golden Pond Ganadora
1968 Mejor actriz El león en invierno Ganadora1
1967 Mejor actriz Guess Who's Coming to Dinner Ganadora
1962 Mejor actriz Larga jornada hacia la noche Candidata
1959 Mejor actriz Suddenly, Last Summer Candidata
1956 Mejor actriz El farsante Candidata
1955 Mejor actriz Locuras de verano Candidata
1951 Mejor actriz La reina de África Candidata
1942 Mejor actriz La mujer del año Candidata
1940 Mejor actriz Historias de Filadelfia Candidata
1935 Mejor actriz Alice Adams Candidata
1933 Mejor actriz Gloria de un día Ganadora
Globos de Oro
Año Categoría Película Resultado
1952 Mejor actriz - Comedia o musical La impetuosa Candidata
1956 Mejor actriz - Drama El farsante Candidata
1959 Mejor actriz - Drama Suddenly, Last Summer Candidata
1962 Mejor actriz - Drama Larga jornada hacia la noche Candidata
1967 Mejor actriz - Drama Guess Who's Coming to Dinner Candidata
1968 Mejor actriz - Drama El león en invierno Candidata
1981 Mejor actriz - Drama On Golden Pond Candidata
1992 Mejor actriz - Miniserie o telefilme The man upstairs Candidata
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
1953 Mejor actriz La impetuosa Candidata
1956 Mejor actriz Locuras de verano Candidata
1958 Mejor actriz El farsante Candidata
1967 Mejor actriz Guess Who's Coming to Dinner Ganadora
1968 Mejor actriz El león en invierno Ganadora
1981 Mejor actriz On Golden Pond Ganadora
Festival Internacional de Cine de Venecia
Año Categoría Película Resultado
1934 Premio a la mejor actriz Mujercitas/Las cuatro hermanitas Ganadora
Festival Internacional de Cine de Cannes
Año Categoría Película Resultado
1962 Premio a la mejor actriz Larga jornada hacia la noche Ganadora
Festival de Montreal
Año Categoría Resultado
1984 Premio de Honor a toda una vida dedicada al cine Ganadora
Premios Tony
Año Categoría Obra Resultado
1969 Premio a la mejor actriz en musical Coco Candidata
1981 Premio a la mejor actriz dramática The West Wide Waltz Candidata
Premios Emmy
Año Categoría Película Resultado
1973 Premio a la mejor actriz El zoo de cristal Candidata
1975 Premio a la mejor actriz Love among the Ruins Ganadora
1979 Premio a la mejor actriz The corn is green Candidata
1986 Premio a la mejor actriz Miss Delafield quiere casarse Candidata
Premio de los Círculos de críticos de Chicago, Nueva York y Kansas
Año Categoría Película Resultado
1940 Premio a la mejor actriz (Chicago) Historias de Filadelfia Ganadora
1973 Premio a la mejor actriz (Kansas City) Las troyanas Ganadora
1981 Premio a la mejor actriz(Nueva York) On Golden Pond Ganadora
Premios Golden Laurel
Año Categoría Película Resultado
1960 Mejor actriz De repente, el último verano Candidata
1968 Mejor actriz El león en invierno Ganadora
Premios del Sindicato de Actores
Año Categoría Película Resultado
1994 Mejor actriz La última Navidad Candidata

Curiosidades

  • Jane Fonda, con la que intervino en En el estanque dorado, comentó en una entrevista, que le había preguntado a Miss Hepburn el porqué de su cabezonería al no ver sus tomas una vez filmadas, Hepburn contestó divertida, "Llegó un momento en que no me fijaba en la actuación, sino dónde estaba mi cuello o cómo estaba mi cara".
  • Cuando Hepburn se enteró del interés en hacer un biopic sobre su vida, apostó por Vanessa Redgrave para hacer de ella misma.
  • Glenn Close era la actriz teatral que menos le gustaba, de ella decía que "tenía unos enormes y gordos pies", Meryl Streep era su actriz menos querida de la pantalla. "Clic, clic, clic" decía Hepburn, en una clara parodia a la forma de actuar de Streep.
  • Mientras rodaba La reina de África, Hepburn, como el resto del equipo excepto Humphrey Bogart y John Huston que prácticamente sólo bebían alcohol, tuvo unos enormes dolores estomacales y náuseas. En la escena principal, cuando Hepburn toca el órgano en la iglesia y su hermano, el reverendo da el sermón, la actriz tuvo siempre un cubo cerca, para poder vomitar entre toma y toma. Era tal su palidez que el director de fotografía del film, Jack Cardiff, temió que su piel saliera verde.
  • Para el rodaje La gran aventura de Silvia, Hepburn tuvo que vestirse de hombre la mayoría del film, recibió muchas críticas por tener que besar a una mujer. Esto contribuyó a aumentar los rumores sobre su ambigüedad sexual.
  • Hepburn no tuvo grandes problemas de convivencia con Spencer Tracy en los casi 30 años de relación, aunque en su biografía apuntaba que éste le había pegado en una ocasión, sin que ella se lo recordara nunca.
  • Muchos empleados de hoteles pueden recordar a Hepburn adormilada ante la habitación de Tracy, esperando a que éste se levantara para ayudarle.
  • De Montgomery Clift dijo que estaba "como una regadera", por su extravagante comportamiento.
  • Judy Garland, fue ayudada en sus recaídas con las pastillas por Miss Hepburn.
  • De Spencer Tracy dijo que era "básico, como una patata asada".
  • De ella dijeron, entre otros, Frank Capra, "Hay mujeres y luego está Kate" o Spencer Tracy, "Kate tiene poca carne, pero la que tiene es de mucha calidad".
  • Hepburn fue nombrada la mejor actriz de la historia por varias revistas.
  • La revista Esquire, la incluyó entre las 50 personalidades más influyentes del siglo XX.
  • Era conocida como Katharine "la Arrogante" por su fuerte carácter. El nombre viene de Catalina de Aragón.
  • El día que Katharine Hepburn murió (

Bette Davis

Bette Davis - portrait.jpg

Nombre real Ruth Elizabeth Davis
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Massachusetts
5 de abril de 1908
Fallecimiento Bandera de Francia Neuilly-sur-Seine
6 de octubre de 1989 (81 años)
Ocupación Actriz
Familia
Pareja Harmon Nelson
(1932-1938; divorciados)
Arthur Farnsworth
(1940-1943; falleció)
William Grant Sherry
(1945-1950; divorciados)

Gary Merrill
(1950-1960; divorciados)
Hijo/s Barbara Sherry
Michael Merrill
Margot Merrill
Premios
Premios Óscar Mejor actriz
1935: Peligrosa
1938:
Jezabel
Globos de Oro Premio Cecil B. DeMille
1974: Trayectoria Profesional
Premios Emmy Mejor actriz - Miniserie o telefilme
1979: Strangers: Madre e hija
Festival de Cannes Mejor interpretación femenina
1952: Eva al desnudo
Festival Internacional de San Sebastián Premio Donostia
1989 Premio a la Trayectoria Profesional
Premios César César Honorífico
1986 • Premio a la Trayectoria Profesional
Otros premios Volpi Cup a la mejor actriz
1937: Marked Woman
1938: Kid Galahad
Sitio oficial
Ficha en IMDb

Ruth Elizabeth «Bette» Davis (Massachusetts, 5 de abril de 1908Neuilly-sur-Seine, 6 de octubre de 1989) fue una actriz estadounidense de cine, televisión y teatro. Destacada por su buena disposición para interpretar personajes antipáticos, era altamente estimada por sus actuaciones que abarcaban una amplia gama de géneros cinematográficos, desde melodramas a filmes históricos y ocasionalmente, comedias, aunque sus mayores éxitos ocurrieron en dramas románticos.

Después de aparecer en obras de teatro de Broadway,1 Davis se trasladó a Hollywood en 1930, pero sus primeros filmes para Universal Studios tuvieron poca aceptación.2 Se incorporó a Warner Bros. en 1932 y fortaleció su carrera con varias actuaciones aclamadas por la crítica. En 1937, intentó liberarse de su contrato y aunque perdió un procedimiento legal muy publicitado,3 dio inicio al período más exitoso de su carrera. Hasta finales de los años de 1940, fue una de las actrices del cine norteamericano más importantes,4 reconocida por su desenvolvimiento apasionado y decidido. Davis se ganó la reputación de ser una perfeccionista que podía ser muy combativa y a menudo, se hicieron públicos sus enfrentamientos con ejecutivos de los estudios, directores de cine y coprotagonistas.5 6 Su manera directa, su estilo vocal entrecortado y su cigarrillo ubicuo contribuyeron a forjar una imagen pública que a menudo fue imitada y satirizada.7

Davis fue cofundadora de la Cantina de Hollywood,8 y fue la primera mujer presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.9 Obtuvo el premio de la Academia como Mejor Actriz en dos ocasiones, fue la primera persona en alcanzar 10 nominaciones a los Oscar por sus actuaciones, y fue la primera mujer en recibir el premio a la Trayectoria del American Film Institute.10 Su carrera pasó por varios períodos de declive y catástrofes personales. Casada en cuatro ocasiones, viuda una vez y divorciada otras tres,11 crió a sus hijos prácticamente como madre soltera. Sus últimos años estuvieron marcados por un largo período de mala salud,12 pero continuó actuando hasta poco antes de su muerte por cáncer de mama, con más de 100 películas, ciclos televisivos y obras teatrales en su haber. En 1999, Davis fue seleccionada como la segunda mejor actriz de todos los tiempos en la lista del American Film Institute, solamente precedida por Katharine Hepburn.13

Biografía

Primeros años (1908-1929)

Ruth Elizabeth Davis, conocida desde su infancia como «Betty», nació en Lowell, Massachusetts, hija de Ruth Augusta «Ruthie» (16 septiembre, 1885 al 1 de julio, 1961 a los 75) (de soltera, Favor) y de Harlow Morrell Davis (9 d marzo, 1885 - 1 de enero, 1938 a los 52), un abogado de patentes,14 el 5 de abril de 1908. Su única hermana, Barbara «Bobby», nació el 25 de octubre de 1909.15 La familia era protestante, de ascendencia inglesa, francesa y galesa.16 11 En 1915, los padres de Davis se separaron y Betty y Bobby asistieron a un internado llamado Crestalban en Lanesborough, en las montañas Berkshires,17 hasta que en 1921, Ruth se trasladó a Nueva York con sus hijas, donde trabajó como fotógrafa retratista. Betty decidió convertirse en actriz luego de ver a Rodolfo Valentino en Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921) y a Mary Pickford en Little Lord Fauntleroy (1921),18 y decidió cambiar su apodo a «Bette» por el libro La prima Bette de Honoré de Balzac.19 Además, recibió el apoyo de su madre.1

A principios de la década de 1920, Davis asistió a la Cushing Academy, un internado en Ashburnham, Massachusetts, donde conoció a su futuro esposo, Harmon O. Nelson (conocido como «Ham»).1 En 1926, asistió a la representación de la obra El pato silvestre de Henrik Ibsen, con Blanche Yurka y Peg Entwistle. Según Davis recordó más adelante, esa obra le inspiró su pleno compromiso con su carrera elegida: «Antes de esa actuación, quería ser actriz. Después de la misma, tenía que ser una actriz [...] exactamente como Peg Entwistle».20

Realizó una audición para ser admitida en el Manhattan Civic Repertory de Eva Le Gallienne, pero fue rechazada por que LeGallienne consideró que tenía una actitud «poco sincera y frívola».21 Sin embargo, estudió danza con Martha Graham y fue aceptada en la escuela de teatro de John Murray Anderson, donde fue compañera de Lucille Ball.22 23

También participó en una audición para la compañía de teatro de George Cukor, y aunque no impresionó al director, obtuvo su primer papel remunerado durante una estadía de una semana como una de las chicas del coro en la obra Broadway.24 Luego, fue elegida para representar a Hedwig, el personaje que Davis había visto interpretar a Entwistle, en El pato silvestre.25 Tras actuar en Filadelfia, Washington y Boston, debutó en Broadway en 1929 en Broken Dishes,1 2 y continuó con Solid South. Un buscador de talentos de Universal Studios vio su actuación y la invitó a Hollywood para realizar una prueba de cámara.26

Comienzos en Hollywood (1930-1936)

Películas iniciales

Davis y su madre viajaron en tren a Hollywood, llegando el 13 de diciembre de 1930.27 Más tarde, recordó que le había sorprendido el hecho de que nadie del estudio hubiese ido a recogerla a la estación; en realidad, un empleado del estudio sí había ido, pero se fue porque no vio a nadie que «pareciese una actriz».28 Davis no pasó su primera prueba de cámara, pero participó en muchas otras pruebas dando la réplica a otros actores. En una entrevista de 1971 con Dick Cavett, relató la experiencia: «Yo era la más yanqui del este, la virgen más modesta que haya pisado la tierra. Me pusieron en un sofá, y ensayé con quince hombres... Todos ellos tenían que echarse sobre mí y darme un beso apasionado. ¡Oh! pensé que iba a morir. Sólo pensaba que iba a morir».29 Se le dispuso una segunda prueba para la película La casa de la discordia (1931) donde, apresuradamente vestida con un traje de escote bajo mal ajustado, fue rechazada por el director William Wyler, quien comentó en voz alta al equipo reunido: «¿Qué piensan ustedes de estas damas que, mostrando sus pechos, creen que pueden conseguir un trabajo?».30 31 Carl Laemmle, jefe de Universal Studios, consideró poner fin al empleo de Davis, pero el director de fotografía Karl Freund le dijo que tenía unos «ojos encantadores» y sería adecuada para Mala hermana (1931), filme con el que debutó en el mundo del cine.32 El nerviosismo de Davis se agravó cuando escuchó al jefe de producción, Carl Laemmle Jr., comentar a otro ejecutivo que «tenía casi el mismo atractivo sexual (sex appeal) que Slim Summerville», una de las coestrellas de la película.33 El filme no tuvo éxito, y su siguiente papel en Semilla (1931) fue demasiado breve como para llamar la atención.34 35

Universal Studios renovó su contrato por tres meses y Davis apareció en un pequeño papel en El puente de Waterloo (1931) antes de ser cedida a Columbia Pictures para La amenaza y a Capital Films para La casa del infierno (ambas rodadas en 1932).36 37 Después de nueve meses y seis películas sin éxito, Laemmle decidió no renovar su contrato aunque George Arliss eligió a Davis para el papel principal femenino de La oculta providencia (1932). Durante el resto de su vida, Davis atribuyó a Arliss su consolidación artística en Hollywood.38 The Saturday Evening Post escribió que «no sólo es hermosa, sino que bulle de encanto», y la comparó con Constance Bennett y Olive Borden,39 poco antes de que Warner Bros. firmara con ella un contrato por siete años.40

En 1932, se casó con Harmon «Ham» Nelson,41 que fue criticado por la prensa; sus ganancias semanales de 100 USD eran comparadas desfavorablemente con los ingresos semanales de 1000 USD de Davis. Davis tocó el tema en una entrevista, señalando que muchas esposas de Hollywood ganaban más dinero que sus maridos, pero la situación fue difícil para Nelson, quien se negó a permitir que Davis comprara una casa hasta que pudiera darse el lujo de pagarla por sí mismo.42 Davis tuvo varios abortos espontáneos durante su matrimonio.43

Consagración artística

 

Después de más de 20 papeles en cine, el rol de la viciosa y desaliñada Mildred Rogers en la producción de RKO Radio Pictures, Cautivo del deseo (1934), una adaptación cinematográfica de la novela de W. Somerset Maugham, le dio a Davis su primera gran aclamación por parte de la crítica.44 Muchas actrices temían interpretar personajes antipáticos y varias habían rechazado el papel, pero Davis lo vio como una oportunidad para demostrar la gama de sus habilidades interpretativas.45 46 Su compañero de reparto, Leslie Howard, fue inicialmente despectivo con Davis, pero a medida que avanzó el rodaje, su actitud fue cambiando y posteriormente habló muy bien de ella.47 El director, John Cromwell, le dio una «relativa» libertad y comentó: «Dejé que Bette fuera su propia guía. Confié en sus instintos». Davis insistió en que fuera expuesta de manera realista en la escena de su muerte, aclarando que «las últimas escenas de tuberculosis, pobreza y abandono no son bonitas e intenté ofrecer una imagen convincente».48

La película fue un éxito y la caracterización a cargo de Davis ganó los elogios de la crítica. De hecho, la revista Life publicó que su actuación «fue probablemente la mejor jamás registrada en la pantalla por una actriz de EEUU».49 Davis pensó que la recepción que tuvo su caracterización animaría a Warner Bros. a darle papeles más importantes. Sin embargo, se sintió decepcionada cuando Jack Warner se negó a cederla a los estudios Columbia para aparecer en Sucedió una noche y, en su lugar, debió participar en el melodrama Ama de casa.50 Cuando no fue nominada para los premios de la Academia por Cautivo del deseo, The Hollywood Citizen News cuestionó el hecho y la también candidata Norma Shearer inició una campaña para que Davis fuera nominada. Esto llevó a que el presidente de la Academia, Howard Estabrook, pronunciara un discurso diciendo que bajo las circunstancias «cualquier votante... puede escribir en la votación su opción personal para los ganadores», lo que permitió, por esta sola ocasión en la historia de la Academia, la consideración de un candidato oficialmente no nominado para un premio.51 Claudette Colbert ganó el premio por Sucedió una noche, pero el escándalo provocó que se llevara a cabo un cambio en los procedimientos de votación de la Academia al año siguiente. Las nominaciones pasaron a ser decididas por los miembros de la Academia de cada especialidad en lugar de por un pequeño comité,52 y los resultados fueron controlados de forma independiente por la empresa auditora Price Waterhouse.53

En 1935, Davis apareció en Peligrosa recreando a una actriz perturbada y recibió muy buenas críticas. E. Arnot Robertson escribió en Picture Post: «Creo que Bette Davis probablemente hubiera sido quemada por brujería si hubiera vivido hace doscientos o trescientos años atrás. Me da la curiosa sensación de que está cargada de un poder que no puede encontrar una salida común».2 The New York Times escribió que estaba «convirtiéndose en una de nuestras actrices de cine más interesantes».4 Davis ganó el premio de la Academia a la Mejor Actriz por el papel, pero comentó que era un reconocimiento tardío por Cautivo del deseo, calificando a su galardón como un «premio de consolación».54 Por el resto de su vida, sostuvo que fue ella misma quien le dio el nombre de «Oscar» a la estatuilla cuando dijo que la parte posterior del galardón se parecía al trasero de su marido, cuyo segundo nombre era Oscar,55 56 aunque su afirmación fue puesta en duda por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, entre otros. La versión más fiable es la de Margaret Herrick, bibliotecaria de la Academia, que habría bautizado a la estatuilla como Oscar luego de apreciar un parecido con su tío del mismo nombre.57 En su siguiente película, El bosque petrificado (1936), Davis compartió cartel con Leslie Howard y Humphrey Bogart, quien recibió la mayor parte de los elogios de la crítica al ser su primer papel importante.58 59

Problemas legales

Convencida de que su carrera estaba siendo perjudicada por una serie de películas mediocres,2 Davis aceptó en 1936 una oferta para aparecer en dos películas en Londres.44 Consciente de que estaba inclumpliendo su contrato con Warner Bros., huyó a Canadá para evitar que le entregasen citaciones judiciales. Finalmente, llevó el caso ante los tribunales del Reino Unido, con la esperanza de librarse de su contrato con Warner Bros.3 Más tarde, Davis recordaría el alegato inicial del abogado Sir Patrick Hastings, quien representaba a Warner Bros;60 Hastings instó al tribunal a «llegar a la conclusión de que Davis es más bien una dama joven y astuta cuyo único propósito es el de conseguir más dinero».60 El letrado se burló de la descripción que Davis había hecho del contrato como «esclavitud» al afirmar,44 erróneamente, que los pagos consistían de 1350 USD semanales; y añadió: «Si alguien quiere someterme a perpetua servidumbre sobre la base de dicha remuneración, me comprometo a tomarlo en consideración».61 La prensa británica ofreció poco apoyo a Davis y la calificó como «sobrepagada» e «ingrata».62

Davis explicó su punto de vista a un periodista, diciendo: «Supe que, si seguía apareciendo en filmes mediocres, no tendría nunca una carrera por la que valiera la pena luchar».63 El abogado de Davis presentó sus denuncias: que la actriz podía ser suspendida sin sueldo por negarse a trabajar, sumándose el período de suspensión a la duración de su contrato; ser llamada a desempeñar cualquier papel dentro de sus capacidades independientemente de sus creencias personales; ser requerida para apoyar un partido político en contra de sus creencias; y que su imagen se podía exhibir de cualquier manera que el estudio considerara pertinente.64 Jack Warner testificó, y se le preguntó: «Cualquier papel que usted elija para que interprete... sin importar si es desagradable o humillante ¿tiene que interpretarlo?», a lo que Warner respondió: «Sí, debe interpretarlo».65 El caso fue resuelto por Branson J. en el Tribunal Superior Inglés en contra de Davis, y regresó a Hollywood,66 endeudada y sin ingresos, para reanudar su carrera. La actriz estadounidense Olivia de Havilland inició un caso similar contra la Warner en 1943 y lo ganó.64

El éxito con Warner Bros. (1937-1941)

Davis comenzó a trabajar en La mujer marcada (1937), un drama de cine negro inspirado en el caso de Lucky Luciano, recreando a una prostituta.67 Por su actuación en la película, fue galardonada con la Copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia de 1937.68 Durante la producción de su siguiente filme, Jezabel (1938), Davis inició una relación con el director William Wyler. Más tarde, lo describió como «el amor de mi vida», y dijo que hacer la película con él fue «el momento de mi vida de mayor felicidad».69 La película fue un éxito, y la actuación de Davis como una belleza sureña consentida le valió su segundo premio de la Academia, lo que llevó a la especulación dentro de la prensa de que podría ser elegida para interpretar un personaje similar, el de Scarlett O'Hara, en Lo que el viento se llevó. Davis manifestó su deseo de interpretar a Scarlett70 y mientras David O. Selznick estaba llevando a cabo la búsqueda de la actriz que interpretaría el papel, una votación radiofónica la nombró como la favorita del público.71 Warner ofreció sus servicios a Selznick como parte de un acuerdo que también incluía a Errol Flynn y Olivia de Havilland, pero Selznick no consideró adecuada a Davis y rechazó la oferta.72

Jezabel marcó el inicio de la etapa más exitosa de su carrera73 y durante los siguientes años fue incluida en la encuesta anual de Quigley sobre las estrellas que han generado más ingresos en sus teatros respecto al año anterior, compilada a partir de los votos de los exhibidores de cine a lo largo de EE.UU.74 En contraposición con el éxito de Davis, su esposo Nelson Ham no había logrado establecer una carrera por sí mismo y la relación de ambos comenzó a tambalear. En 1938, Nelson obtuvo pruebas de que Davis estaba involucrada en una relación sexual con el empresario multimillonario Howard Hughes y solicitó el divorcio.75

La actriz tuvo altibajos emocionales durante el rodaje de su siguiente película Amarga victoria (1939) y consideró abandonar el proyecto hasta que el productor Hal B. Wallis la convenció para canalizar su desesperación en su actuación.76 El filme se convirtió en uno de los más taquilleros del año y el papel de Judith Traherne le valió una nominación al Oscar.77 Años más tarde, Davis resaltó esta actuación como su favorita.78 Ese mismo año apareció en otros tres éxitos de taquilla, La solterona con Miriam Hopkins, Juárez con Paul Muni y La vida privada de Elizabeth y Essex con Errol Flynn. Esta última no sólo fue su primera película en color, sino también la única de este tipo que rodaría en el apogeo de su carrera. Para recrear los últimos años de Isabel I de Inglaterra, Davis se afeitó la línea del cabello y las cejas.79 Durante el rodaje fue visitada en el set por el actor Charles Laughton al que Davis comentó el valor que estaba teniendo al interpretar a una mujer de unos sesenta años, a lo que Laughton respondió: «Nunca tengas miedo de atreverte a salir de ti misma. Es la única manera de crecer en tu profesión. Debes intentar cosas que estén más allá de ti o te estancarás en una rutina interminable». Recordando el episodio muchos años después, Davis comentó que el consejo de Laughton le había influenciado a lo largo de su carrera.8

En ese momento Davis era la estrella más rentable de Warner Bros y se le otorgaban los más importantes papeles protagonistas femeninos, a tal punto que comenzó a ser llamada «el quinto hermano Warner».81 Su imagen fue tratada con más cuidado y a pesar de que continuó interpretando papeles de carácter, a menudo fue filmada con primeros planos que resaltaban sus característicos ojos. El cielo y tú (1940) fue el mayor éxito comercial de ese período de su carrera,82 mientras que La carta (1940) fue considerada «una de las mejores películas del año» por The Hollywood Reporter.83 Davis era admirada por su papel de una asesina adúltera, rol que la actriz Katharine Cornell interpretaba en Broadway originalmente.84 Durante este tiempo, mantuvo una relación con su antiguo compañero de reparto George Brent,11 quien le propuso matrimonio. Davis rehusó, ya que había conocido a Arthur Farnsworth, un posadero de Nueva Inglaterra, con quien se casó en Lake Montezuma, Arizona, en diciembre de 1940.11 85

En enero de 1941, Davis se convirtió en la primera mujer en ocupar el cargo de presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas,9 pero contrarió a los miembros del comité con su actitud insolente y propuestas radicales. Ante el rechazo y la resistencia del comité, Davis renunció y fue sustituida por Walter Wanger,86 que implementó los cambios que ella había sugerido.87 Davis protagonizó tres películas en 1941, una de las cuales fue La gran mentira. El protagonista masculino, George Brent, le hizo cosquillas a Davis en muchas de las escenas de la película, lo que permitió que el público, acostumbrado a la fuerza de carácter de sus personajes, presenciara fragmentos poco comunes de una Davis que se retorcía de risa.88 William Wyler dirigió a Davis por tercera vez en La loba (de RKO, 1941) de Lillian Hellman, pero ambos se enfrentaron por el personaje de Regina Giddens. Tratándose de un papel originalmente interpretado en los escenarios por Tallulah Bankhead, Davis quería guiarse por su interpretación pero Wyler manifestó su opinión de suavizar el personaje. Davis rehusó a llegar a un acuerdo y, si bien recibió otra nominación para el Oscar, nunca más volvió a trabajar con Wyler.89

Esfuerzo de guerra y tragedia personal (1942-1944)

Después del ataque a Pearl Harbor, Davis pasó los primeros meses de 1942 vendiendo bonos de guerra.90 Se enfureció con Jack Warner luego de que este criticara su tendencia a engatusar a las personas y sintiera que Davis estaba llevando su imagen demasiado lejos.91 Sin embargo, la actriz continuó con sus propios métodos e incluso visitó fábricas en Oklahoma donde arengó a una multitud a contribuir materialmente como parte de los esfuerzos necesarios para colaborar en la guerra.91 Recaudó dos millones USD en bonos en apenas dos días, así como también 250.000 USD por una imagen de sí misma en Jezabel.91 También formó parte de regimientos integrados por personas de color (Davis era la única integrante blanca) en un grupo actoral formado por Hattie McDaniel, que incluía a Lena Horne y Ethel Waters.92

Ante la sugerencia de John Garfield de abrir un club para militares en Hollywood, Davis (con la ayuda de Warner, Cary Grant y Jule Styne), transformó un antiguo club nocturno en la Cantina de Hollywood, que se inauguró el 3 de octubre de 1942.8 Las estrellas más importantes de Hollywood ofrecieron llevar a cabo servicios de animación a los militares. Davis aseguró que todas las noches habría unas cuantas figuras «importantes» para los soldados que llegaran,93 y apareció como sí misma en la película La Cantina de Hollywood (1944), que utilizó el local como escenario de rodaje para una historia de ficción.94 Davis comentó más adelante: «Hay pocos logros en mi vida de los que estoy sinceramente orgullosa. La Cantina de Hollywood es uno de ellos». En 1980, sería galardonada con la Medalla al Servicio Civil del Ejército, uno de los más altos galardones civiles entregados por el Departamento de Defensa de Estados Unidos, por su desempeño en la Cantina de Hollywood.40

Una de las escenas más imitadas del drama romántico La extraña pasajera (1942) es en la que Paul Henreid enciende dos cigarrillos mientras mira fijamente los ojos de Davis y le pasa uno a ella.95 Críticos de cine elogiaron a Davis en su actuación y el National Board of Review comentó que le dio a la película «una dignidad que no estaba plenamente garantizada por el guion».96 En la película, Claude Rains actuó como su coestrella. Davis actuó con él en tres películas más y confesó en sus memorias que fue su partenaire favorito.97 La extraña pasajera ocupa el puesto 23 de las mejores películas románticas de todos los tiempos según la lista del American Film Institute.98

Durante principios de la década de 1940, muchas de las opciones cinematográficas de Davis estuvieron influenciadas por la temática de la guerra, como Vigilancia en el Rhin (1943), de Lillian Hellman, y Adorables estrellas (1943), una alegre cabalgata musical donde cada una de las estrellas más destacadas donaron sus honorarios a la Cantina de Hollywood.99 En esta película, Davis interpretó una canción novedosa: «They're Either Too Young or Too Old», que se convirtió en un éxito después del estreno de la película.100 En Vieja amistad (1943) volvió a trabajar con Miriam Hopkins en una historia sobre dos viejas amigas que lidian con los conflictos originados cuando una de ellas se convierte en una novelista exitosa.101 La actriz sintió que Hopkins intentó opacarla a lo largo de la película y102 posteriormente el director Vincent Sherman recordó la intensa competitividad y la animosidad entre las dos actrices. Davis solía bromear diciendo que no se contuvo nada en una escena en la que debía sacudir a Hopkins en un ataque de ira.6

En agosto de 1943, el esposo de Davis, Arthur Farnsworth, se desvaneció inesperadamente mientras caminaba por una calle de Hollywood y murió dos días después.85 Una autopsia reveló que su caída fue causada por una fractura de cráneo que había sufrido dos semanas antes.103 Davis declaró ante una investigación que no sabía cuál podría haber sido la causa de su lesión y se llegó a la conclusión de que fue una muerte accidental.85 Muy angustiada, Davis se tomó una semana de luto pero luego insistió en regresar para rodar El señor Skeffington (1944).104 Sin embargo, desde el primer día de rodaje tuvo serios enfrentamientos con el director Vincent Sherman.104 Davis explicó más tarde que su modo de actuar era errático y fuera de lo común debido a su catástrofe personal con la siguiente observación: «Cuando más infeliz era, atacaba en lugar de lamentarme».105 Algunos críticos examinaron a Davis, entre ellos James Agee, quien escribió que «demuestra los horrores del egocentrismo en una escala maratónica».106 A pesar de las críticas desiguales, recibió otra nominación a los premios de la Academia.103

Reveses profesionales (1945-1949)

 

En 1945 Davis se casó con el artista William Grant Sherry, que ocasionalmente trabajaba como masajista.107 Se sintió atraída por él cuando supo que Sherry nunca había oído hablar de ella y, por lo tanto, no se sintió intimidado.108 Ese mismo año rechazó el papel principal de Alma en suplicio (1945)109 por el que Joan Crawford ganó un premio de la Academia y en su lugar participó en El trigo está verde (1945), basada en una obra de Emlyn Williams.110 Davis interpretó a la señorita Moffat, una profesora de inglés que salva a un joven minero galés (John Dall) de vivir confinado en las minas de carbón y le ofrece educación.111 La obra había sido estrenada en teatro por Ethel Barrymore,112 pero Warner Bros. consideró que la versión cinematográfica debía contar con una mujer joven en el personaje femenino principal así que eligieron a Davis, aunque no estuvo de acuerdo e insistió en hacer el papel tal como estaba escrito portando una peluca gris y relleno debajo de sus ropas, para crear una apariencia desaliñada.113 112 La película fue bien recibida por la crítica y obtuvo unas ganancias de 2,2 millones USD.114 El crítico E. Arnot Robinson observó que «sólo Bette Davis... podría haber luchado con éxito contra la intención evidente de los adaptadores de la obra, interesados en hacer del sexo frustrado el motivo principal de interés del personaje principal con el joven minero».112 Llegó a la conclusión de que «la interpretación sutil que Davis insistió en dar» mantiene el enfoque en «la alegría que sintió la profesora al transferir sus conocimientos».115

Su siguiente película, Una vida robada (1946), fue la primera y única que Davis hizo con su propia compañía de producción, BD Productions.116 Ahí, jugó dos papeles, las gemelas Kate y Patricia Bosworth.117 La película recibió malas críticas y fue descrita por Bosley Crowther como «una pieza inquietantemente vacía»,118 pero, con una ganancia de 2,5 millones USD, fue uno de sus más grandes éxitos de taquilla.119 La primera película de Davis que fracasó financieramente en este período fue Engaño (1946).120

El amor que mata (1947) se había organizado a los gustos de Davis121 e iba a ser su próximo proyecto después de Engaño. Sin embargo, Davis estaba embarazada y recibió una baja por maternidad,122 siendo remplazada por Joan Crawford, quien fue nominada para un premio de la Academia como Mejor Actriz. En 1947, a la edad de 39 años, Davis dio a luz a una niña, Barbara Davis Sherry (conocida como BD) y más tarde escribió en sus memorias que se sintió absorbida por la maternidad y consideró poner fin a su carrera, a la vez que su relación con Sherry comenzaba a deteriorarse. Continuó haciendo películas, aunque su popularidad entre el público fue disminuyendo constantemente.123

Entre los papeles ofrecidos a Davis para su retorno a la actividad, se encontraba el de Rose Sayer en La reina de África (filmada posteriormente en 1951). Cuando se le informó que la película iba a ser efectuada en África, Davis rechazó el papel y Katharine Hepburn fue contratada para el mismo124 y finalmente obtuvo un premio de la Academia por su labor. Davis también recibió la propuesta de interpretar un papel en una versión cinematográfica del drama Women Without Men, de Virginia Kellogg. Previsto originalmente para asociarla con Joan Crawford, Davis dejó en claro que no iba a aparecer en cualquier «filme de tortilleras».125 Fue filmada bajo el título de Sin remisión (1950), y los papeles principales fueron interpretados por Eleanor Parker y Agnes Moorehead.126 Davis presionó a Jack Warner para hacer dos películas, una sobre la novela Ethan Frome y otra sobre la biografía de Mary Todd Lincoln, pero cada una de las propuestas fue vetada.127

En 1948, Davis fue elegida para el melodrama Reunión de invierno, con el joven Jim Davis. A pesar de que inicialmente estaba entusiasmada,128 pronto supo que Warner había dispuesto una iluminación «mas suave» para disimular su edad. Recordó que había visto «la misma técnica de iluminación en los sets de Ruth Chatterton y Kay Francis, y sabía lo que eso suponía».129 Comenzó a arrepentirse de haber aceptado el papel, y, como añadidura a su desilusión, no confiaba en las habilidades de su protagonista, Jim Davis, quien comenzaba una carrera actoral.130 Tampoco estuvo de acuerdo con las modificaciones introducidas al guion debido a restricciones de censura y descubrió que muchos de los aspectos de su papel que la habían atraído inicialmente, habían sido quitados.130 La película fue descrita por Bosley Crowther como «interminable», y señaló que «de todos los dilemas miserables en los que la señorita Davis intervino... este es probablemente el peor».131 El filme fracasó rotundamente, y el estudio perdió casi un millón USD.132

Mientras rodaba el papel protagonista de La novia de junio (1948), Davis se enfrentó con su coestrella Robert Montgomery y lo describió como «un Miriam Hopkins masculino... un excelente actor, pero adicto al robo de escenas».133 La película fue una de sus pocas comedias y le valió algunas críticas positivas, pero no fue especialmente popular entre el público y recaudó sólo una pequeña ganancia.134 A pesar del poco éxito de sus películas más recientes, en 1949, negoció un contrato de cuatro películas con Warner Bros., que le pagó 10.285 USD por semana y la convirtió en la mujer mejor pagada en los Estados Unidos.134 135 En 1947, la Tesorería de Estados Unidos la había nombrado la mujer con mejores ingresos del país.136

Davis odiaba el guion de Más allá del bosque (1949) y le había pedido a Warner rearmar el papel, pero este se negó a permitir la aprobación de los cambios sugeridos e inició el rodaje de todas formas.137 Después de que la película fuera finalizada, Warner liberó a Davis de su contrato a petición suya,138 y los comentarios que surgieron fueron mordaces. Dorothy Manners de The Angeles Examiner calificó a la película como «un final desafortunado para su brillante carrera»,139 mientras que Hedda Hopper escribió: «Si Bette pretende destruir su carrera deliberadamente, no pudo encontrar un método más apropiado que este».140 En la película, figuraba la frase: «¡Qué basura!», que fue estrechamente relacionada con Davis después de que se hiciera una referencia en ¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee. De hecho, imitadores comenzaron a usarla en sus actos y años después, Davis solió pronunciarla como frase de apertura en muchas de sus presentaciones ante el público.11

Inicio de una carrera independiente (1949-1960)

 

Para 1949 Davis y Sherry estaban distanciados y los columnistas de Hollywood anticipaban que su carrera había llegado a su fin. Al momento en que filmó La historia de un divorcio (lanzada por RKO Radio Pictures en 1951 como La egoísta), no había recibido otras ofertas laborales.141 142 Poco antes de que la filmación fuera completada, el productor Darryl F. Zanuck le ofreció el papel de una actriz teatral ya entrada en años, Margo Channing, en All About Eve (1950).141 Claudette Colbert, la actriz elegida inicialmente, se había lesionado gravemente la espalda y no pudo continuar.143 Davis tras leer el libreto, lo describió como el mejor que había leído en su vida y aceptó el papel.144 En pocos días, se unió al elenco y comenzó a filmar en San Francisco.142 Durante la producción, forjó una gran amistad con su compañera de reparto, Anne Baxter, y una relación romántica con su protagonista, Gary Merrill, con el que contrajo matrimonio en cuartas nupcias.145 Joseph L. Mankiewicz, quien dirigió la producción, comentó que estuvo «perfecta» y fue «el sueño del director: la actriz dispuesta».146

Los críticos respondieron positivamente a la caracterización de Davis y varias de sus frases se hicieron ampliamente conocidas, en particular: «Abróchense sus cinturones, va a ser una noche movida».147 148 Fue nominada nuevamente al Oscar y críticos como Gene Ringgold describieron su interpretación como «la mejor actuación de todos los tiempos».149 Pauline Kael escribió que gran parte de la visión de Mankiewicz sobre el teatro era «un disparate», pero elogió a Davis, escribiendo que «[la película] es salvada por una actuación verdaderamente real: Bette Davis está en lo más instintivo y asegurado. La actriz, vanidosa, asustada, una mujer que va demasiado lejos en sus reacciones y emociones, hace que todo cobre vida».150 Davis ganó el premio a la Mejor Actriz, otorgado en el Festival de Cine de Cannes y por el New York Film Critics Circle.147 También recibió el premio a la Mejor Actriz del San Francisco Film Critics Circle (que la había nombrado como la Peor Actriz de 1949 por Beyond the Forest).151 152 Durante este tiempo, fue invitada a dejar las huellas de sus manos en la parte exterior del Grauman's Chinese Theatre.153

El 3 de julio de 1950 se concretó su divorcio con William Sherry y el 28 de julio siguiente se casó con Gary Merrill.154 Bajo el consentimiento de Sherry, Merrill adoptó a BD, la hija de Davis,155 y en el mismo año el matrimonio adoptó a una niña a la que llamaron Margot.154 La familia viajó a Inglaterra donde Davis y Merrill protagonizaron una película de asesinato y misterio: Veneno para tus labios (1951).154 Cuando el filme recibió críticas poco entusiastas y fracasó en la taquilla,156 columnistas de Hollywood escribieron que el retorno de Davis había sido frustrado, y una nominación a los premios de la Academia por La estrella (1952) no logró detener su declive.

Davis y Merrill adoptaron un niño en 1952 llamado Michael,154 y más tarde Davis apareció en una revista de Broadway, Two's Company, dirigida por Jules Dassin, pero admitió sentirse incómoda por trabajar fuera de su área de experiencia, ya que nunca había hecho una actuación musical y su última experiencia teatral se remontaba 20 años atrás.157 También estuvo gravemente enferma y fue operada de osteomielitis de la mandíbula.158 Su hija Margot fue diagnosticada con un grave daño cerebral debido a una lesión sufrida poco después de su nacimiento y fue ingresada finalmente en una institución.159 Davis y Merrill comenzaron a discutir con frecuencia; su hija BD recordó posteriormente los episodios de alcoholismo y violencia doméstica.160

Pocas de las películas de Davis en la década de 1950 tuvieron éxito y muchas de sus actuaciones fueron reprobadas por los críticos. The Hollywood Reporter escribió sobre peculiaridades «que usted esperaría encontrar en una imitación de [Davis] en un club nocturno»,161 mientras que el crítico londinense Richard Winninger, escribió: «La señorita Davis, sin decir más que la mayoría de las estrellas en cuanto a las películas que hace, parece haber caído en el egoísmo. El criterio para su elección de películas parece ser que nada debe competir con el completo despliegue de cada faceta de su arte. Solo las películas malas son lo suficientemente buenas para ella».162 Sus filmes de este período incluyen The Virgin Queen (1955), Storm Center (1956) y Banquete de bodas (1956). A medida que su carrera fue declinando, su matrimonio siguió deteriorándose hasta que Davis solicitó el divorcio en 1960, un año antes de que su madre muriera.163 164 En ese tiempo apareció en la televisión en tres episodios de Caravana, una popular producción de la NBC con personajes diferentes en cada una de las emisiones en 1959 y 1961.165

Éxito renovado (1961-1970)

 

En 1961, Davis intervino en la producción de Broadway, La noche de la iguana, cuyas críticas fueron en su mayoría mediocres, y abandonó la obra después de cuatro meses, debido a una «enfermedad crónica».166 Luego actuó junto a Glenn Ford y Ann-Margret en la película de Frank Capra Un gángster para un milagro (1961) (una adaptación de la película de Capra de 1933, Dama por un día),167 basada en una historia de Damon Runyon. Davis aceptó trabajar en la película de terror de Grand Guignol, ¿Qué fue de Baby Jane? (1962) y, según Variety, «los resultados en gran medida favorecieron a Davis (y ella se lleva el crédito)».168 La película se convirtió en uno de los mayores sucesos del año.169

Davis y Joan Crawford interpretaron a dos hermanas actrices entradas en años, forzadas por las circunstancias a compartir una decadente mansión en Hollywood.170 El director, Robert Aldrich, explicó que Davis y Crawford fueron cada una conscientes de lo importante que era la película en sus respectivas carreras y comentó: «Es apropiado decir que realmente se detestaban entre sí, pero se comportaron perfectamente».5 Después de que fuera acabada la película, las declaraciones públicas de una contra otra provocaron que se forjara una tensión adecuada para que se convirtiera en una enemistad de por vida. Cuando Davis fue nominada para un premio de la Academia, Crawford se puso en contacto con las otras actrices nominadas en el mismo rubro que no podían asistir a la ceremonia y se ofreció a aceptar el premio de cualquiera de ellas en caso de que ganaran.171 Sobre Crawford, Davis dijo: «Ha dormido con todas las estrellas de la Metro, menos con la perra Lassie» y, paralelamente, «No la orinaría ni aunque estuviese ardiendo en llamas».172 A la muerte de Crawford, en 1977, manifestó: «Uno nunca debe decir cosas malas sobre los muertos, solo se deben decir cosas buenas: Joan Crawford está muerta, ¡qué bien!».172 Davis también recibió su única nominación a los premios BAFTA por esta actuación junto a Crawford.10 Su hija, BD, desempeñó un pequeño papel en la película y cuando ambas visitaron el Festival de Cine de Cannes para promocionarla, BD conoció a Jeremy Hyman, un ejecutivo de Seven Productions Arts. Después de un corto noviazgo, Hyman se casó a la edad de 16 años, con permiso de Davis.173

A principios de 1963, mientras Raymond Burr se estaba recuperando de una cirugía, Davis fue la estrella invitada en el primero de los cuatro episodios de Perry Mason, con Burr haciendo sólo papeles de cameo. Interpretó a una abogada recientemente viuda que defendía a Cal Leonard, acusado de asesinar a su primo en The Case of Constant Doyle.174

En septiembre de 1962, Davis puso un aviso en la revista Variety que decía: «Madre de tres hijos. Divorciada. Americana. 30 años de experiencia como actriz de cine. Capaz aún de moverse; más amable de lo que dicen los chismes. Se ofrece para trabajo en Hollywood (ya estuvo en Broadway)».175 Posteriomente, Davis dijo que lo publicó con intención de broma.176 Su propia víctima (1964) fue un drama en el que interpretó a dos hermanas gemelas y ¿Adonde fue el amor? (1964) estuvo basado en una novela romántica de Harold Robbins. Davis interpretaba a la madre de Susan Hayward pero el rodaje se vio obstaculizado por las tensas discusiones entre Davis y la mencionada Hayward.177 Canción de cuna para un cadáver (1964) fue una continuación de Robert Aldrich de ¿Qué fue de Baby Jane?, en la que tenía prevista reunir a Davis y Crawford, pero esta última se retiró supuestamente debido a una enfermedad poco después de empezar el rodaje y fue reemplazada por Olivia de Havilland.178 La película fue un gran éxito y renovó la popularidad de su elenco, también integrado por Joseph Cotten, Mary Astor y Agnes Moorehead.178 Al año siguiente, Davis fue elegida para ser protagonista de una sitcom de Aaron Spelling, The Decorator.179 Si bien se filmó un episodio piloto, nunca salió al aire y el proyecto fue dado por terminado.180 181 A finales de la década, apareció en las películas británicas A merced del odio (1965), El aniversario (1968) y Connecting Rooms (1970), pero su carrera se estancó de nuevo.

Última etapa de su carrera (1971-1983)

A principios de 1970, Davis fue invitada a viajar a Nueva York para la puesta en escena de Great Ladies of the American Cinema. Durante cinco noches consecutivas, diferentes estrellas femeninas debatieron sobre su carrera y respondieron las preguntas del público: Myrna Loy, Rosalind Russell, Lana Turner, Sylvia Sidney y Joan Crawford fueron las otras participantes. Davis tuvo una buena recepción y fue invitada a realizar una gira por Australia con Bette Davis in Person and on Film, similar al anterior, y su éxito le permitió llevar la producción a Reino Unido.182

En 1972, interpretó el papel protagonista en dos películas para televisión, cada una pensada como pilotos para una serie de la NBC: Madame Sin, con Robert Wagner,183 y The Judge and Jake Wyler, con Joan Van Ark. A pesar de que fueron estrenadas, la cadena de televisión decidió no producir las series en ambos casos.184 Apareció en la producción teatral Miss Moffat, una adaptación musical de la película El trigo está verde, pero después de que fuera reprobada por críticos de Filadelfia, Davis alegó una lesión en la espalda y abandonó el espectáculo, que finalizó inmediatamente.185 186 Interpretó papeles secundarios en Pesadilla diabólica (1976) y La desaparición de Aimee (1976), pero se enfrentó con Karen Black y Faye Dunaway, las estrellas de las dos respectivas producciones, porque sintió que no le dirigieron el respeto apropiado y que sus comportamientos en los sets de filmación no fueron profesionales.187

En 1977, Davis se convirtió en la primera mujer en recibir el premio a la Trayectoria del American Film Institute.188 El evento televisado incluyó comentarios de varios de sus colegas, tales como William Wyler, Jane Fonda, Henry Fonda, Natalie Wood y Olivia de Havilland, quien comentó que Davis «consiguió los papeles que yo siempre he querido».189 Después de la transmisión, recibió varias ofertas de trabajo, pero aceptó interpretar los papeles de la miniserie de televisión The Dark Secret of Home Harvest (1978) y la película Muerte en el Nilo (1978), basada en la obra de asesinato y misterio de Agatha Christie.190 La mayor parte de su obra restante fue para la televisión. Davis obtuvo un premio Emmy por Strangers: Madre e hija (1979), con Gena Rowlands, y fue nominada por sus actuaciones en White Mama (1980) y La pequeña Gloria (1982).10 También interpretó papeles secundarios en dos películas de Disney, Los pequeños extraterrestres (1978) y Los ojos del bosque (1980).

El nombre de Davis se puso de moda entre el público más joven cuando la canción de Jackie DeShannon, «Bette Davis Eyes», se convirtió en un éxito mundial gracias a la versión de Kim Carnes y fue uno de los registros musicales más vendidos de 1981 en los EEUU, donde se mantuvo en el puesto número uno en las listas de música por más de dos meses.191 La nieta de Davis quedó impresionada de que su abuela fuera la temática de una canción de tanta repercusión y Davis la aceptó como un cumplido, escribiéndoles a Carnes y sus compositores.11 Por otro lado, aceptó como regalo los Discos de Oro y Platino de Carnes y los colgó en su pared.192 193 Davis continuó actuando para la televisión, apareciendo en Family Reunion (1981) junto a su nieto Ashley J. Hyman, A Piano for Mrs. Cimino (1982) y Derecho a elegir con James Stewart. En 1983, fue galardonada con el premio «Women in Film Crystal».194

Últimos años (1983-1989)

En 1983, después de filmar un episodio piloto para la serie Hotel, Davis fue diagnosticada de cáncer de mama y se sometió a una mastectomía.12 195 Dos semanas después de la cirugía, padeció cuatro accidentes cerebrovasculares que le causaron una parálisis en el lado izquierdo de la cara y en el brazo izquierdo que la dejaron con dificultad para hablar.195 196 Comenzó un largo período de terapia física y con la ayuda de su asistente personal, Kathryn Sermak, logró recuperarse parcialmente de la parálisis.197

Durante este tiempo, su relación con su hija, B.D. Hyman, se deterioró cuando esta última se convirtió en una cristiana renacida y trató de persuadir a Davis a seguir su ejemplo.198 Con su salud estable, viajó a Inglaterra para filmar Murder with Mirrors (1985),198 basada en la obra de misterio de Agatha Christie. A su regreso, se enteró de que su hija había publicado un libro de memorias, El guardián de mi madre, en el que hablaba de la difícil relación madre-hija, el comportamiento prepotente y los episodios de alcoholismo de su madre.198 Varios de los amigos de Davis comentaron que las descripciones de Hyman sobre los hechos no eran exactos; uno de ellos dijo que «la mayor parte del libro está fuera de contexto».198 Mike Wallace retransmitió una entrevista de 60 minutos que había grabado con Hyman unos años antes, donde la elogió en sus habilidades como madre, y dijo que había adoptado varios de los principios de Davis en la crianza de sus propios hijos.199 Los críticos de Hyman señalaron que Davis había apoyado económicamente a la familia de su hija durante muchos años y recientemente los había salvado de perder su casa.200 A pesar de las asperezas de los primeros años de divorcio, Gary Merrill también defendió a Davis; entrevistado por CNN, Merrill dijo que Hyman fue motivada por «la crueldad y la codicia».201 El hijo adoptivo de Davis, Michael Merrill, terminó todo contacto con Hyman y se negó a hablar con ella de nuevo, al igual que Davis, quien la desheredó.202

En sus segundas memorias, This 'N That (1987), Davis escribió: «Todavía me estoy recuperando del hecho de que una hija mía escriba sobre mí a mis espaldas, no diré nada sobre el tipo de libro que es. Nunca me recuperaré completamente del libro de BD como lo hice con el accidente cerebrovascular. Ambas fueron experiencias demoledoras».203 Sus memorias concluyeron con una carta a su hija, en la que se dirigió a ella varias veces como «Hyman», y describió sus acciones como «una notoria falta de lealtad y agradecimiento por la vida privilegiada que creo que te he dado». Para concluir con una referencia al título del libro de Hyman, expresó: «Si se refiere al dinero, si mi memoria no falla, he sido tu guardián todos estos años. Sigo siéndolo, ya que mi nombre ha hecho de tu libro un éxito».204

Davis apareció en la película para televisión As Summers Die (1986) y la película Las ballenas de agosto (1987) de Lindsay Anderson, en la que interpretó a la hermana ciega de Lillian Gish.205 La película obtuvo buenas críticas, una de las cuales decía: «Bette se arrastra a través de la pantalla como un viejo avispón cascarrabias en el cristal de una ventana, gruñendo, tambaleándose, temblando... Una sinfonía de sinapsis que falló».206 Su última actuación fue el papel protagonista en La bruja de mi madre de Larry Cohen (1989). Para entonces su salud estaba deteriorándose y después de algunos desacuerdos con Cohen, se bajó del proyecto.207 El guion fue reescrito para poner más énfasis en el carácter del personaje de Barbara Carrera y la versión reelaborada se lanzó después de la muerte de Davis.208 209

Después de abandonar La bruja de mi madre y sin más ofertas de cine (a pesar de que estaba dispuesta a trabajar en The Turn Of The Century de Craig Calman y colaboró con él en la adaptación de la obra de teatro para un guion de largometraje),210 Davis apareció en varios programas de entrevistas y fue reporteada por Johnny Carson, Joan Rivers, Larry King y David Letterman, con quienes habló de su carrera, aunque se negó a opinar de su hija. Sus apariciones eran populares; Lindsay Anderson observó que el público disfrutaba viendo la forma «tan perra» en la que se comportaba.211

Durante 1988 y 1989, Davis fue agasajada por su trayectoria, recibiendo el premio del Centro John F. Kennedy, la Legión de Honor de Francia, el Campione d'Italia y el premio a la trayectoria de la Sociedad Fílmica del Lincoln Center.212 Davis se desmayó durante los premios American Cinema en 1989 y poco después descubrió que el cáncer había reaparecido. Se recuperó lo suficiente como para viajar a España, donde fue galardonada con el premio Donostia en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, pero durante su estadía su salud se deterioró rápidamente.44 Demasiado débil para hacer el largo viaje de regreso a EEUU, viajó a Francia, donde murió el 6 de octubre de 1989 a los 81 años, a las 23:20 h, en el Hospital Americano de Neuilly-sur-Seine.44 213 Fue inhumada en el Forest Lawn—Hollywood Hills Cemetery de Los Ángeles, al lado de su madre, Ruthie, su hermana Bobby (fallecida en 1979) y con su nombre grabado en una letra más grande con respecto a las otras dos.213 El epitafio de Davis dice: «Lo hizo a la manera difícil»,213 mencionado en su libro de memorias Mother Goddam por sugerencia de Joseph L. Mankiewicz poco después de haber terminado de filmar Eva al desnudo.214

Críticas y legado

A lo largo de su carrera, Davis fue señalada como una actriz de carácter difícil, lo que se vio reflejado en diversas discusiones que mantuvo con directores e integrantes de elencos.215 A diferencia de otras actrices de su época, optó por interpretar papeles poco simpáticos y fuera de los comunes para una mujer de ese momento, como manipuladoras, asesinas o personas de mayor edad a la suya.216 Muchos de sus contemporáneos señalan que, si bien muchas de sus películas no tuvieron el éxito esperado, Davis se destacaba de todas formas por la recreación de personajes muy variados y su personalidad fuerte.217 De hecho, la revista Life la calificó como la actriz más representativa de su época y el AFI la situó en el segundo puesto de su lista de las «50 mayores leyendas estadounidenses de la pantalla», sólo por detrás de Katharine Hepburn.218 13 La Fundación Bette Davis, fundada en 1997, premia con becas a jóvenes actores prometedores.219

En 1964, Jack Warner comentó la «cualidad mágica que transformaba a esta muchachita a veces sosa y poco hermosa en una gran artista»,214 y en una entrevista de 1988, Davis remarcó que, a diferencia de muchas de sus contemporáneas, había forjado una carrera sin la ventaja de la belleza.220 Admitió que estaba aterrada durante el rodaje de sus primeras películas y que se volvió dura por necesidad. Dijo que: «En mi profesión hasta que no tienes fama de monstruo, no eres una estrella» pero «yo nunca luché por nada de forma desleal. Nunca luché por nada que no fuera por el bien de la película».215 Durante el rodaje de Eva al desnudo (1950), Joseph L. Mankiewicz le dijo que en Hollywood existía la idea de que su carácter era difícil, y Davis le explicó que cuando la audiencia la veía en pantalla, no tenía en cuenta que su apariencia era el resultado del trabajo de numerosas personas entre bastidores. Si fuera presentada como «una burra... de cuarenta pies de ancho, y treinta de alto», eso sería todo lo que la audiencia «vería o valoraría».221

Aunque fue elogiada por sus éxitos, a veces Davis y sus películas fueron ridiculizados. Pauline Kael describió La extraña pasajera (1942) como un «clásico de baratillo»,222 y a mediados de la década de 1940, sus actuaciones a veces artificiosas e histriónicas fueron objeto de caricatura. Edwin Schallert para The Ángeles Times elogió su actuación de Sr. Skeffington (1944), aunque observaba que «los mimos tendrán más gracia que una caja de monos imitando a la señorita Davis»,223 y Dorothy Manners en The Angeles Examiner dijo de su interpretación en la pobremente acogida Más allá del bosque (1949), que «ningún humorista de club nocturno habría hecho una imitación tan cruel de los gestos de la Davis como la misma Bette realizó en esta».224 La revista Time destacó que Davis era digna de observarse compulsivamente incluso cuando criticaba su técnica interpretativa, resumiendo su actuación en Su propia víctima (1964) con el comentario: «su interpretación, no es realmente una actuación, es alardear descaradamente. ¡Pero intente mirar para otro lado!».225

Atrajo muchos seguidores de la subcultura gay,226 y con frecuencia era imitada por transformistas como Tracey Lee y Charles Pierce.7 En un intento de explicar su popularidad entre la audiencia homosexual, el periodista Jim Emerson escribió: «¿Ella es el mascarón de proa del camp simplemente por su estilo de actuar crispado, melodramático y que no ha envejecido bien? ¿o porque fue «Más grande que la vida», una tipa dura que ha sobrevivido? Probablemente por ambas cosas».220

Su elección de películas fue poco convencional, interpretó papeles de manipuladoras y asesinas cuando las actrices de la época generalmente preferían papeles más simpáticos, y se destacó con ellos.216 Era partidaria de la autenticidad por encima del glamour y deseaba cambiar su propia apariencia si le venía bien al personaje. Claudette Colbert comentó que Davis fue la primera actriz en interpretar personajes de más edad que ella misma, y por ello no tuvo que hacer la difícil transición a papeles de carácter cuando envejeció.215

Cuando entró en la tercera edad, Davis fue reconocida por sus logros. John Springer, que organizaba sus giras de conferencias a principios de la década de 1970, escribió que a pesar de los éxitos de muchas de sus contemporáneas, Davis fue «la estrella de los treinta y principios de los cuarenta», que logró notoriedad por la variedad de sus caracterizaciones y su habilidad para hacerse valer, incluso cuando su material era mediocre.217 Sus interpretaciones personales siguieron recibiendo elogios; en 1987, Bill Collins analizó La carta (1940) y describió su actuación como un «logro brillante y sutil», y escribió: «Bette Davis hace de Leslie Crosbie una de las mujeres más extraordinarias del cine».227 En una reseña de 2000 de Eva al desnudo (1950), Roger Ebert apuntó que «Davis era un personaje, un ícono con un gran estilo, tanto que incluso sus excesos son realistas».228 En 2006, la revista Premiere situó su recreación de Margo Channing en la película en el puesto quinto de su lista «Las 100 interpretaciones más grandes de todos los tiempos», comentanto que: «Hay algo deliciosamente audaz en su alegre voluntad de interpretar emociones tan desagradables como los celos, la amargura y la necesidad».229 En su reseña de ¿Qué fue de Baby Jane? (1962) de 2008, Ebert afirmó que «nadie que la haya visto en la película la olvidará jamás».230

Unos meses antes de su muerte en 1989, Davis fue uno de los actores que aparecieron en la portada de la revista Life. En una retrospectíva cinematográfica que homenajeaba a las películas y las estrellas de 1939, Life concluyó que Davis fue la actriz más significativa de su época y destacó Amarga victoria (1939) como una de las películas más importantes del año.218 Angela Lansbury resumió el sentimiento de los miembros de la comunidad de Hollywood que asistieron a su funeral, comentando tras la proyección de una muestra de las películas de Davis, que habían presenciado «un extraordinario legado de la interpretación del siglo veinte por una auténtica maestra del oficio», que debería proporcionar «estímulo y ejemplo para futuras generaciones de aspirantes a actores».231

En 1977, Davis se convirtió en la primera mujer galardonada con el premio a los logros de una vida del AFI.232 En 1999, el American Film Institute publicó la lista «100 años de la AFI... 100 estrellas», resultante de una encuesta entre la industria cinematográfica para determinar las «50 mayores leyendas estadounidenses de la pantalla» para conseguir el reconocimiento público y el aprecio del cine clásico. De las 25 actrices elegidas para la lista, Davis quedó situada en el segundo puesto, por detrás de Katharine Hepburn.13 233

En 1997, los albaceas de su herencia, Michael Merrill, su hijo, y Kathryn Sermak, su antigua asistente, crearon la Fundación Bette Davis que premia con una beca a actores y actrices prometedores.219 En 2008, el Servicio Postal de los Estados Unidos celebró el centenario del nacimiento de Bette Davis con la emisión de un sello conmemorativo.234 La celebración del primer día de emisión tuvo lugar el 18 de septiembre de 2008, en la Universidad de Boston, en la que se almacena un extenso archivo de Bette Davis. Entre los oradores del acto más destacados estaban su hijo Michael Merrill y Lauren Bacall.212

Premios de la Academia

En 1962, Davis se convirtió en la primera persona en obtener diez nominaciones a los Oscar por sus actuaciones.212 Desde entonces, sólo cuatro personas han igualado o superado esta cifra —Meryl Streep (con diecisiete nominaciones y tres victorias), Katharine Hepburn (doce nominaciones y cuatro victorias), Jack Nicholson (doce nominaciones y tres victorias) y Laurence Olivier (diez nominaciones y una victoria)—.235

A principios de los años 2000, Steven Spielberg compró los dos Oscars que Davis obtuvo a lo largo de su carrera, por Peligrosa (1935) y Jezabel (1938), cuando fueron ofrecidos en una subasta por 207.500 USD y 578.000 USD, respectivamente, y los devolvió a la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.236 237

Por otra parte, su actuación en Cautivo del deseo (1934) fue tan ampliamente aclamada que cuando no fue nominada para un premio de la Academia, varias figuras influyentes montaron una campaña para que Davis fuera incluida. La Academia flexibilizó sus reglas por ese año sólo para permitir la consideración de cualquier artista nominado en una votación escrita, por lo que, cualquier votación del año fue técnicamente elegible para su consideración. Dado el alboroto tan publicitado, algunas fuentes todavía lo consideran como una nominación para Davis, aunque la Academia nunca la registró oficialmente como una candidatura.51

Año Categoría Película Resultado
1962 Mejor actriz ¿Qué fue de Baby Jane? Candidata
1952 Mejor actriz La estrella Candidata
1950 Mejor actriz Eva al desnudo Candidata
1944 Mejor actriz El señor Skeffington Candidata
1942 Mejor actriz La extraña pasajera Candidata
1941 Mejor actriz La loba Candidata
1940 Mejor actriz La carta Candidata
1939 Mejor actriz Amarga victoria Candidata
1938 Mejor actriz Jezabel Ganadora
1935 Mejor actriz Peligrosa Ganadora
1934 Mejor actriz Cautivo del deseo Candidata

Filmografía parcial

 


Audrey Hepburn

Hepburn-afternoon.jpg

Nombre real Audrey Kathleen Ruston
Nacimiento Flag of Belgium (civil).svg Ixelles, Bruselas, Bélgica
4 de mayo de 1929
Fallecimiento Flag of Switzerland.svg Tolochenaz, Cantón de Vaud, Suiza
20 de enero de 1993 (63 años)
Nacionalidad Bandera del Reino Unido Británica
Apodo(s) Edda van Heemstra
Audrey Kathleen Hepburn-Ruston
Ocupación Actriz (1948–1989)
Humanitaria (1988–1992)
Familia
Cónyuge Mel Ferrer (1954-1968)
Andrea Dotti (1969-1982)
Pareja Robert Wolders (1980-1993)
Hijo/s Sean Hepburn Ferrer
Luca Dotti
Premios
Premios Óscar Mejor actriz
1953 Vacaciones en Roma
Premio Humanitario Jean Hersholt
1992 A sus Causas Humanitarias
Globos de Oro Mejor actriz - Drama
1954 Vacaciones en Roma
Premio Cecil B. DeMille
1990 Premio a la Trayectoria Profesional
Premios BAFTA Mejor actriz
1953 Vacaciones en Roma
1959 Nun's Story
1964 Charada
Sitio oficial
Ficha en IMDb

Audrey Hepburn (nacida Audrey Kathleen Ruston;4 de mayo de 192920 de enero de 1993) fue una actriz británica. Reconocida como ícono de la moda y el cine, Hepburn estuvo activa durante la época dorada de Hollywood. Está considerada por la American Film Institute como la tercera mayor leyenda femenina del cine estadounidense.

Nacida en Ixelles, un distrito de Bruselas, Hepburn pasó su infancia entre Bélgica, Inglaterra y los Países Bajos, incluyendo a Arnhem que estuvo ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial. En Ámsterdam, estudió ballet con Sonia Gaskell antes de trasladarse a Londres en 1948 para seguir sus estudios de ballet con Marie Rambert y trabajar como corista en las producciones musicales de West End.

Después de aparecer en varias películas británicas y protagonizar la obra de Broadway de 1951, Gigi, Hepburn interpretó el papel principal de Roman Holiday (1953), el cual le valió un Óscar a la mejor actriz. Más tarde actuando en películas de éxito como Sabrina (1954), The Nun's Story (1959), Breakfast at Tiffany's (1961), Charade (1963), My Fair Lady (1964) y Wait Until Dark (1967), Hepburn recibió nominaciones a los premios Óscar, Globo de Oro y BAFTA y devengó un premio Tony por su actuación teatral la obra de Broadway de 1954, Ondina. Hepburn sigue siendo una de las pocas personas que han ganado un Óscar, un Emmy, un Grammy y un Tony. Hepburn fue la primera actriz en ganar un Oscar, un Globo de Oro y un premio BAFTA por una sola actuación: Roman Holiday en 1954.

Apareció en menos películas a medida que su vida siguió, dedicando gran parte de su vida posterior a Unicef. A pesar de haber contribuído con la organización desde 1954, trabajó en algunas de las comunidades más profundamente desfavorecidas de África, América del Sur y Asia entre 1988 y 1992. Fue galardonada con la Medalla Presidencial de la Libertad en reconocimiento a su labor como Embajadora de Buena Voluntad de Unicef a finales de 1992. Un mes más tarde, Hepburn murió de cáncer apendicular en su casa en Suiza a principios de 1993 a la edad de 63 años.1 2 3

Biografía

Infancia y juventud

Nacida como Audrey Kathleen Ruston en Ixelles/Elsene, un municipio de Bruselas, Bélgica. Era la única hija del inglés Joseph Victor Anthony Ruston y de su segunda esposa, la baronesa Ella Van Heemstra, una aristócrata holandesa que era hija del ex gobernador de la Guayana Holandesa (Surinam), el barón Aarnoud van Heemstra. El padre de la futura actriz añadió más adelante el apellido de su abuela materna, Catherina, a la familia; y su apellido se convirtió en Hepburn-Ruston. Tenía dos hermanos de madre, fruto de un primer matrimonio de su madre con el jonkheer Hendrik Gustaaf Adolf Quarles van Ufford: jonkheer Arnoud Roberto Alexander “Alex” Quarles van Ufford y jonkheer Ian Edgar Bruce Quarles van Ufford. Ella van Hemstra era descendiente del rey Eduardo III de Inglaterra y del consorte escocés James Hepburn, cuarto Conde de Bothwell, de quien Katharine Hepburn también se considera descendiente.

El padre de Hepburn trabajó con una compañía de seguros en Gran Bretaña, lo cual significó que la familia tuvo la oportunidad de viajar a menudo entre Bruselas, Inglaterra y los Países Bajos. Entre 1935 y 1938 Hepburn estudió en una academia privada y femenina en Kent, Inglaterra.

En 1935 sus padres se divorciaron, y su padre, simpatizante nazi, abandonó a la familia. Ambos padres eran miembros de la unión británica de fascistas a mediados de los años treinta, según Unity Mitford, amiga de Ella van Heemstra y seguidora de Adolf Hitler. Audrey llamó más adelante a este hecho «el momento más traumático de su vida». No sería hasta mucho más adelante cuando consiguió localizar a su padre en Dublín a través de la Cruz Roja. Desde entonces permaneció en contacto con él y lo apoyó financieramente hasta su muerte.

En 1939 se trasladó con su madre y sus dos hermanos de madre a la casa de su abuelo en Arnhem, Países Bajos. Pensaban que Holanda era un lugar seguro para evitar al ejército nazi. Hepburn acudió al conservatorio de Arnhem entre 1939 y 1945, donde estudió piano y ballet clásico, los cuales compaginaba con sus estudios escolares.

Vida durante la Segunda Guerra Mundial

Durante su juventud Audrey sufrió la Segunda Guerra Mundial, primero en Bélgica y luego en Holanda, de donde era originaria su madre. Para evitar que sus orígenes ingleses se revelaran, la madre de Audrey la llamaba Edda Van Heemstra, como ella, y la obligó a hablar holandés. Audrey hablaba perfectamente inglés, francés, holandés e italiano, se defendía con el alemán y también un poco en español. Estudió para ser bailarina, pero la guerra hizo estragos en su constitución, así que, pese a seguir estudiando y practicando, Audrey se vio en la disyuntiva de elegir una nueva profesión, que fue la de actriz.

En 1944 Hepburn ya era una buena bailarina y, durante esta época, bailaba secretamente. El dinero que recaudaba lo donaba a la resistencia holandesa. Sobre esta época dijo más adelante: «El mejor público que he tenido; no hacía ni un solo sonido al terminar mi actuación».

Con el desembarco de las tropas aliadas en Normandía el día D, las cosas en Holanda empeoraron drásticamente. Durante el invierno de 1944 los alemanes confiscaron los alimentos y combustibles de la población holandesa. Sin comida ni calor en los hogares, la gente moría de hambre y frío en las calles. Hepburn y muchos otros hacían harina a partir de tulipanes con los que podían cocinar galletas y tartas. La ciudad holandesa de Arnhem fue devastada durante el bombardeo aliado, como parte de la fallida operación Market Garden. Su tío y un primo de su madre fueron fusilados como miembros de la resistencia, su hermano Ian fue capturado y estuvo en un campo de trabajo. Las carencias alimenticias se hicieron patentes y Audrey sufrió anemia y problemas respiratorios. En 1991 Audrey dijo: «Tengo recuerdos. Recuerdo estar en la estación de tren viendo como se llevaban a los judíos, y recuerdo en particular a un niño con sus padres, muy pálido, muy rubio, usando un abrigo que le quedaba muy grande, entrando en el tren. Yo era una niña observando a un niño».

Audrey también notó las semejanzas entre ella y Ana Frank. «Tenía exactamente la misma edad que Ana Frank. Ambas teníamos diez años cuando empezó la guerra y quince cuando acabó. Un amigo me dio el libro de Ana en holandés en 1947. Lo leí y me destruyó. El libro tiene ese efecto sobre muchos lectores, pero yo no lo veía así, no solo como páginas impresas; era mi vida. No sabía lo que iba a leer. No he vuelto a ser la misma, me afectó profundamente».

«Vimos fusilamientos. Vimos a hombres jóvenes ponerse contra la pared y ser tiroteados. Cerraban la calle y después la volvían a abrir y podías pasar por ese mismo lugar. Tengo marcado un lugar en el diario, en el cual Ana (Frank) dice que han fusilado a cinco rehenes. Ése fue el día en que fusilaron a mi tío. En las palabras de esa niña yo leía lo que aún sentía en mi interior. Esa niña que había vivido entre cuatro paredes había hecho un reportaje completo de todo lo que había vivido y sentido».

Pero esos terribles años no eran del todo malos, y Audrey podía vivir algo su niñez. Siguiendo con los paralelismos con la vida de Anne Frank, dice: «El espíritu de supervivencia es muy fuerte en las palabras de Ana Frank. En un momento dice “estoy deprimida” y al siguiente te habla de que quiere montar en bici. Ella es la muestra de una infancia en terribles circunstancias».

Una manera con la cual Audrey Hepburn pasaba el tiempo era dibujando. Algunos de sus dibujos pueden verse hoy día.

El país fue liberado por las fuerzas aliadas y la Administración de las Naciones Unidas para el Auxilio y la Rehabilitación intervino en el mismo. Hepburn dijo en una entrevista que se comió un paquete entero de leche condensada y que se puso enferma por el exceso de azúcar. Estas experiencias contribuyeron a que Audrey estuviera siempre al lado de UNICEF durante el resto de su vida.

Formación como bailarina

En 1945, al finalizar la guerra, Audrey abandonó el conservatorio de Arnhem y se mudó a Ámsterdam donde tomó clases de ballet con Sonia Gaskell. En 1948 se fue a Londres y siguió estudiando ballet, esta vez de mano de la reconocida Marie Rambert, profesora de Vaslav Nijinsky, uno de los mayores bailarines de la historia de la danza. De vez en cuando Hepburn le preguntaba a Rambert sobre su futuro, a lo que ella le respondía que podría seguir allí y tener una gran carrera, pero el hecho de que fuera relativamente alta (1,67 m), sumado a su delgadez a causa de la malnutrición durante la ocupación alemana no le permitiría tener un buen futuro como primera bailarina. Pero Audrey quería sobresalir, así que confió en su mentora e intentó la actuación.4 Además, la situación económica de la familia Hepburn no le permitiría continuar con sus estudios, y Audrey, necesitada de dinero, se replanteó el empezar a actuar, ya que esta profesión estaba mejor pagada que la de bailarina. Rambert dijo después sobre Audrey: «Era una estudiante maravillosa; si hubiera seguido, podría haberse convertido en una bailarina excepcional».

Primeros años de actriz

Su carrera como actriz comenzaría con el film educativo Holandés en siete lecciones. Después actuó en producciones musicales como High Button Shoes y Sauce Piquante. Su primer papel en una película fue en el film inglés One Wild Oat en el cual actuaba como recepcionista de un hotel. También actuó en papeles más pequeños como Young Wives' Tale, Laughter in Paradise, The Lavender Hill Mob, y Monte Carlo Baby. Durante el rodaje de Monte Carlo Baby fue elegida para protagonizar el musical de Broadway Gigi, estrenado el 24 de noviembre de 1951. La reportera Sidonie-Gabrielle Colette dijo sobre Audrey: «¡Voilà!, ¡ésta es nuestra Gigi!». Audrey ganó el Theatre World Award por su debut. Siguió actuando en este musical durante los seis exitosos meses siguientes.

Su primer papel de importancia fue en el film Secret People, en el cual realizaba el papel de una bailarina prodigio. Naturalmente, Audrey hizo todas las escenas de baile. Pero el papel que la catapultó a la fama, además de ser su primer papel en Hollywood, fue, junto a Gregory Peck, en Vacaciones en Roma, de William Wyler.

Vacaciones en Roma

 

En un primer momento los productores querían a Elizabeth Taylor para el papel protagonista, pero el director William Wyler quedó impresionado por la prueba de cámara de Audrey, en la cual se dejó la cámara quieta y se le empezaron a realizar una serie de preguntas a Audrey, que no sabía que la cámara estaba grabando. Sus respuestas y sinceridad demostraron su enorme talento y Wyler no dudó en contratarla. Wyler dijo: «Tiene todas las cosas que busco: encanto, inocencia y talento. Además es muy divertida. Es absolutamente encantadora. No dudamos en decir que es nuestra chica». Su compañero de reparto, Gregory Peck, ya era una estrella consagrada y en el póster de la película su nombre tenía más importancia que el «presentando a Audrey Hepburn». Cuando acabó el rodaje, Peck llamó a su agente e hizo que le dieran la misma importancia a los dos nombres. Peck predijo que ella ganaría el Óscar. Ambos, Hepburn y Peck, conectaron durante el rodaje, incluso hubo rumores de que tuvieron una relación amorosa, rumores desmentidos por ambos. Sin embargo, Audrey añadió: «En realidad, sientes algo de amor por tu pareja en la película. Si vas a interpretar un romance, tienes que sentirlo. No lo puedes hacer de otra manera. Pero no lo lleves más allá del plató». Debido al gran éxito de Vacaciones en Roma, Audrey fue portada de la revista TIME el 7 de septiembre de 1953.

Su interpretación recibió las alabanzas de los críticos. «Aunque no es precisamente una recién llegada al mundo de la interpretación, Audrey Hepburn, la actriz británica que se mete en la piel de la princesa Anne, está espléndida, bellísima, alternando sus escenas de la realeza y las más infantiles durante su búsqueda de placeres básicos y del amor. Aunque sonríe al final de la película, ella sigue siendo una persona lamentablemente sola que hace frente a un futuro difícil».5 Audrey se refirió en el futuro a Vacaciones en Roma como su película más querida, ya que fue la que la hizo una estrella.

Después de los cuatro meses de rodaje de Vacaciones en Roma viajó a Nueva York para seguir con las interpretaciones de Gigi. Antes de incorporarse al rodaje de Vacaciones en Roma, Audrey estuvo actuando con el musical en Los Ángeles y San Francisco. Esto fue posible ya que tenía un contrato con Paramount que le permitía tener doce meses entre película y película para dedicarse al teatro.

Durante los años siguientes, Audrey se convertiría en una de las actrices más reconocidas por su inigualable belleza natural, icono de la sencillez en la elegancia femenina y transparencia de personalidad. Fue considerada entre las más queridas y populares de la meca del cine y gozó de la amistad de casi todos sus compañeros de rodaje.

Durante estos años protagonizó Dos en la carretera, Cómo robar un millón, Una cara con ángel, My Fair Lady (1964), el famoso musical multioscarizado, y el que se considera el papel de su carrera, la Holly Golightly de Breakfast at Tiffany's (1961). Pero para Audrey su mejor papel fue, sin duda, el de la hermana Lucas en Historia de una monja. Ese papel, el conocer a su protagonista real, las similitudes —ambas eran belgas y habían sufrido la guerra— hizo que Audrey recapacitara mucho y se entregara más a sus labores humanitarias. Es, sin duda, una de las mejores películas de Audrey y del cine, pero muchas personas solo ven a Audrey como un icono de moda por su actuación como Holly en Breakfast at Tiffany's.

Audrey con su glamour y su belleza, nos demostró en "Vacaciones en Roma" que también valía como actriz y con su "I wanna say thank you to..." recibió el Oscar a la Mejor Actriz, el único que recibiría en toda su carrera.

Estrella de Hollywood

 

Después de Vacaciones en Roma, trabajó con Humphrey Bogart y William Holden en la comedia romántica de Billy Wilder, Sabrina. Audrey fue enviada al diseñador Hubert de Givenchy para que decidiera su vestuario en la película. Cuando le dijeron a Givenchy que «Miss Hepburn» venía a verlo, pensó en Katharine Hepburn, no en Audrey. En un primer momento, rechazó vestirla, pero al final rectificó. Audrey y Givenchy mantuvieron una fuerte amistad durante el resto de sus vidas. Durante la filmación de Sabrina, Audrey y William Holden mantuvieron una relación amorosa. Su papel de Sabrina le valió una nominación al Óscar, premio que finalmente fue a parar a manos de Grace Kelly.

En 1954, Audrey volvió a los escenarios para protagonizar Ondine, de Jean Giraudoux, junto al que más tarde sería su marido, Mel Ferrer. Siguió protagonizando la obra durante el resto del año. Ese mismo año recibiría el Globo de Oro a la mejor actriz y el Óscar por su papel en Vacaciones en Roma. Seis semanas después de recibir el Óscar, Audrey recibió el premio Tony por su obra Ondine, convirtiéndose así en una de las tres únicas actrices en ganar el Óscar y el Tony el mismo año —las otras dos son Shirley Booth y Ellen Burstyn—.

A mediados de los 50, Audrey no solo era una de las mayores estrellas de Hollywood, sino un icono de la moda. Su estilo, tan personal y elegante, era admirado e imitado. Además, era muy admirada por el público, como lo demuestra su Globo de Oro a la actriz más querida en todo el mundo en 1955.

Siendo ya una de las actrices más taquilleras de Hollywood, Audrey contaba con compañeros de reparto de la talla de Humphrey Bogart (Sabrina), Fred Astaire (Una cara con ángel), Maurice Chevalier y Gary Cooper (Love in the afternoon), William Holden (Encuentro en París), George Peppard (Breakfast at Tiffany's), Cary Grant (Charada), Rex Harrison (My Fair Lady), Peter O'Toole (Como robar un millón) y Sean Connery (Robin y Marian). Muchos de estos actores se convirtieron en personas muy cercanas a la actriz. Rex Harrison la llamó su «principal dama» —Audrey se hizo muy amiga de la bailarina británica Kay Kendall, que era la mujer de Rex—; Cary Grant amaba el sentido del humor de Audrey. «Todo lo que pido por Navidad es otra película junto a Audrey Hepburn» dijo una vez; y Gregory Peck se convirtió en uno de sus amigos más íntimos. Después de la muerte de la actriz, Peck fue a la cámara y recitó su poema favorito, Unending Love de Rabindranath Tagore. Algunos creen que Audrey y Humphrey no mantuvieron su amistad, pero eso es falso. Bogart lo hizo mejor con Audrey de lo que lo haría cualquiera. Como ella después diría: «A veces los tipos más duros resultan ser los más sensibles, como Bogey lo es conmigo».

En 1957 actuó en Una cara con ángel, una de sus películas favoritas debido a que conseguía bailar con Fred Astaire. A esta la siguió Historia de una monja, uno de sus papeles más dramáticos y atrevidos. Sobre este papel Films in Review dijo: «Su papel callará a todos los que dijeron que es solo un símbolo de mujer sofisticada. Su interpretación de la hermana Luke es una de las mejores actuaciones del cine». Audrey recibió una nominación a los Óscar por este papel. Simone Signoret fue la agraciada con el galardón en este ocasión.

Breakfast at Tiffany's

Su interpretación de Holly Golightly en Desayuno en Tiffany's (1961) la convirtió en un icono del cine americano. Ella definió su papel como «el más jazz de mi carrera». Cuando fue interrogada sobre su nuevo papel dijo: «Soy introvertida. Actuar para ser una chica extrovertida es la cosa más difícil que he hecho en mi vida». El elegante vestuario que usó en la película estaba diseñado por Givenchy. Además, se puso mechas rubias en el pelo, look que también conservó fuera de la pantalla. Este papel, sin lugar a dudas el más popular de su carrera, estaba originariamente pensado para Marilyn Monroe. Truman Capote, el autor de la novela en que se basa la película, además de guionista, era un gran amigo de la polémica actriz. Cuando Marylin rechazó el papel debido a que quería dejar de interpretar a «chicas ingenuas» y este le llegó a Audrey, el personaje de Holly sufrió varios cambios; entre ellos, el personaje dejaba de ser bisexual para ser heterosexual. Además, su trabajo de prostituta de lujo queda mucho más difuso y en ningún momento se hace la más mínima referencia a este hecho. Su magnífica interpretación recibiría otra nominación a los Óscar, premio que fue a parar a la italiana Sophia Loren.

Hepburn se había estabilizado como una de las actrices más populares de América. En 1963 le cantó el «Feliz cumpleaños» al presidente Kennedy como Marilyn Monroe había hecho un año antes. A pesar de todo ello, Audrey vivió una vida mucho más reservada y humilde que la mayoría de las estrellas de Hollywood, como demuestra el hecho de que viviera en casas, no en mansiones, y que cultivaba su propio huerto, además de su vocación por UNICEF y sus múltiples viajes a África.

My Fair Lady

Con Shirley MacLaine protagonizó en 1961 La Calumnia, dirigido por William Wyler, uno de sus trabajos más complicados y polémicos al tratar el tema del lesbianismo. William Wyler, para recibir la aprobación de la Motion Picture Production Code, cortó gran parte del material en el que se hacía referencia implícita o explícita a la homosexualidad de Martha, el personaje interpretado por McLaine, pues entonces estaba prohibida cualquier referencia a la homosexualidad. Tal vez debido a la represión sexual de la época, la película y la actuación de Hepburn pasaron prácticamente inadvertidas tanto por la crítica como por el público.

En 1963 protagonizaría junto a Cary Grant la divertida "Charada", ingeniosa parodia de las películas de suspense.

A este papel lo siguió el de "My Fair Lady", de George Cukor, de la que se dijo que era la película más esperada desde Lo que el viento se llevó. Eligieron a Audrey como protagonista por encima de la por entonces desconocida Julie Andrews, quien había protagonizado el mismo papel en el musical de Broadway. La decisión de no contar con Andrews se tomó antes de contratar a Hepburn, quien en un principio rechazó el papel y pidió que se lo dieran a Julie Andrews, pero cuando se enteró de que iba a ir a manos de Elizabeth Taylor, quien también competía por ser la protagonista del filme, lo aceptó. Los productores estaban de acuerdo en que Hepburn era la opción perfecta. La polémica elección de Hepburn sobre Andrews también provocó la ira del actor Rex Harrison, quien había actuado junto a Andrews en la obra musical original. Harrison se encontraba molesto con la decisión del papel de Eliza alegando: «Se supone que Eliza Doolittle se sintiera incómoda en los bailes europeos. La maldita Audrey jamás ha pasado su vida fuera de los bailes europeos». Harrison, en una entrevista después, se arrepintió de lo dicho y cuando le preguntaron quién fue su mejor acompañante durante su carrera sin pensarlo dijo: «Audrey Hepburn». Julie Andrews tenía que filmar Mary Poppins, que fue estrenada el mismo año que My Fair Lady. En un primer momento, se decidió que Audrey Hepburn rodaría las escenas musicales de la película, pero no las cantaría. De eso se encargaba Marni Nixon, quien dobló todas sus canciones. Pero aun así, Hepburn grabó las canciones. En el montaje final de la película se optó por las de Marni Nixon, que también están recogidas en los CD, y no las de Hepburn, que están presentes en documentales y material extra en los DVD. solo varios números pertenecen a la actriz, como Just You Wait y I Could Have Danced All Night. Cuando le preguntaron por los cambios de voz de los números musicales de la película, simplemente respondió: «You could tell, couldn't you? And there was Rex, recording all his songs as he acted... next time» y no dijo más. Dejando a un lado el doblaje, la actuación de Audrey era excelente, «Audrey Hepburn está magnífica, ella es la “Eliza” que se recordará», dijo Gene Ringgold, crítico de cine.

La polémica sobre el reparto de la película alcanzó su cenit en la temporada de los Oscar de 1964-1965, cuando Audrey no estaba nominada por su papel de Eliza, pero sí lo estaba Julie Andrews por Mary Poppins. Los medios hicieron referencia a la rivalidad entre las dos actrices, cuando incluso ellas mismas la negaban. El Óscar finalmente recayó en Julie Andrews.


Audrey Hepburn es la actriz que ha presentado más veces el premio Oscar a la mejor película, cuatro en total; destacando su bonita presencia al hacerlo.

Matrimonios, familia y últimos papeles

 

Hepburn estuvo casada en dos ocasiones, la primera con el actor Mel Ferrer, con el que tuvo un hijo, Sean, que actualmente gestiona la fundación Audrey Hepburn Childhood, y la segunda con Andrea Dotti, un médico italiano con quien tuvo su segundo hijo, Luca. El padrino de Sean es el autor escocés, A. J. Cronin. Audrey confesó que el fracaso de estos dos matrimonios le hizo sufrir mucho. En los últimos años estuvo unida a Robert, un holandés con el que compartían labores humanitarias y su gusto por cosas sencillas.

A partir de 1967, después de quince años de éxitos sobresalientes en el cine, comenzó a participar en películas únicamente de forma ocasional. Hay que destacar el thriller Sola en la oscuridad (1967), donde encarnaba a una mujer ciega acosada por criminales, y Robin y Marian (1976) con Sean Connery. Su último papel lo interpretó en 1988, en la película Always, de Steven Spielberg, donde daba vida a un ángel, poco antes de ser nombrada embajadora especial de UNICEF. Todos han querido ver en ese papel la evocación que se tenía de ella en muchos ambientes.

Su última aparición en el cine se produjo en 1989, desde entonces y hasta su muerte en 1993, Audrey colaboró activamente con UNICEF, convirtiéndose en embajadora de buena voluntad. Audrey entró en la historia como una de las mayores estrellas de Hollywood.

Trabajo para UNICEF

Una de las cosas que más destacaron en sus últimos años fue la dedicación, por encima de su salud, a las causas del sida o la malnutrición de los niños en todo el mundo. En 1992, tres meses antes de su muerte y ya desahuciada, Audrey hizo su último viaje a Somalia, un acto que siempre fue muy agradecido por UNICEF y que engrandecía aún más su ya sencilla y humana forma de entender la vida. A través de esta organización, Hepburn dedicó el resto de su vida a ayudar a los niños necesitados en los países más pobres. En UNICEF todavía recuerdan su dedicación y entrega a la causa, que databa desde el año 1955 y que, poco a poco, fue ganando peso en su vida. Cabe destacar su estatua en la sede UNICEF de Nueva York, inaugurada en el año 2000.

Defunción

Falleció de cáncer de colon en su casa de Tolochenaz, en Suiza, el 20 de enero de 1993 a los 63 años de edad. Ese mismo día, Elizabeth Taylor dijo que «Dios estaría contento de tener un ángel como Audrey con Él».

A pesar de que nunca hizo ostentación de joyas y rechazó ser imagen de la marca, la famosa joyería Tiffany, la que había popularizado en Desayuno con diamantes, le dedicó un escaparate con la frase «My Huckleberry friend», de la canción “Moon River”.

Lo que otros han dicho de ella

Billy Wilder: "Esta jovencita logrará convencer al mundo entero de que los grandes senos y pronunciadas curvas son un inútil vestigio del pasado".

Terence Moix: "Hollywood nunca había conocido a alguien como ella. La primera impresión fue que algo sano, incontaminado, acababa de entrar en el mundo del cine: como un terremoto provisto de estela purísima".

Judith Kranz: "Bajo su inmaculado y cultivado estilo descubrimos a alguien increíblemente frágil, alguien que, por razones que desconozco, parece necesitarnos".

David Niven: "Es la mejor imagen que tiene Hollywood, no habiendo nunca sido un producto de Hollywood. Audrey es siempre Audrey y tiene el don de hacer que a todos los que la conocemos se nos quede un poco de ella".

Su hijo Sean Ferrer: "Ella creía que lo barato termina saliendo caro y lo caro termina siendo barato. Es mejor comprar un buen par de zapatos que usarás mucho tiempo que comprar varios pares baratos que durarán poco. Cuida tu ropa porque es la primera impresión que das".

Elizabeth Taylor: "Audrey era una dama con elegancia y un estilo que no se podía igualar, excepto por su amor a los niños necesitados de todo el mundo. Dios tiene ahora el más bello ángel a su lado que sabrá exactamente lo que hay que hacer en el cielo".

Willian Holden: "Ella fue el amor de mi vida".

Hubert de Givenchy: "Extendió su naturalidad a su forma de vestir. Siempre daba a los vestidos creados para ella un toque personal que todo lo realzaba, no sólo la elegancia, sino el diseño entero".

Sean Connery: "Era absolutamente adorable".

Legado

El legado de Hepburn como actriz y como persona ha sufrido mucho después de su muerte. El American Film Institute nombró a Hepburn en el tercer lugar entre las más grandes estrellas femeninas de todos los tiempos. Incluso en sus últimos años, se mantuvo una presencia visible en el mundo del cine. Recibió un homenaje de la Sociedad Cinematográfica del Lincoln Center en 1991 y fue una presentadora frecuente en los Premios de la Academia. Ella era el recipiente de cuatro premios póstumos incluyendo el Premio Humanitario Jean Hersholt 1993 y competitivos premios Grammy y Emmy. Ha sido objeto de muchas biografías desde su muerte y la dramatización de 2000 su vida titulado La vida de Audrey Hepburn, protagonizada por Jennifer LoveHewitt y EmmyRossum como la Hepburn mayores y menores, respectivamente. La película concluye con imágenes reales de Audrey Hepburn, un disparo durante una de sus misiones finales para el UNICEF. La imagen de Hepburn es ampliamente utilizada en las campañas de publicidad en todo el mundo. En Japón, una serie de anuncios utilizado colourised y clips digitalmente mejoradas de Hepburn en Vacaciones en Roma para anunciar Kirin té negro. En los Estados Unidos, Hepburn apareció en un comercial de Gap que se desarrolló a partir del 7 de septiembre de 2006 al 5 de octubre de 2006. Se utilizan clips de ella bailando de FunnyFace, ajustado a AC / DC 's "Back in Black", con el lema "Es hora de regresar - El pantalón negro flaco". Para celebrar su "Keepit Simple" campaña, Gap hizo una importante donación al Fondo para la Infancia Audrey Hepburn. Hepburn ha sido considerada por algunos como un icono gay.

Audrey Hepburn en la actualidad

 

En el 2007 se subastó un traje que lució la actriz en la película Breakfast at Tiffany's por un precio de 467.200 libras (unos 700.500 euros), destinando el dinero a un proyecto impulsado por el escritor Dominique Lapierre para dos escuelas en Bengala.

Muchos quieren ver a Audrey Hepburn como un icono de la moda, pero ella misma siempre huía de etiquetas y de falsos premios, por lo que siempre se mantuvo fiel a Givenchy, el modisto que la conocía mejor que nadie y el cual creó para ella su perfume L'Interdit. Su imagen radica en la elegancia natural y en la no ostentación de joyas ni vestuario, ni incluso de carácter, lo que le valió una gran admiración por todo el mundo en todos los estratos sociales. Además, muchas marcas le ofrecieron que fuese la imagen de sus productos y ella siempre las rechazaba.

Audrey Hepburn es reconocida por su trabajo y por sus obras sociales.

Filmografía

Premios

Premios Óscar
Año Película Categoría Resultado
1953 Vacaciones en Roma Mejor actriz Ganadora
1954 Sabrina Mejor actriz Nominada
1959 Historia de una monja Mejor actriz Nominada
1961 Breakfast at Tiffany's Mejor actriz Nominada
1968 Wait Until Dark Mejor actriz Nominada
1992 Premio Humanitario Jean Hersholt   Ganadora
Premios Globos de Oro
Película Categoría Resultado
Vacaciones en Roma Mejor actriz - Drama Ganadora
Henrietta Award Actriz favorita del mundo Ganadora
Guerra y paz Mejor actriz - Drama Nominada
Ariane Mejor actriz - Comedia Nominada
Historia de una monja Mejor actriz - Drama Nominada
Breakfast at Tiffany's Mejor actriz - Comedia Nominada
Charada Mejor actriz - Comedia Nominada
My Fair Lady Mejor actriz - Comedia Nominada
Dos en la carretera Mejor actriz - Comedia Nominada
Sola en la oscuridad Mejor actriz - Drama Nominada
Cecil B. DeMille Award   Ganadora
Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Película Categoría Resultado
Historia de una monja Mejor actriz Ganadora
Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood
  • Estrella en el paseo de la fama en el 1650 de Vine Street.
Premios BAFTA
Película Categoría Resultado
Vacaciones en Roma Mejor actriz Ganadora
Sabrina Mejor actriz Nominada
Guerra y paz Mejor actriz Nominada
Historia de una monja Mejor actriz Ganadora
Charada Mejor actriz Ganadora

 


Ingrid Bergman

Ingrid Bergman 1940 publicity.jpg

Nombre real Ingrid Bergman
Nacimiento Bandera de Suecia Estocolmo, Suecia
29 de agosto de 1915
Fallecimiento Bandera del Reino Unido Londres, Reino Unido
29 de agosto de 1982 (67 años)
Características físicas
Estatura 1,75 m (5 pies 9 pulg)
Familia
Cónyuge Petter Aron Lindström (1937-1950)
Roberto Rossellini (1950-1957)
Lars Schmidt (
1958-1975)
Hijo/s Pia, Roberto, Isabella, Isotta
Premios
Premios Óscar Mejor actriz
1944 Gaslight
1956 Anastasia
Mejor actriz de reparto
1974 Asesinato en el Oriente Express
Globos de Oro Mejor actriz - Drama
1945 Gaslight
1946 Las Campanas de Santa María
1957
Anastasia
Mejor actriz - Miniserie o telefilme
1983 A Woman Named Golda
Premios BAFTA Mejor actriz de reparto
1974 Murder on the Orient Express
Premios Emmy Mejor actriz - Miniserie o telefilme
1959 Turn of the Screw
1982 A Woman Named Golda
Ficha en IMDb

Ingrid Bergman (Estocolmo, 29 de agosto de 1915 - Londres, 29 de agosto de 1982)1 fue una actriz sueca. Fue la primera actriz en obtener 3 Óscar —igualada por Meryl Streep en el año 2012 y sólo superada por Katharine Hepburn con cuatro estatuillas— y 5 Globo de Oro además de haber sido la primera ganadora del Premio Tony (Antoinette Perry Award) por su labor en teatro en Broadway. Considerada como uno de los mitos del séptimo arte, según la lista realizada por el American Film Institute es la cuarta estrella más importante en la historia del cine, siendo las tres primeras Katharine Hepburn, Bette Davis y Audrey Hepburn. Es probablemente una de las actrices más prolíficas del siglo XX, habiendo desarrollado su carrera en cinco idiomas (sueco, alemán, inglés, italiano y francés), habiendo actuado en cine, teatro y televisión en Suecia, Alemania, Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Italia, Francia, España e Israel. Falleció el día de su 67.º cumpleaños, tras librar una larga batalla contra el cáncer de mama.

Biografía

Quedó huérfana de madre cuando tenía dos años y su padre, Justus, murió once años después. Su infancia transcurrió en la casa paterna, luego con una de las hermanas de su padre (fallecida solamente seis meses más tarde) y finalmente con otro tío paterno, Otto, y su familia.

Inicios en Suecia

Decidió hacerse actriz para combatir su extrema timidez (“soy más yo misma cuando soy otra persona”2 ) y dio sus primeros pasos en el cine como extra a los 16 años, pero su verdadera meta era el teatro. Su primera oportunidad para actuar se la dio Greta Danielsson, una antigua amiga de su padre, que le ofreció un papel como extra. En 1933 consiguió entrar en The Royal Dramatic Theater School de Estocolmo, ya que fue elegida entre cientos de aspirantes para estudiar en The Royal Dramatic Theater School (donde también estudió Greta Garbo). Gracias a su padre, Justus, que tenía una tienda de fotografía, al morir, se lo dejó todo a su hija asegurándose, de que ella tuviera dinero para convertirse en actriz.2

Cuando Ingrid le dijo a su tío Otto que quería ser actriz, éste se opuso, pues en aquella época ser actriz estaba mal visto. Él pensaba que como se le daban tan bien los estudios, no necesitaba ser actriz, pero como Ingrid insistía, su tío la hizo prometer que si se presentaba y no era escogida, no lo volvería a intentar. The Royal Dramatic Theater School requería a cada actor que representara tres piezas, después los jueces seleccionarían dos de ellas, si el aspirante era rechazado se le daba un sobre marrón y si era aceptado, un sobre blanco. Ingrid decidió representar una comedia. Mientras actuaba, los miembros del jurado no parecían verle la gracia, ni siquiera prestaban mucha atención. De pronto, tras la primera lectura, le dijeron que podía retirarse sin darle la oportunidad de la segunda. Más de medio siglo después Ingrid recordaba su desengaño:

Cuando abandonaba el escenario estaba de luto, me encontraba en un funeral. El mío. Era la muerte de mi yo creativo. Tenía el corazón roto de veras. Al salir a la calle, Estocolmo, que siempre me había parecido tan hermoso, ya no lo era, y los actores y actrices que esperaban a recoger su sobre, se reían y burlaban de mi, ¨¿Por qué no lo has cogido?'me preguntaban entre risas. Cada vez me sentía peor. Aunque casi no veía nada porque tenía los ojos llenos de lágrimas. Cuando llegué a casa, me estaban esperando mis primas, me dijeron que había llamado un actor amigo de ellas que había participado en las pruebas. Él había conseguido un sobre blanco y preguntó que por qué yo no había recogido el mío. Le pregunté si sabía de qué color era mi sobre. Me dijo que era blanco. Salí volando. Corrí todo el rato hasta recoger mi sobre blanco. Estaba entusiasmada. Llevada por la agitación, rompí el papel de dentro al abrir el sobre. Años después conocí a uno de los miembros del jurado y le pregunté por qué habían interrumpido mi lectura tan pronto. Él me dijo: “Nos encantó su seguridad y su impertinencia. Hablamos y no vimos ninguna necesidad de perder el tiempo. Sabíamos que era fabulosa y tenía un talento innato. Su futuro como actriz estaba asegurado”. Aquella noche, cuando me enteré de lo del sobre blanco, fue la noche que cambió mi vida. Recordaba Ingrid.

Su primera película fue Munkbrogreven de Edvin Adolphson. En 1937 se casa con el dentista Petter Lindström, relación de la que nace su hija Pia Lindström. Petter la anima a hacer una película en Alemania. Durante el rodaje de El pacto de las cuatro, Ingrid conoce a Goebbels, quien intenta convencerla para que haga películas para el III Reich, dado que era medio alemana y sabía el idioma. Su sexta película Intermezzo tuvo mucho éxito e hizo que un importante productor de Hollywood comprara los derechos de la película para que Ingrid la hiciera en inglés.2

Debut en Estados Unidos

En 1939, y después de protagonizar una docena de películas en Suecia, se traslada a los Estados Unidos para protagonizar la nueva versión de Intermezzo producida por David O. Selznick.

Estrella gracias a Casablanca

En 1942 se convierte en una de las estrellas de la época al protagonizar junto a Humphrey Bogart la película de Michael Curtiz Casablanca. 1943 supone el año en el que recibe su primera candidatura a los Óscar, en este caso por su brillante labor en la película Por quién doblan las campanas, aunque pierde el premio ante Jennifer Jones por La canción de Bernadette. Sin embargo, Ingrid Bergman se muestra satisfecha y declara públicamente frente a Jennifer Jones: Tu Bernadette es mejor que mi María.... No obstante, al año siguiente obtiene el Óscar a la mejor actriz, esta vez por su papel en Luz que agoniza. En 1945 recibe su tercera candidatura consecutiva a los Óscar, esta vez por la película Las campanas de Santa María. La actriz recibiría su cuarta candidatura a los Óscar en la categoría de mejor actriz en 1948, por su papel en Juana de Arco.

Escándalo con Roberto Rossellini

En 1949 Ingrid ve la película que cambiaría su vida y su a carrera como actriz, Roma, città aperta de Roberto Rossellini. La película le gustó tanto que decidió escribir una carta3 a Rossellini expresándole su deseo de trabajar en alguna de sus películas. Cuando Rossellini recibe la carta va a Estados Unidos para conocer a Petter y a Ingrid.2

En 1949 se traslada a Italia con 300 dólares y pensando volver en unos meses (esos meses se convirtieron en años), para rodar a las órdenes de Roberto Rossellini la película Stromboli. Durante el rodaje comienza una relación con el director italiano. Fruto de esta relación, Bergman queda embarazada de su hijo Roberto (que nacerá el 2 de febrero de 1950), lo que provoca un gran escándalo en los Estados Unidos. El escándalo llegó cuando el vicepresidente y director de Códigos de Producción, Joseph Breen, le pide que desmienta los rumores de que estaba a punto de divorciarse y abandonar a su hija para casarse con Rossellini. Fue criticada por la Iglesia Luterana de Suecia y sacerdotes de la Iglesia Católica Romana, sobre todo en los Estados Unidos, y también recibió cartas de personas que pensaban que debía ser quemada en la hoguera, no como Juana de Arco, sino como las brujas.2 El escándalo fue tal que incluso provocó que la actriz fuera declarada persona non grata en territorio estadounidense, lo que hizo que se exiliara en Italia, dejando a su marido y a su hija en los Estados Unidos.

Me llegaban cartas atroces, cada sobre iba lleno de odio. En algunas ponía que yo ardería en el infierno por toda la eternidad. Otras decían que era una agente del diablo y que mi pequeño era hijo del diablo. Y aun otras que mi bebé nacería muerto o sería jorobado. Hablaban de toda clase de horrorosas deformaciones que afectarían a mi hijo. Me llamaban puta y fulana. No podía creer que me odiara tanta gente. Al margen de lo que pensaran sobre mi vida, se trataba de mi vida privada, y yo no les había hecho nada. Estaba en estado de shock. Llegaban cartas de todas partes, pero la mayoría de América. América es muy grande, así que había gente para escribir cartas de todas clases. Roberto me preguntaba por qué las leía si me afectaban tanto. Decía que era como leer reseñas de críticos a quienes nunca les gusta tu trabajo. ¿Qué sentido tiene? Yo le respondía que era el único modo para encontrar cartas de amigos que me animaban y me apoyaban, decía Ingrid Bergman.2

Después de separarse de Lindström y tras el nacimiento de su hijo, la actriz y el director se casan el 24 de mayo de 1950. Con el director italiano tiene además otras dos hijas en 1952, las gemelas Isabella e Isotta. Finalmente, se separará de Rossellini en 1957. Durante su estancia en Italia trabajó en seis películas dirigidas por su marido, Stromboli, Europa '51, Siamo Donne, Viaggio in Italia, Giovanna d'Arco al Rogo y La Paura, en su momento fracasos de público y crítica, aunque más tarde revaloradas, muy especialmente por la crítica europea y los creadores de la Nouvelle Vague francesa.

Regreso al cine internacional

Los fracasos de su trabajo conjunto con Rossellini llevaron al matrimonio a una crisis tanto artística como financiera y así fue que en 1956, Rossellini le permitió trabajar bajo las órdenes del maestro Jean Renoir en Elena et les hommes con el que el éxito volvió a sonreírle. Ese mismo año protagoniza en Inglaterra la película Anastasia por la que ganaría su segundo Óscar a la Mejor Actriz, siendo su amigo Cary Grant quien recoge el premio en su nombre. El éxito lo redobla con su triunfo en las tablas en París, en Té y simpatía de Robert Anderson, durante la temporada 1956-57. En 1959 vuelve por primera vez a Hollywood después del escándalo de su matrimonio para presentar el Óscar a la mejor película en la 31ª Edición de la ceremonia de entrega de los Premios de la Academia. La sala la recibe con una cerrada ovación. El 23 de diciembre de 1958 se casa con el productor teatral sueco Lars Schmidt.

A partir de entonces comienza a alternar películas en Estados Unidos y en Europa, así como apariciones ocasionales en dramas televisivos y en obras de teatro. De ese período destacan sus labores en Otra vuelta de tuerca (1959), por la que recibe su primer premio Emmy; Hedda Gabler (1962, que la reúne con un brillante elenco junto a Sir Michael Redgrave, Sir Ralph Richardson y Trevor Howard); La visita (1964); Stimulantia (episodio "El collar", filmado a fines de 1964 sobre un relato de Guy de Maupassant que la reunió con su antiguo compañero de la Escuela de Arte Dramático, Gunnar Björnstrand, dirigidos ambos por el viejo mentor de Ingrid, Gustaf Molander, en la que fuera su última labor para el cine); La voz humana (1966); Flor de cactus (1969, con la que regresó por primera vez a filmar en Hollywood luego de veinte años de exilio); Cuestión de tiempo (1976, película también titulada Nina, junto a Liza Minnelli, y dirigidas ambas por Vincente Minnelli, en una película en la que además tenía una inolvidable escena junto a Charles Boyer y en la que actuaba su propia hija, Isabella Rossellini en su debut en las pantallas y era maquillada por su gemela, Ingrid Isotta Rossellini); Sonata de otoño (1978, dirigida por Ingmar Bergman, considerada por muchos su mejor labor en las pantallas). En 1974, Bergman recibe su tercer Oscar, esta vez en la categoría de mejor actriz de reparto, por su participación en la película Asesinato en el Orient Express.

En 1975 se le diagnostica un cáncer de mama y en ese mismo año se divorcia de Lars Schmidt. A pesar de su frágil salud sigue trabajando a tiempo completo.2

Su última candidatura a los Óscar la recibió en 1978 por su papel en Sonata de otoño, del director sueco Ingmar Bergman. A fines de 1981 se trasladó a Israel para la filmación de la miniserie Una mujer llamada Golda sobre la vida de Golda Meir. Las nueve semanas de rodaje (terminado luego en Londres), significaron un enorme desafío para la actriz, entonces en su etapa terminal del cáncer de mama que cerraría su vida tan sólo meses después de finalizada la filmación.

A lo largo de su vida, tres directores marcaron su carrera cinematográfica: Gustaf Molander, quien la dirigió en siete películas y con el que fue proclamada mejor promesa del cine sueco en 1935; Rossellini, quien la dirigió en seis películas y fue su marido; y Alfred Hitchcock, que la dirigió en tres ocasiones siendo ya una consolidada actriz.

Recibió el galardón italiano Ruban d'Argento a la mejor actriz extranjera en dos ocasiones, por las películas Stromboli, de 1950, y Europa 51, de 1952.

También ganó el Premio Emmy (Óscar televisivo) por sus trabajos en Turn of the screw (1959) y Una mujer llamada Golda (1982). Por esta miniserie (su último papel) obtuvo además el Globo de Oro a la mejor actriz - Miniserie o telefilme|Globo de Oro a la mejor actriz en miniserie o telefilme.

En teatro

Su labor en las tablas fue igualmente aclamada tanto en Suecia, donde debutó en los años 30, como en Broadway en donde interpretó Liliom de Ferenc Molnár (1940); Juana de Lorena de Maxwell Anderson (1946-47) y Mansiones señoriales de Eugene O'Neill (1967-68). Sus éxitos teatrales se extendieron en giras en los Estados Unidos con Anna Christie de O'Neill (1941); en toda Europa con Juana de Arco en la hoguera de Claudel y Honnegger (1953-55); en Inglaterra, Estados Unidos y Canadá con La conversión del Capitán Brassbound de George Bernarad Shaw (1971-72) y La esposa constante de Somerset Maugham (1973-75) además de sus éxitos en Francia con Té y simpatía de Robert Anderson (1956-57) y Hedda Gabler de Ibsen (1962-63) y en el West End de Londres con Un mes en el campo de Turguénev (1965-66) y Las aguas de la luna de N.C. Hunter (1977-78).

Murió de cáncer en Londres el día de su 67.º cumpleaños.

Curiosidades

  • La actriz hablaba de manera fluida cinco idiomas: sueco, inglés, italiano, alemán y francés.
  • En La soga de Alfred Hitchcock, Janet y la Señora Artwater discuten acerca de sus actores favoritos nombran a Cary Grant, y hacen referencia a una pelí­cula en la que estaba magní­fico junto con Ingrid Bergman, una pelí­cula cuyo tí­tulo no recuerda, refiriéndose a ella como “algo” (“something” en inglés). Se refieren por supuesto a Encadenados.
  • Fue una de las primeras rubias de Hitchcock.
  • Es la protagonista junto a Cary Grant (Encadenados) de uno de los besos más largos del cine en la época de la censura.
  • El cantante inglés Billy Bragg compuso una canción titulada: "Ingrid Bergman".
  • Tiene una plaza, la plaza de Ingrid Bergman, en Fjällbacka (Suecia), donde está su busto mirando hacia el archipiélago. La actriz y su familia fueron visitantes asiduos de Fjällbacka entre 1958 y 1982, pasaron muchos veranos y su casa todavía está allí. Hoy en día, la familia sigue siendo dueña de una pequeña cabaña verde en la isla Fjällbacka4 .
  • Es la segunda actriz con más premios Oscar de la historia del cine con 3 premios: 2 como Mejor Actriz y 1 como Mejor Actriz de Reparto, igualada por Meryl Streep y solo superada por Katharine Hepburn con 4 premios Oscar.
  • Es la 5ª actriz con más candidaturas al Oscar, de 7 nominaciones ganó 3 veces.
  • Ingrid Bergman, estuvo nominada en 1944 a la Mejor Actriz por Por quién doblan las campanas, en 1945 estuvo nominada por Gaslight y consiguió llevarse la estatuilla por primera vez, y en 1946 volvió a estar nominada por tercera vez consecutiva por Las campanas de Santa María. Además, tanto en 1945 como en 1946 estuvo nominada al Globo de Oro a la Mejor Actriz, ganándolo en las dos ocasiones por las respectivas películas.

Filmografía

Cine

Año Título de la película Director Papel Detalles
1932 Landskamp Gunnar Skoglund   no acreditado
1935 Munkbrogreven Edvin Adolphson Elsa Edlund  
Bränningar Ivar Johansson Karin Ingman  
Swedenshielms Gustaf Molander Astrid  
Valborgsmassoafton Gustaf Molander Lena Bergström  
1936 Intemezzo Gustaf Molander Anita Hoffman  
Pa Solsidan Gustaf Molander Eva Bergh  
1938 Dollar Gustaf Molander Miss Balzar  
''Die vier Gesellen'' Carl Froelich Marianne Kruge  
En kvinnas ansikte Gustaf Molander Anna Holm, aka Anna Paulsson  
1939 En enda natt Gustaf Molander Eva Beckman  
Intermezzo: A Love Story (Intermezzo: A Love Story) Gregory Ratoff Anita Hoffman  
1940 Juninatten Per Lindberg Kerstin Norbäc - aka Sara Nordanå  
1941 Adam Had Four Sons (Adam Had Four Sons) Gregory Ratoff Emilie Gallatin  
Rage in Heaven (Rage in Heaven) W.S. Van Dyke Stella Bergen Monrell  
Dr Jekyll and Mister Hyde Victor Fleming Ivy Peterson  
1942 Casablanca Michael Curtiz Ilsa Lund  
1943 Por quién doblan las campanas (For Whom the Bell Tolls) Sam Wood María  
1944 Luz de gas (Gaslight) George Cukor Paula Alquist Anton Oscar a la mejor actriz, Golden Globe
1945 Spellbound (conocida como Recuerda en España, Cuéntame tu vida en Argentina) Alfred Hitchcock Dr. Constance Petersen  
La exótica (Saratoga Trunk) Sam Wood Clio Dulaine  
Las campanas de Santa María (The Bells of St. Mary's) Leo McCarey Sœur Mary Benedict Golden Globe
1946 American Creed   Ella misma Corto
Encadenados (Notorious) Alfred Hitchcock Alicia Huberman  
1948 Arch of Triumph (Arch of Triumph) Lewis Milestone Joan Madou
Juana de Arco (Joan of Arc) Victor Fleming Juana de Arco (Jeanne d'Arc)  
1949 Atormentada (Under Capricorn) Alfred Hitchcock Lady Henrietta Flusky  
1950 Stromboli (Stromboli) Roberto Rossellini Karin  
1952 Europe 51 (Europa '51) Roberto Rossellini Irene Girard  
1954 Viaggio in Italia (Viaggio in Italia) Roberto Rossellini Katherine Joyce  
La paura (La paura) Roberto Rossellini Irene Wagner  
Juana de Arco en la hoguera (Giovanna d'Arco al rogo) Roberto Rossellini Juana de Arco (Jeanne d'Arc)  
1956 Ellen and the men Jean Renoir Miss Sokorowska  
Anastasia Anatole Litvak Anastasia Oscar a la mejor actriz, Golden Globe
1958 Indiscreta (Indiscreet) Stanley Donen Anna Kalman  
El albergue de la sexta felicidad (The Inn of the Sixth Happiness) Mark Robson Gladys Aylward  
1961 Aimez-vous Brahms ? (Goodbye Again) Anatole Litvak Paula Tessier  
1964 The visit (The Visit) Bernhard Wicki Kadira Zachanassian  
El Rolls-Royce amarillo (The Yellow Rolls-Royce) Anthony Asquith Gerda Millett  
1967 Stimulantia (Goodbye Again) Hans Abramson et Hans Alfredson Mathilde Hartman  
1969 Flor de cactus (Cactus Flower) Gene Saks Stephanie Dickinson  
1970 A Walk in the Spring Rain (A Walk in the Spring Rain) Guy Green Libby Meredith  
1973 De los archivos revueltos de la señora Basil E. Frankweiler (From the Mixed-Up Files of Mrs. Basil E. Frankweiler) Fielder Cook Mrs. Frankweiler  
1974 Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express) Sidney Lumet Greta Ohlsson Oscar a la major actriz de reparto, Golden Globe
1976 Nina (A Matter of Time) Vincente Minnelli Comtesse Sanziani  
1978 Sonata de otoño (Höstsonaten) Ingmar Bergman Charlotte Andergast  

Televisión

Año Titulo Director Papel Detalles
1959 Startime: The Turn of the Screw John Frankenheimer Institutriz  
1961 24 Hours in a Woman's Life Silvio Narizzano Clare Lester  
1963 Hedda Gabler Alex Segal Hedda Gabler  
1966 La voz humana Ted Kotcheff   (monologo)
1977 Great Performances: Childhood   Invitada  
1979 The American Film Institute Salute to Alfred Hitchcock   Ella misma  
1982 Una mujer llamada Golda (A Woman Called Golda) Alan Gibson Golda Meir  

Teatro

Premios y nominaciones

Óscar
Año Categoría Película Resultado
1979 Mejor actriz Sonata de otoño Candidata
1974 Mejor actriz de reparto Asesinato en el Orient Express Ganadora6
1957 Mejor actriz Anastasia Ganadora7
1949 Mejor actriz Juana de Arco Candidata
1946 Mejor actriz Las campanas de Santa María Candidata
1945 Mejor actriz Gaslight Ganadora8
1944 Mejor actriz Por quién doblan las campanas Candidata
Resumen de premios
Año Premio Categoría Resultado Película
1944 Oscar Mejor actriz Candidata Por quién doblan las campanas
1945 Oscar Mejor actriz Ganadora Gaslight
1945 Globo de Oro Mejor actriz Ganadora Gaslight
1946 Oscar Mejor actriz Candidata Las campanas de Santa María
1946 Globo de Oro Mejor actriz Ganadora Las campanas de Santa María
1946 NYFCC Award Mejor actriz Ganadora Recuerda
1947 Tony Mejor actriz principal en una obra de teatro Ganadora Juana de Lorena
1949 Oscar Mejor actriz Candidata Juana de Arco
1956 NYFCC Award Mejor actriz Ganadora Anastasia
1957 Oscar Mejor actriz Ganadora Anastasia
1957 Globo de Oro Mejor actriz - drama Ganadora Anastasia
1958 NBR Award Mejor actriz Ganadora El albergue de la sexta felicidad
1959 BAFTA Mejor actriz Candidata El albergue de la sexta felicidad
1959 Globo de Oro Mejor actriz - drama Candidata El albergue de la sexta felicidad
1959 Globo de Oro Mejor actriz - comedia o musical Candidata Indiscreta
1960 Emmy Mejor actriz - Miniserie o Película Candidata Turn of the Screw
1961 Emmy Mejor actriz - Miniserie o Película Candidata 24 Hours in a Woman's Life
1970 Globo de Oro Mejor actriz - comedia o musical Candidata Flor de cactus
1975 Óscar Mejor actriz de reparto Ganadora Asesinato en el Orient Express
1975 BAFTA Mejor actriz de reparto Ganadora Asesinato en el Orient Express
1976 César Honorifico Ganadora  
1978 NBR Award Mejor actriz Ganadora Sonata de otoño
1978 NYFCC Award Mejor actriz Ganadora Sonata de otoño
1979 Oscar Mejor actriz Candidata Sonata de otoño
1979 Globo de Oro Mejor actriz - drama Candidata Sonata de otoño
1979 NSFC Award Mejor actriz Ganadora Sonata de otoño
1982 Emmy Mejor actriz - Miniserie o Película Ganadora Una mujer llamada Golda
1983 Globo de Oro Mejor actriz de miniserie o telefilme Póstumo Ganadora Una mujer llamada Golda

 


Greta Garbo

Greta Garbo in Meyers Blitz-Lexikon 1932.jpg

Nombre real Greta Lovisa Gustafsson
Nacimiento Bandera de Suecia Södermalm, Suecia
18 de septiembre de 1905
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Nueva York, Estados Unidos
15 de abril de 1990 (84 años)
Ocupación Actriz
Años activo/a 1920-1941
Premios
Premios Óscar Óscar Honorífico en 1955
Sitio oficial
Ficha en IMDb

Greta Garbo (Estocolmo, Suecia, 18 de septiembre de 1905-Nueva York, EE. UU. 15 de abril de 1990) fue una actriz sueca de cine.

Un carácter peculiar

Nacida en Södermalm, barrio humilde de Estocolmo con el nombre de Greta Lovisa Gustafsson, se convirtió en el principal mito del Séptimo Arte. Su precoz retiro con apenas 36 años contribuyó a engrandecer la leyenda de La Garbo.

El American Film Institute la considera la quinta estrella femenina más importante de la historia del cine.

Fue conocida con los apodos de «La divina» y «La mujer que no ríe» debido al rictus serio de su rostro, sólo interrumpido en una escena de su memorable filme Ninotchka donde suelta sorpresivamente una carcajada. Esta excepción hizo correr ríos de tinta en los periódicos con el titular «La Garbo ríe».

Su vida siempre estuvo rodeada de misterio y de múltiples preguntas que jamás respondió. Se retiró a edad muy temprana y vivió el resto de su vida casi recluida.

Precisamente su enigmático comportamiento y su pertinaz soltería dieron pie a múltiples rumores en los medios acerca de su bisexualidad; entre esos rumores, el de ser amante de la actriz mexicana Dolores del Río y de la escritora Mercedes de Acosta, con quien mantuvo 28 años de amistad y abundante correspondencia que quedó como un legado después de la muerte de Mercedes en 1968.1

También fue sospechosa su distante relación con Marlene Dietrich; ambas fingieron que no se conocían hasta que las presentó Orson Welles en 1945, pero se ha desvelado que habían trabajado juntas en una película muda, siendo muy jóvenes ambas, y que tuvieron una breve relación. Según estos rumores, Greta se sintió maltratada y burlada por Marlene, y al hacerse famosas optaron por evitarse y negar todo contacto. Dietrich consideraba a La Garbo como una mujer estrecha de mente, de carácter provinciano y siempre se refería a ella en términos despectivos. Tantos rumores que sus amigos nunca confirmaron o desmintieron, a la larga sólo acrecentaron la leyenda de Greta Garbo, convirtiéndola en uno de los más grandes mitos del séptimo arte.

Aún hoy su rostro es considerado quizás el más perfecto que haya pasado por la gran pantalla. El semiólogo Roland Barthes lo considera «un arquetipo del rostro humano» y afirma:

El rostro de la Garbo representa ese momento inestable en que el cine extrae belleza existencial de una belleza esencial.2

Ramón Novarro, su contraparte en el film sobre Mata Hari de 1931, opinó de su pareja fílmica:3

(Garbo) Es todo lo que uno podría soñar. Además de hermosa, es seductora, llena de misterio, con una lejanía que sólo los hombres comprenden, porque esa es una cualidad que usualmente sólo se encuentra en los hombres.” - “Pienso que todos deberían casarse, todos excepto los artistas. No se puede servir a dos amos: matrimonio y arte… Greta Garbo es, ante todo, la artista y yo, espero, también lo soy. Ella ha prometido que no se casará nunca y sé que yo tampoco lo haré

Ramón Novarro (1931)

Biografía

Greta Garbo inició su carrera como actriz en Suecia, en la época del cine mudo, donde participó en varias producciones como extra y en otras dos junto al director Mauritz Stiller, quien también sería contratado por Hollywood.

Primeros años

A la temprana edad de 14 años, el padre de Greta muere y ella se vio forzada a abandonar la escuela para trabajar, y de este modo ayudar a la familia en su desventajada condición económica (estando sólo su madre y dos hermanos); consiguió ella entonces un trabajo en un gran almacén conocido como Pub, en Estocolmo, y no tardó mucho en ser escogida, por su tipo, para las campañas publicitarias de los grandes almacenes. Tan pronto como apareció su foto en los periódicos, la escogieron para un cortometraje publicitario para la misma cadena Pub. Esto en definitiva, le hizo probar el sabor de lo fílmico, y pronto aparecería en otro cortometraje. Un director de comedias, Eric Petscher, le daría una pequeña oportunidad en su producción Luffar-Petter (Pedro el Tramposo) en el año 1922 y muy pronto la joven Greta, recibiría una beca para una escuela de drama en Estocolmo.

De Suecia a Hollywood

En el año 1924, Garbo tendría la primera gran oportunidad, cuando el afamado director Mauritz Stiller le dio un papel en su filme La leyenda de Gosta Berling (Gosta Berlings Saga). El éxito de esta película benefició a ambos; Greta y Stiller fueron contratados con la gran M.G.M. (Metro Goldwyn Mayer) en California. Su primer filme fue El Torrente (The Torrent) y poco a poco Garbo se convirtió en una de las grandes estrellas del cine mudo con películas como Amor (Love) y La mujer ligera (A woman of Affairs) entre otros. Con el galán John Gilbert rodó tres películas casi consecutivas de gran éxito. Iniciaron un idilio y decidieron casarse, pero Garbo no se presentó a la boda y Gilbert terminó ese día peleándose con el productor Louis B. Mayer, que se había reído de ella. A pesar de este desencuentro amoroso, Garbo y Gilbert siguieron trabajando juntos y cuando él ya vivía su declive como estrella, ella le recuperó para un papel en La reina Cristina de Suecia.

Del cine mudo al sonoro

 

El ascenso de Greta Garbo como estrella fue en los últimos años del cine mudo, pero la llegada del sonoro no la perjudicó como a Mary Pickford, Gloria Swanson y otras divas del momento. Aunque las novedosas películas con sonido delataban su fuerte acento sueco, Garbo retuvo y reforzó su estrellato, y ya con su primera película sonora (Anna Christie de Clarence Brown) fue nominada al premio Óscar.

Películas como Mata Hari, La reina Cristina de Suecia y Anna Karenina afianzaron la leyenda de «la Garbo». Se cuenta que al rodar Ninotchka, y por miedo al fracaso, quiso dejar la profesión, si bien ya anteriormente había ido reduciendo sus trabajos.

Fue nominada como mejor actriz por la Academia Americana de Cine en 1930, 1932, 1937 y 1939, pero nunca recibió un Óscar, olvido que años más tarde la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas decidió enmendar con un Óscar honorífico en 1954 que rechazó, porque según sus propias palabras «no quería verle la cara a nadie».

Una gama de exitosas películas continuarían, pero serían filmes como Grand Hotel, La reina Cristina de Suecia, Ana Karenina y Camille las que siempre se asociarían a su imagen e incluso le valieron nuevas nominaciones al Óscar. En 1939 Garbo realiza su primera comedia, Ninotchka, la que no sólo fue un gran éxito comercial y de taquilla, sino que contribuyó a una nueva nominación al Óscar. M.G.M encontró una nueva forma de mercadear a una de las más grandes estrellas: como comediante. En 1941 Garbo volvió a la comedia ligera con el filme La mujer de dos caras (Two-Faced Woman), que sería su última aparición en el cine.

Greta Garbo fue asociada a la frase «Quiero estar sola», si bien ella precisó: «Quise decir que me dejen en paz, lo que es diferente». Su estilo de vida fue calificado de ermitaño y un tanto huraño, pues a diferencia de otras estrellas la Garbo se mantuvo alejada de los grandes eventos de Hollywood, prefiriendo la soledad y el anonimato.

Retiro prematuro

En la cúspide de la popularidad, Garbo dejó el mundo del cine a la temprana edad de 36 años y vivió el resto de su vida en un bien alhajado apartamento en Nueva York cerca de Central Park, totalmente retirada y evitando cualquier contacto con los medios informativos. No acudía a fiestas ni actos públicos; incluso cuando le ofrecieron un Óscar Honorífico, lo rechazó. Su última entrevista fue tan breve como sorprendente: el periodista empezó diciendo «Yo me pregunto...» y ella le interrumpió y se marchó diciendo «¿Por qué preguntarse?».

Tras sus años en Hollywood, Garbo se muda a la ciudad de Nueva York, y en el año 1951 se hace ciudadana estadounidense. Finalmente en el 1954, recibió un Óscar por su gran trayectoria cinematográfica. En los siguientes 30 años de su vida mantendría contacto con grandes personalidades de la Jet Set y a pesar de no haber aparecido en ninguna película desde La mujer de dos caras en 1941, el interés del público hacia su persona nunca decayó; los paparazis la asediaban constantemente, y los rumores de su regreso al cine (algunos falsos, otros reales), nunca faltaron. Garbo más tarde comentaría: «Mi vida ha sido una travesía de escondites, puertas traseras, ascensores secretos, y todas las posibles maneras de pasar desapercibida para no ser molestada por nadie». La gran estrella de antaño pasó a convertirse en la reclusa más famosa del mundo.

Los periodistas la acosaron hasta el último momento e hicieron guardia ante su casa persiguiéndola para fotografiarla en su vejez, motivo por el cual se la veía siempre con gafas oscuras y sombreros que ocultaban su rostro. Tales precauciones no bastaron; fue fotografiada en varias ocasiones, incluso en el año de su muerte, y en 1976 la revista People publicó imágenes suyas nadando desnuda, captadas con teleobjetivo.

A pesar de su temprana retirada, contó con una importante fortuna gracias a sabias inversiones inmobiliarias en la lujosa zona de Rodeo Drive (Beverly Hills, Los Ángeles). Pero vivió con sencillez, comiendo frugalmente, y aunque se relacionó con famosos como Aristóteles Onassis y el fotógrafo Cecil Beaton, vestía de forma muy discreta y llevaba el pelo cano, sin teñir, para pasar desapercibida.

Fallecimiento

 

La salud de Garbo comenzó a declinar a mediados de la década de 1980 y el 15 de abril de 1990 muere víctima de un síndrome renal y de neumonía en la ciudad de Nueva York. Tenía 84 años. En junio del 1999 sus cenizas fueron enterradas en el cementerio Skogskyrkogarden en Estocolmo. Su fortuna, estimada en 20 millones de dólares, fue heredada por una sobrina suya, residente en Nueva Jersey.

Filmografía

  • Mr. and Mrs. Stockholm Go Shopping (1920)
  • The Gay Cavalier (1920) – Intervino como extra no acreditada.
  • Our Daily Bread (1921)
  • The Scarlet Angel (1921) – Como extra no acreditada.
  • Peter the Tramp (1922)
  • The Story of Gösta Berling (La leyenda de Gösta Berling) (1924). Director: Mauritz Stiller.
  • The Joyless Street (Bajo la máscara del placer) de Georg Wilhelm Pabst (1925)
  • The Torrent (Entre naranjos) (1926), basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez
  • The Temptress (La tierra de todos) (1926). Su primer trabajo en EE.UU.
  • Flesh and the Devil (El demonio y la carne) (1926), con John Gilbert.
  • Love (1927), con John Gilbert. Adaptación libre de la novela Anna Karenina.
  • The Divine Woman (La mujer divina) (1928). Sólo subsisten nueve minutos de película.
  • The Mysterious Lady (La dama misteriosa) (1928)
  • A Woman of Affairs (La mujer ligera) (1928), con John Gilbert.
  • Wild Orchids (Orquídeas salvajes) (1929)
  • The Single Standard (Tentación) (1929)
  • The Kiss (El beso) (1929)
  • Anna Christie (1930). Primera película Sonora de Garbo, y su primera nominación al Óscar.
  • Romance (Romance) (1930). Segunda nominación al Óscar a la mejor actriz.
  • Anna Christie (1931). Versión alemana de la película del año anterior.
  • Inspirtation (1931)
  • Susan Lenox (1931)
  • Mata Hari (1931)
  • Grand Hotel (1932)
  • As You Desire Me (Como tú me deseas) (1932)
  • La reina Cristina de Suecia (1933). Director: Rouben Mamoulian.
  • The Painted Veil (El velo pintado) (1934)
  • Ana Karenina (1935). Premio del Círculo de críticos de Nueva York a la mejor actriz.
  • Camille (Margarita Gautier) (1936). Tercera nominación al Óscar a la mejor actriz.
  • Conquest (María Walewska) (1937)
  • Ninotchka (1939). Director: Ernst Lubitsch. Cuarta nominación al Óscar a la mejor actriz.
  • Two-Faced Woman (La mujer de las dos caras) (1941). Director: George Cukor.

Premios y distinciones honoríficas

Obras póstumas sobre Greta Garbo

Greta Garbo se convirtió en un icono del cine y tras su muerte se evocó su figura en distintas obras cinematográficas y literarias.

Documentales

Literatura

El escritor palentino César Arconada publicó en 1926 una célebre Vida de Greta Garbo. No se trata de una biografía convencional, sino de un libro vanguardista y fantasioso, escrito con una prosa magnífica.8

El poeta Antonio Portela dedicó un poema a Greta Garbo en su libro Dogos9 y realizó su tesis doctoral con el tema El mito de Greta Garbo en la Literatura española e hispanoamericana, bajo la dirección del profesor Luis García Jambrina. Esta tesis fue defendida ante el tribunal el 27 de mayo de 2013, en la Universidad de Salamanca.10

En La vida después (Planeta, 2011) de Marta Rivera de la Cruz se cuenta la historia de una supuesta película inédita de Greta Garbo que se descubre tras su muerte.11

La relación profesional entre el director de cine Clarence Brown y la actriz está recreada en el relato de Óscar Esquivias "La casa de las mimosas" (2010).12 13

El escritor Montero Glez ha evocado la relación lésbica entre Greta Garbo y Mercedes de Acosta en su cuento «El secreto de la Garbo», publicado en el libro Polvo en los labios (Editorial Lengua de trapo, 2012).14

 


Marilyn Monroe

Studio publicity Marilyn Monroe.jpg

Nombre real Norma Jeane Mortenson
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Los Ángeles, California, Estados Unidos1
1 de junio de 1926
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Los Ángeles, California
5 de agosto de 1962 (36 años)
Ocupación Actriz, cantante y modelo
Familia
Cónyuge James Dougherty
(1942-1946)
Joe DiMaggio (1954)
Arthur Miller (1956-1961)
Premios
Globos de Oro Mejor actriz - Comedia o musical
1960 Some Like It Hot
Sitio oficial
Ficha en IMDb

Marilyn Monroe (pronunciado ['mæ.ɹɪ.lɪn mɔn.'ɹəʊ]) (Los Ángeles, California, Estados Unidos, 1 de junio de 1926íbidem, 5 de agosto de 1962), nacida como Norma Jeane Mortenson y bautizada como Norma Jeane Baker, fue una actriz de cine, cantante y modelo estadounidense. Con el paso del tiempo, llegó a ser una de las actrices más famosas de Hollywood y uno de los principales símbolos sexuales de todos los tiempos.1

Comenzó su carrera como modelo fotográfica y a partir de 1946 comenzó a interpretar pequeños papeles en películas de bajo presupuesto. Los primeros papeles destacados los interpretó en las películas The Asphalt Jungle (La jungla del asfalto, 1950) y All About Eve (Eva al desnudo, 1950). Su reconocimiento mundial comenzó a desarrollarse después de que protagonizara el musical Los caballeros las prefieren rubias (1953) y apareciera en el número inaugural de la revista Playboy.2

Interpretó el papel principal en las comedias Cómo casarse con un millonario (1953), The Seven Year Itch (La tentación vive arriba, 1955) y Bus Stop (1956), y gracias al éxito taquillero de estas películas, desde entonces comenzó a ser considerada como una de las actrices más rentables de la industria cinematográfica. Su mayor éxito comercial fue Some Like it Hot (Con faldas y a lo loco, 1959), filme por el que ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia.3

Fue considerada como una de las mujeres más atractivas de la historia del séptimo arte, pero su explosiva belleza la condicionó artística y emocionalmente, obligándola a proyectar una imagen seductora y superficial que encubría su personalidad real, sensible e inestable desde la infancia. Estuvo casada con el jugador de béisbol Joe DiMaggio, en 1954, y luego con el dramaturgo Arthur Miller, entre 1956 y 1962.

Monroe falleció el 5 de agosto de 1962 a causa de una sobredosis de barbitúricos, en circunstancias nunca esclarecidas. La primera hipótesis que barajó la justicia estadounidense fue la de suicidio, pero ésta nunca pudo ser corroborada.3

El American Film Institute la considera la sexta mejor estrella femenina de todos los tiempos.

Biografía

Primeros años

Gladys Pearl Baker (apellido de nacimiento Monroe, 27 de mayo de 1902 – 11 de marzo de 1984)4 se casó con el noruego Edward Mortenson y, poco después de separarse, descubrió que estaba embarazada.5 El 1 de junio de 1926 nació en Los Ángeles su hija Norma Jeane Mortenson, según consta en el registro civil para que no fuera ilegítima, y llamada Norma Jean Baker en la práctica.6 7 Gladys, que trabajó como cortadora de negativos en la productora de cine RKO Pictures,7 5 no podía mantener a su hija por problemas económicos y emocionales y la dejó al cuidado de un matrimonio adoptivo: Albert e Ida Bolender, residentes en Hawthorne (California).8

Cuando Gladys consiguió una casa propia decidió llevarse consigo a su hija, pero al cabo de unos meses sufrió una crisis nerviosa y la custodia de Norma Jeane la obtuvo la mejor amiga de su madre, Grace McKee, quién despertó su interés por el cine y quién la incentivó para que fuera, en un futuro, actriz.7 5 Cuando su tutora se casó en 1935 y se trasladó a la costa oeste de Estados Unidos, Norma Jeane fue dada en adopción a otras familias, hasta que dos años después consiguió la custodia. Solo por unos meses, puesto que la custodia la obtuvo poco después el tío de la mejor amiga de su madre, Olive Brunings, después de que Norma acusara al marido de Grace McKee de haberla violado. A los 12 años volvió a ser violada, esta vez por uno de los hijos de Brunings.9

Pero, también a los doce años, ocurrió algo importante en su vida: descubrió que tenía una hermanastra mayor por parte de madre. Se llamaba Bereniece y empezaron a escribirse cartas, hasta que un día pudieron ponerse en contacto. Hasta la muerte de Norma, ya convertida en la gran estrella Marilyn Monroe, las hermanastras tuvieron una relación muy estrecha. Norma descubrió que no estaba tan sola como creía. Mientras tanto, después de la violación, se fue a vivir con una de las tías de McKee hasta que la señora empezó a tener problemas de salud y le fue imposible cuidar de ella. De nuevo en casa de McKee, Norma tomó una decisión que cambiaría su vida. El marido de McKee había recibido una oferta de trabajo e iban a mudarse, por lo que ella tendría que ir a un orfanato. Para evitarlo, se casó con el hijo policía de una vecina en junio de 1942. Norma tenía 16 años y James Dougherty, 21. Desde entonces ella dejó de estudiar para dedicarse a su papel de buena esposa y buena ama de casa.5

En 1943, cuando Estados Unidos entró a formar parte en la Segunda Guerra Mundial, Dougherty se enroló en la marina y fue enviado como instructor a la Isla de Santa Catalina, frente a Los Ángeles, para luego embarcarse hacia Australia. Norma Jeane, al quedarse sola, se trasladó a casa de su suegra, con quien trabajó luego en una fábrica de municiones: la Radio Plane de Burbank.5

Carrera

Ingreso al medio artístico y debut en el cine (1944-1947)

Mientras trabaja en la fábrica, un fotógrafo la retrató en su puesto de trabajo. Sin saberlo, había descubierto a la que poco después sería la gran Marilyn Monroe. Ella, por su parte, logró cotizarse como modelo y fue portada de decenas de revistas.1 5 Pero, su trabajo como modelo era algo que no le gustaba a su marido y éste le puso contra la espada y la pared: o continuaba siendo una «buena» ama de casa o bien emprendía su camino hacia la fama. En 1946, apostando por su futuro, Norma se divorcia de su marido y se presenta a varios castings. Fue contratada por uno de los ejecutivos de la Twentieth Century Fox para trabajar como extra de cine durante seis meses.10 Fue él quien le propuso el nombre artístico de Marilyn Monroe: Marilyn por la actriz Marilyn Miller y Monroe por ser el apellido de soltera de su madre. En sus primeros papeles interpretó a una telefonista en la película musical The Shocking Miss Pilgrim y a una camarera en Dangerous Years. La escasa aceptación que estas películas recibieron de la crítica y del público hicieron que su contrato no fuese renovado en 1947.11

Contrato con Fox y revelación como actriz (1949-1952)

En 1948, Monroe firmó un contrato semestral con Columbia Pictures para interpretar a la bailarina Peggy en el musical Ladies of the Chorus.12 La película no tuvo mucho éxito, por lo que su contrato fue rescindido. Sin embargo, a partir de entonces solo apareció en películas producidas por la Twentieth Century Fox desde que firmó un contrato de seis años en 1949.13 14 Participó con un breve papel en la comedia Amor en conserva de los Hermanos Marx, y en 1950 interpretó a Ángela, la amante de un abogado, en la película policíaca La jungla de asfalto.15 En ese mismo año también participó en la película Eva al desnudo, protagonizada por Bette Davis, donde interpretó a Claudia Caswell, una actriz de teatro. Por sendas interpretaciones recibió críticas positivas.16

En febrero de 1951 se inscribió en la clases nocturnas de arte y literatura de la Universidad de California. En ese año interpretó, en varias películas de bajo presupuesto como Home Town Story, As Young as You Feel y Love Nest, papeles secundarios.17 Las perspectivas de su carrera comenzaron a mejorar cuando actuó a las órdenes de Fritz Lang en Clash by Night (1952), con un elenco que incluía a Barbara Stanwyck, Paul Douglas y Robert Ryan. Nuevamente su actuación recibió buenas críticas y poco después actuó en We're Not Married, comedia donde trabajó junto a Ginger Rogers y Zsa Zsa Gabor, y en Don't Bother to Knock, un thriller donde interpretaba a una niñera perturbada a la que vigila Richard Widmark. Fue su primer papel protagonista y, en palabras suyas, le exigió escenas de gran carga dramática, pero no obtuvo el éxito esperado. En Monkey Business (Me siento rejuvenecer), donde fue dirigida por Howard Hawks y actuó junto a Cary Grant y Ginger Rogers,18 19 mostró, por primera vez, la que sería su imagen definitiva: melena corta ondulada en un rubio platino. Pocos años antes se había sometido a una discreta rinoplastia.

Consagración (1953-1954)

En 1953, después de participar en películas de bajo presupuesto, la actriz tuvo un papel protagonista: Rose en Niágara. Y fue porqué el por aquel entonces presidente de la Twenty Century Fox, Darryl F. Zanuck, lo pidió.20 Así fue como Marilyn Monroe sustituyó a Anne Bancroft y como consiguió críticas dispares: unos decían que no estaba a la altura del papel y otros quedaron eclipsados por su explosiva belleza.21 22 A modo de curiosidad, destacar que los famosos cuadros de Andy Warhol sobre Marilyn tienen como modelo una imagen promocional de esta película.

En diciembre de ese mismo año, Marilyn apareció en el número inaugural de Playboy, siendo por lo tanto la primera chica del mes de la revista. En la portada se reproducía una fotografía de la actriz con un vestido de escote pronunciado, que había suscitado críticas, pero el interior era aún más explosivo: como póster central se reproducía la fotografía Sueños dorados, donde Marilyn totalmente desnuda sobre una sábana de raso mostraba sus medidas 94-58-92.23 En realidad Marilyn no había posado expresamente para la revista: la imagen era de 1949, cuando ella era una desconocida de cabello más largo y oscuro, y se había tomado para un calendario. Pero Hugh Hefner compró los derechos justo a tiempo para explotar el creciente estrellato de la actriz.

La actriz protagonizó junto a Jane Russell la película Los caballeros las prefieren rubias (1953).24 Allí interpretó a Lorelei Lee, una cantante y bailarina. Su trabajo en este filme recibió buenas críticas y su interpretación del número musical "Diamonds Are a Girl's Best Friends" se convirtió en un clásico de los musicales.,25 siendo recreada décadas después por Madonna. En ese mismo año, Marilyn trabajó con Lauren Bacall y Betty Grable en How to Marry a Millionaire (Cómo casarse con un millonario). En esta comedia interpretó a Pola, una modelo que alquila junto a sus amigas un lujoso departamento con el objetivo de atraer acaudalados desprevenidos para poder casarse con ellos. La película obtuvo críticas positivas y buena recaudación, y nuevamente la actuación de Monroe recibió buenas reseñas.26

En 1954 la actriz apareció en la película de Otto Preminger, River of No Return (Río sin retorno), junto a los actores Robert Mitchum, Rory Calhoun, Tommy Rettig y Murvyn Vye. Se trató de un western en el que ella interpretó el papel de una cantante de saloon que conoce a un rudo vaquero, con el que vive distintas aventuras. La película obtuvo críticas negativas y no le fue bien financieramente.27 En ese mismo año actuó en There's No Business Like Show Business (Luces de Candilejas), una comedia musical donde compartió escena con Ethel Merman, Donald O´Connor y Mitzy Gaynor.28 La película recibió críticas negativas y no tuvo una buena recaudación. Posteriormente rechazó filmar una película con Frank Sinatra por no estar conforme con el argumento de la misma y con el salario que recibiría. Esto hizo que el estudio para el que trabajaba la suspendiera durante un breve lapso temporal en el que permaneció alejada de la actuación, aunque realizó presentaciones como cantante en Japón para entretener a las tropas estadounidenses.29

Estadía en Japón y The Seven Year Itch (1954-1955)

Tras un breve receso, Monroe aceptó el papel de La Chica en la comedia The Seven Year Itch (La tentación vive arriba en España y La Comezón del Séptimo Año en Argentina), de 1955, adaptación cinematográfica de la obra teatral del mismo nombre.30 31 Por su trabajo en esta película recibió críticas positivas de diversas fuentes y su primer nominación al premio BAFTA como Mejor actriz extranjera. Por su parte, The Seven Year Itch fue un gran éxito comercial, ya que recaudó más de ocho milllones de dólares32 , pero contribuyó a la crisis matrimonial entre Marilyn y Joe DiMaggio, disgustado por la famosa escena del vestido y, en general, por la imagen provocativa que Marilyn proyectaba. La pareja se divorciaría rápidamente. Después, el estudio ofreció a la actriz un contrato más ventajoso desde el punto de vista comercial y artísitico, en el que se incluyó una cláusula que señalaba que recibiría un porcentaje de la recaudación y otra que le concedía la posibilidad de realizar una producción independiente cada año.33 34

Ingreso al Actor's Studio y creación de la Marilyn Monroe Productions (1955-1957)

A mediados de la década de 1950, Monroe se mudó a Nueva York y dejó de actuar durante un periodo breve de tiempo, pues quería formar su propia productora de cine y perfeccionar sus dotes actorales. Se inscribió, por sugerencia de su amigo Truman Capote, en las lecciones de teatro otorgadas por Constance Collier, quien murió días después del inicio del curso. Fue entonces cuando se matriculó en el Actors Studio, en las clases impartidas por Lee Strasberg.35 Cuando Strasberg consideró que ella estaba lo suficientemente preparada para actuar frente a sus colegas, le sugirió que interpretase junto con Maureen Stapleton una escena de la obra Anna Christie, de Eugene O'Neill.36 Por su actuación en esta pieza teatral recibió críticas muy positivas por parte de su profesor y de sus colegas.36 37 38

En 1956, Monroe regresó al cine interpretando el papel de Cherie en la película Bus Stop. Gracias a un nuevo contrato que firmó con la Twenty Century Fox en ese año, la actriz pudo elegir director. Optó por Joshua Logan, quien había sido formado con el mismo método de interpretación que ella.39 Nuevamente la actuación de Monroe recibió buenas críticas. Lohan, en su autobiografía, escribió: «Marilyn es una de las actrices más talentosas de todos los tiempos, ella es realmente brillante. Creo debió haber sido nominada como mejor actriz a los premios Óscar». Bosley Crowther, del periódico The New York Times, señaló: «Marilyn Monroe se probó a sí misma que es una actriz».40 Ese año fue nominada al premio Globo de Oro por Mejor actriz de comedia o musical.41

El 29 de junio de 1956, la actriz y Miller se casaron en una doble ceremonia, civil y religiosa.42 La prensa accedió a la casa donde se celebró el evento, pero en una de la persecuciones en busca de fotografías murió accidentalmente una periodista que cubría el acontecimiento.38 Después, el matrimonio partió hacia la ciudad de Londres, donde Monroe rodó la primera película de la Marilyn Monroe Productions, El príncipe y la corista (1957). Allí fue dirigida por Laurence Olivier, con quién además compartió el protagonismo. El rodaje resultó ser muy angustioso para la actriz, porque perdió un embarazo a causa de un aborto espontáneo. En este período, debido a sus trastornos emocionales y anímicos, se volvió adicta al alcohol y a los barbitúricos.43 La actuación de Monroe tuvo muy buena recepción por parte de los críticos de cine, incluso ganó el premio David di Donatello a la mejor actriz extranjera en Italia y estuvo nominada al premio BAFTA como mejor actriz.

Some Like it Hot (1959)

En 1959, Monroe participó en la película Some Like it Hot (Con faldas y a lo loco o Una Eva y dos Adanes en algunos países de Latinoamérica), con un elenco que incluía a Jack Lemmon y Tony Curtis, dirigida por Billy Wilder.44 Durante el rodaje, Monroe siempre llegaba tarde, constantemente pedía repetir las tomas y con mucha dificultad lograba memorizar sus líneas; esto hizo que se enemistara con sus compañeros, especialmente con Tony Curtis. La filmación resultó ser también angustiosa para la actriz porque allí quedó embarazada, supuestamente por un breve idilio con Curtis, pero nuevamente sufrió un aborto espontáneo.45

La película tuvo un gran éxito de crítica y público; fue la más taquillera de ese año y consiguió cinco nominaciones a los premios Óscar. Monroe interpretó a "Sugar", una chica romántica, desafortunada en el amor y vulnerable; una rubia superficial, no demasiado inteligente, víctima de la maldad de los otros. Por su actuación ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical. Más tarde, Wilder comentó que esta película fue uno de los logros más importantes de toda su carrera.46

Últimas películas y problemas de salud (1960-1962)

Después de Some Like It Hot, la actriz firmó un nuevo contrato con la Twenty Century Fox. Actuó en el musical Let's Make Love, bajo la dirección de George Cukor. El rodaje de la película se retrasó por las condiciones físicas de Monroe y porque, a petición de ella, el guion fue reescrito por Arthur Miller.47 Los cambios que realizó el dramaturgo hicieron que Gregory Peck rechazara encarnar el papel principal del filme; Cary Grant, Charlton Heston, Yul Brynner y Rock Hudson también rechazaron el papel, por lo que el estudio se lo ofreció al actor y cantante francés Yves Montand.48 Monroe y Miller se hicieron amigos de Montand y su esposa, la actriz Simone Signoret. Cuando Signoret regresó a Francia para filmar una película, Monroe y Montand tuvieron un breve romance, estando ambos casados. Si bien ella le pidió a él que abandone a Signoret, cuando el rodaje terminó, él volvió a su país con su esposa.49 La película tuvo críticas negativas y no le fue nada bien financieramente.50

Durante este período, la salud y el estado emocional de Monroe se fue deteriorando notablemente. Con frecuencia llamaba por teléfono al Dr. Ralph Greenson, su psiquiatra y psicoanalista, en las noches para combatir su insomnio. También visitó a otros médicos cuando él creía que era necesario recetarle nuevos fármacos.51

En el año 1960, Monroe formó parte del elenco de la película The Misfits (Vidas rebeldes), de John Huston, cuyo guion fue escrito especialmente por Arthur Miller para ella. La actriz interpretó a Roslyn, un personaje que su esposo calcó de situaciones, diálogos y momentos de su vida. El elenco incluía, entre otros, a Clark Gable, Montgomery Clift y Thelma Ritter. La filmación comenzó en julio de ese año y se llevó a cabo en el desierto de Nevada. El estado anímico de Monroe no era bueno; faltaba con frecuencia al rodaje, tenía dificultades para poder concentrarse y para dormir consumía fuertes dosis de fármacos y alcohol.52

En el mes de agosto, la actriz fue hospitalizada de urgencia en Los Ángeles durante diez días. Los periódicos indicaban que la actriz estaba cerca de la muerte, pero no revelaron las causas de su internamiento.53 Después de esto, Monroe regresó a Nevada y terminó de filmar la película.54 En noviembre, la actriz y su esposo regresaron separados a la ciudad de Nueva York y ella se refugió en casa de Lee Strasberg.55

The misfits fue mal recibida por los críticos, pero la actuación de Monroe, al igual que la de Gable, recibió críticas muy positivas. En una entrevista, Huston dijo: "Marilyn excavó dentro de sus propias experiencias personales para sacar a la superficie algo único y extraordinario. No tenía técnica de actuación. Era todo verdad, era solo ella".56

Durante los siguientes meses, la adicción de Monroe a los fármacos y al alcohol la pusieron al borde de la muerte nuevamente.56 El 20 de enero de 1961, se divorció de Miller. En el mes de febrero ingresó en la clínica psiquiátrica Payne Whitney, experiencia que luego ella misma describió como «una pesadilla». Después logró comunicarse con Joe DiMaggio, quien hizo que la trasladaran de esa clínica a un hospital normal. Su delicado estado de salud le impidió trabajar el resto del año.57

En 1962, Monroe regresó a la actuación protagonizando, junto a Dean Martin, la película Something's Got to Give. Al momento de comenzar el rodaje, la actriz estaba muy delicada de salud, con frecuentes sinusitis, bronquitis y síntomas cada vez más marcados de inseguridad. La 20th Century Fox confiaba en este proyecto para sanear su economía, ya que la empresa amenazaba quebrar, debido a los desmesurados gastos que le generó la película Cleopatra (1963). El 9 de mayo del mismo año tuvo lugar, en Nueva York, la gala por el cumpleaños del entonces presidente estadounidense John F. Kennedy, en la que Monroe le cantó el "Happy Birthday Mr. President". Para acudir a esta gala, la actriz se ausentó durante siete días del rodaje, a pesar de que el estudio le exigió que se quedara para cumplir con su trabajo.58

Luego, Monroe retornó al rodaje de Something's Got to Give y filmó las escenas en las que se mostró desnuda en una piscina. Estas imágenes luego aparecieron en la portada de la revista Life. Refiriéndose a la tapa de este semanal, ella comentó: "Quiero expulsar a Elizabeth Taylor de las portadas de las revistas". Por sus retrasos y repentinas ausencias del rodaje, fue despedida. La Fox intentó completar la película utilizando a otra actriz, pero Dean Martin se opuso, por lo que a la cinematográfica no le quedó más remedio que readmitirla.59 En junio del mismo año, realizó la que sería su última y más recordada sesión fotográfica titulada póstumamente The last sitting,60 programada originalmente por la revista estadounidense Vogue y retratada por el fotógrafo Bert Stern.

Después de que la readmitieran, Monroe retomó las negociaciones con la productora para discutir su futuro profesional.61 El estudio tenía pensado para ella retratar a Jean Harlow en una película biográfica, después filmada por Carroll Baker. También quería que actuara en las comedias: Irma la Douce, What a Way to Go!, ambas luego protagonizadas por Shirley MacLaine, y Kiss Me, Stupid, más tarde protagonizada por Kim Novak.61 El acuerdo al que llegaron estableció que recibiría un millón de dólares por película y que tenía la libertad de elegir director y coprotagonistas.62

Fallecimiento

 

El 5 de agosto de 1962, a las 4:55 de la madrugada, el jefe del departamento policial de Los Ángeles, Jack Clemmons, recibió una llamada inquietante. Su interlocutor era el doctor Greenson, psiquiatra de Marilyn Monroe, y el mensaje era claro: la actriz había muerto. El policía fue el primero en llegar al lugar y la primera autopsia reveló que había fallecido por una sobredosis de barbitúricos.63

Teniendo en cuenta que el informe policial calificó la causa de la muerte como un «probable suicidio» por falta de pruebas, muchos creen que fue asesinada. Se dice que el presidente Kennedy y su hermano Robert ordenaron su muerte para evitar que ella, tildada de ingenua, revelara información importante. También se apuntó a que la mafia temía que la actriz informara a la policía sobre los negocios que mantenían con el cantante Frank Sinatra y por eso acabaron con su vida.

Euniece Murray, su ama de llaves, fue entrevistada 23 años después y confirmó que aquella noche no conseguía dormir. Se levantó y observó que las luces de la habitación de Monroe estaban encendidas. Cuando llegó se encontró a la mujer desnuda y sin vida sobre la cama. Su psiquiatra, Hyman Engelberg, dijo que recibió gran cantidad de llamadas de mujeres un día después de su muerte diciéndole que si tan solo hubieran sabido que Marilyn tenía problemas, hubieran hecho lo posible por ayudarla. Entonces se dio cuenta que Marilyn no solo llamaba la atención de los hombres, sino que también las mujeres sentían aprecio por ella.64

Tres días después de la muerte, Joe DiMaggio, su segundo esposo, realizó el funeral en privado.

No puedo decirle adiós a Marilyn, nunca le gustaba decir adiós. Pero, adoptando su particular manera de cambiar las cosas para así poder enfrentarse a la realidad, diré hasta la vista. Porque todos visitaremos algún día el país hacia donde ella ha partido.

Lee Strasberg, actor y amigo de Marilyn Monroe.

Sus restos se encuentran en el cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.65

Personalidad

Marilyn Monroe tenía dos facetas muy marcadas en su personalidad, por un lado era una mujer que prodigaba una gran femeneidad y vulnerabilidad, glamour y seducción muy estudiada y era muy consciente de sus dones como mujer rubia y muy atractiva sexualmente que a veces pasaba por tonta sin serlo; por otro lado, Monroe era esclava de la primera faceta, para ella era muy importante lo que opinaban las personas que le importaban. Desarrolló una personalidad neurótica, depresiva66 y obsesiva que revelaba carencias de afecto en su niñez y primera juventud que afectaban su desempeño en el plató llegando atrasada a los rodajes, manifestando crisis de pánico o bien, asumía conductas impulsivas súbitas.67 68

Después de Marilyn

La repercusión de la muerte de Marilyn Monroe fue muy importante. Se dice que las vidas de Frank Sinatra y Pat, amiga de la actriz, nunca volvieron a ser las mismas. Monroe dejó un sinfín de imágenes y palabras que perduran en la historia y la recordarán para siempre. Pero también dejó un expediente sin resolver. Lo que ocurrió exactamente la noche de su muerte es una incógnita, pero su legado será, tal vez, el más grande de su época.69

Filmografía

Cronología

Premios

 

Globos de Oro

Año Categoría Película Resultado
1957 Mejor Actriz - Comedia o musical Bus Stop Nominada70
1960 Mejor actriz - Comedia o musical Some Like it Hot Ganadora70
1962 Actriz favorita   Ganadora70

Premio David de Donatello

Año Categoría Película Resultado
1958 Mejor actriz El príncipe y la corista Ganadora70

Premios BAFTA

Año Categoría Película Resultado
1958 Mejor actriz extranjera The Seven Year Itch Nominada70
1969 Mejor actriz extranjera El príncipe y la corista Nominada70

Bibliografía

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Referencias

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  21. Churchwell, p. 234
  22. Summers, p. 71
  23. Summers, p.59
  24. Russell, p. 138
  25. Churchwell, p. 63
  26. Riese y Hitchens, p. 222
  27. Server, p. 249
  28. Churchwell, p. 65
  29. Riese and Hitchen, p. 338
  30. Summers, p. 101
  31. Summers, p. 103
  32. Riese and Hitchens, p. 475
  33. Summers, p. 146
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  37. Summers, p. 139
  38. a b Riese y Hitchens, p. 326
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  40. Riese and Hitchens, p. 276
  41. Summers, p. 154
  42. Summers. p 157
  43. Olivier, p. 213
  44. Churchwell, p. 262
  45. Churchwell, p. 264
  46. Riese y Hitchens, p. 489
  47. Riese y Hitchens, p. 269
  48. Summers, p. 183
  49. Summers, p. 186
  50. Riese y Hitchens, p. 270
  51. Summers, p. 188
  52. Summers, p. 190
  53. Summers, p. 194
  54. Summers, pp 192 y 194
  55. Summers, p. 195
  56. a b Summers, p. 198
  57. Summers, p. 199
  58. Summers, p. 271
  59. Summers, pág. 268.
  60. https://www.dailymail.co.uk/news/article-1367690/The-Last-Sitting-topless-Marilyn-Monroe-taken-just-weeks-death-set-fetch-15-000-auction.html
  61. a b Summers, p. 301
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  63. Summers, pp. 319, 320
  64. Summers, pp. 319, 320.
  65. «Monroe 'burial plot' up for sale». BBC. Consultado el 17 de agosto de 2009.
  66. La Diva que nunca muere
  67. La personalidad de Marilyn Monroe
  68. Marilyn Monroe, un icono erótico del ideario colectivo
  69. J. Randy Taraborrelli: La vida secreta de Marilyn Monroe. Grupo Editorial Norma.
  70. a b c d e f Lista de premios de Marilyn Monroe en IMDB.

 


Elizabeth Taylor

Taylor, Elizabeth posed.jpg

Nombre real Elizabeth Rosemond Taylor
Nacimiento Bandera del Reino Unido Londres, Reino Unido
27 de febrero de 1932
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Los Ángeles, Estados Unidos
23 de marzo de 2011 (79 años)
Apodo(s) Liz Taylor, Elisheba Rachel
Ocupación Actriz
Años activo/a 1942-2003
Familia
Cónyuge Conrad Hilton Jr. (1950-1951)
Michael Wilding (1952-1957)
Michael Todd (1957-1958)
Eddie Fisher (1959-1964)
Richard Burton (1964-1974) (1975-1976)
John Warner (1976-1982)
Larry Fortensky (1991-1996)
Premios
Premios Óscar Mejor actriz
1960 Butterfield 8
1966 Who's Afraid of Virginia Woolf?
Premio Humanitario Jean Hersholt
1993 A sus Causas Humanitarias
Globos de Oro Mejor actriz - Drama
1959 Suddenly, Last Summer
Premio Cecil B. DeMille
1985 Premio a la Trayectoria Profesional
Premios BAFTA Mejor actriz
1966 Who's Afraid of Virginia Woolf?
BAFTA Academy Fellowship Award (1999)
Premios SAG Premio de Honor
1997 Premio a la Trayectoria Profesional
Ficha en IMDb

Elizabeth Rosemond Taylor, DBE, de nombre artístico Elizabeth Taylor y también llamada más coloquialmente Liz Taylor (Hampstead1 , Londres, Reino Unido, 27 de febrero de 1932 - Los Ángeles, Estados Unidos, 23 de marzo de 20112 ) fue una actriz inglesa que desarrolló su carrera en Estados Unidos, principalmente con largometrajes para los grandes estudios de Hollywood, aunque trabajó también de manera más ocasional en teatro y televisión. Entre sus múltiples premios ganó tres Premios Óscar (uno de ellos honorífico), cinco Globos de Oro, tres premios BAFTA británicos y el David de Donatello. Gracias a una condecoración de la reina Isabel II del Reino Unido (Dama Comandante del Imperio Británico, DBE) recibía el tratamiento de Dame, equivalente del masculino Sir. En su madurez se volcó en el activismo a favor de causas humanitarias, especialmente la lucha contra el sida.

Reconocida por su espectacular y deslumbrante belleza, con ojos de un raro color violeta,3 y por su actuación en películas como La gata sobre el tejado de zinc, Cleopatra o ¿Quién teme a Virginia Woolf?, desde la década de 1950 se erigió como uno de los mitos del Séptimo Arte. Fue también sumamente popular por su tormentosa vida privada y su pasión por las joyas.

En 1999 el American Film Institute la nombró como la séptima mejor estrella femenina de los primeros cien años del cine norteamericano.4

Biografía

Primeros años

Liz Taylor nació en Hampstead, Londres, hija de Sara Sothern, una actriz vocacional, y Francis Lenn Taylor, un marchante de arte estadounidense. Poco antes de la Segunda Guerra Mundial la familia regresó a Estados Unidos, gracias a lo cual Liz Taylor contó con doble nacionalidad, británica y estadounidense.

Su madre siempre quiso que fuera una estrella, así que desde muy pequeña la llevó a grabar anuncios, cameos en películas, etc. De ahí que Liz Taylor siempre haya dicho que ella no quiso realizar una carrera como actriz, sino que ésta le fue impuesta por su madre.

Carrera

Primeros trabajos 1942 a 1959

Tras participar en varias comedias de escasa calidad, se hizo famosa a la edad de 12 años con la película de tema hípico National Velvet (Fuego de juventud, 1944) con otras dos figuras emergentes: Mickey Rooney y Angela Lansbury. Era una estrella ya en la adolescencia; con 14 años rodó El coraje de Lassie, una de las varias películas sobre dicha mascota, y poco después obtuvo un papel destacado en la adaptación de la novela Mujercitas dirigida por Mervyn LeRoy (1949). Su siguiente gran éxito sería El padre de la novia (1950), junto a Spencer Tracy y con dirección de Vincente Minnelli.

Progreso 1951 a 1956

Las perspectivas de la carrera de Liz Taylor mejoraron con sus trabajos en Un lugar en el sol (1951) con Montgomery Clift, Ivanhoe (1952) con Robert Taylor y Joan Fontaine, La senda de los elefantes (1954), La última vez que vi París y especialmente cuando fue elegida para actuar, junto con James Dean y Rock Hudson, en Gigante (1956).

Consolidación y reconocimiento 1957 a 1979

Posteriormente fue nominada al Premio Óscar en la categoría de "Mejor actriz", por su trabajo en El árbol de la vida (1957), ambiciosa producción ambientada en la Guerra de Secesión, pensada para emular el éxito de Lo que el viento se llevó.

En el apogeo de su belleza, protagonizó junto a Paul Newman el drama romántico (Cat on a Hot Tin Roof, La gata sobre el tejado de zinc, 1958), adaptación de la obra teatral homónima de Tenessee Williams. Recibió múltiples críticas positivas, su segunda nominación al premio Óscar por "Mejor actriz" y su primera candidatura al galardón BAFTA como «Mejor actriz británica».

Durante las décadas de 1950 y 1960 se convirtió en una de las mayores estrellas del firmamento de Hollywood gracias a su presencia en los títulos citados y en otros como (Suddenly, Last Summer, De repente el último verano, 1959) junto a Katharine Hepburn y Montgomery Clift (que le proporcionaría su primer Globo de oro y otra nominación al Óscar). Liz Taylor y Montgomery Clift mantuvieron una estrecha amistad hasta la muerte del actor en 1966.

Con Una mujer marcada (1960), donde encarnaba a una prostituta de lujo, Liz Taylor se llevaría su primer Óscar a la mejor actriz, tras sumar cuatro nominaciones en años consecutivos, un récord sólo igualado por Marlon Brando. A finales de la década de 1950 se acentuó su rivalidad con Marilyn Monroe, la otra gran estrella de los estudios 20th Century Fox, si bien se especializaron en diferentes papeles: Taylor optó por personajes atormentados, temperamentales y problemáticos, y Marilyn se hizo famosa como prototipo de sex symbol, mayormente en comedias.

Su categoría de estrella quedó reforzada con la película más cara en la historia hasta entonces: Cleopatra (1963). Por esta película, Elizabeth Taylor fue la primera actriz que firmó un contrato por la suma (para entonces astronómica) de un millón de dólares. Sin embargo, varias peripecias la llevaron a superar este récord: los múltiples retrasos y contratiempos del rodaje, y un porcentaje de la taquilla contemplado en su contrato, motivaron que ella terminase cobrando su sueldo multiplicado por siete. Fue en el rodaje de esta película donde conoció a Richard Burton; iniciaron un romance estando ambos casados, lo que provocó un enorme escándalo.

A partir de mediados de la década de 1960 su participación en el cine fue perdiendo pujanza, aunque aún tuvo ocasión de intervenir en varias películas de relieve, como La mujer indomable (dirigida por Franco Zeffirelli), Reflejos en un ojo dorado con Marlon Brando (bajo la dirección de John Huston) y ¿Quién teme a Virginia Woolf?, de la que se dice es su mejor interpretación, al lado de su marido Richard Burton. Por este trabajo, que en cierta manera reflejaba las desavenencias reales de sus protagonistas, Taylor recibió su segundo Óscar a la mejor actriz.

A partir de la década de los 70 la carrera de Taylor en el cine decayó claramente, por lo que comenzó a tomar parte en televisión y teatro. La primera película rodada para la televisión en la que participó fue Divorce His - Divorce Hers, de 1973, donde compartió escena con su entonces esposo Richard Burton y fue dirigida por Waris Hussein. Se trató de un drama en el que el matrimonio conformado por Jane y Martin Reynolds llega a su fin tras 18 años. En 1976, rodó junto a Ava Gardner y Jane Fonda El pájaro azul, película para el público infantil dirigida por George Cukor, que recibió reseñas neutras y comercialmente no le fue bien.

En 1977, actuó junto a Diana Rigg y Len Cariou en la adaptación cinematográfica de la obra musical A Little Night Music (Dulce Viena), con guion de Ingmar Bergman y dirección de Harold Prince. Recibió mayoritariamente críticas negativas. Más tarde, protagonizó El espejo roto (1980), basada en un relato de Agatha Christie, junto con Angela Lansbury, Tony Curtis, Kim Novak y, su amigo personal, Rock Hudson, bajo la dirección de Guy Hamilton. Se trató de un largometraje que recibió buenas críticas.

Última etapa 1980 al 2003

A principios de la década 1980, Liz Taylor participó en algunos episodios de las populares telenovelas General Hospital y All My Children. Consecutivamente sus apariciones en televisión se acrecentaron considerablemente, siendo protagonista en 1983 de Between Friends, telefilme escrito por el guionista Shelley List y con la participación especial de Carol Burnett, y en 1984 presentándose como actriz invitada en un episodio de la serie de drama Hotel. Actuó como Madam Conti, la propietaria de un prostíbulo, en la miniserie Norte y Sur, ambientada en la Guerra de Secesión con un amplio elenco que incluía a actores de primera línea como Patrick Swayze, Kirstie Alley, David Carradine, Olivia de Havilland, Robert Mitchum y Gene Kelly. También incursionó en películas para televisión contemporáneas a esta última, como Malice in Wonderland, There Must Be a Pony y Poker Alice.

Participó en dos obras de teatro en el distrito de Broadway: The Little Foxes (1981), llevada a cabo en el Teatro Martin Beck, por la que fue nominada al premio Tony por «Mejor actriz principal de una obra»; y Private Lives (1983), con la dirección de Milton Katselas en el Teatro Lunt-Fontanne. Cabe añadirse que también fue la productora ejecutiva de ambas.

En 1988, después de varios años sin aparecer en el cine, trabajó junto a C. Thomas Howell y Sophie Ward en la película italiana Young Toscanini, bajo la dirección de Franco Zeffirelli. No obstante , el largometraje recibió reseñas negativas y no le fue bien comercialmente. Al año siguiente, Taylor volvió a trabajar en el medio televisivo. Actuó junto a Mark Harmon, Valerie Perrine, Ronnie Claire Edwards y Rip Torn en Sweet Bird of Youth, de Nicolas Roeg, telefilme basado en la novela homónima de Gavin Lambert.

Desde la década de 1990, se volcó casi por completo a la televisión. Por ejemplo, le puso la voz al personaje de Maggie Simpson en un episodio de la popular serie animada de FOX The Simpsons en 1992 y realizó una breve aparición a modo de cameo en un capítulo de la comedia de situación estelarizada por Fran Drescher The Nanny en 1994. Interpretó a una mujer millonaria en The Flinstones (1994), de Brian Levant, donde compartió créditos con John Goodman, Rick Moranis, Elizabeth Perkins, Rosie O'Donnell, Kyle MacLachlan y Halle Berry. El filme tuvo mucho éxito comercial y se convirtió en su última labor cinematográfica. Tiempo después, en 2001, se destacó junto a Debbie Reynolds, Shirley MacLaine y Joan Collins en el telefilme These Old Broads, donde hizo el papel de una representante de artistas. Se retiró de la actuación en 2003, tras participar en el programa God, the Devil and Bob.

Últimos años

En marzo de 2003, Taylor rechazó la invitación que le realizó la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas para asistir a la 75ª Ceremonia de entrega de los premios Óscar como muestra de su oposición a la Guerra de Irak.

El 1 de diciembre de 2007, la actriz participó de una función benéfica de la obra teatral Love Letters, donde compartió escena con James Earl Jones. Las entradas tenían un costo de 2.500 dólares. La recaudación fue destinada a la fundación de Taylor.

Mucho más que «una actriz»

Liz Taylor debió una parte no menor de su celebridad a su agitada vida, pero su carrera actoral es de gran valor por sí misma. Recibió dos premios Óscar, por Una mujer marcada (1960) y por ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), y tres nominaciones más, todas ellas en la categoría de mejor actriz principal. Su primera nominación fue por la película El árbol de la vida en 1957 y estuvo nominada los siguientes tres años, hasta que en 1960 se lo concedieron. Alcanzó el récord de cuatro nominaciones en años consecutivos, como el actor Marlon Brando. Ya en su madurez recibió un tercer Óscar, honorífico.

Fue una estrella calificada por los medios anglosajones como «bigger than life»: una estrella mayor que la vida misma. Es una recordada leyenda femenina del Hollywood clásico, gracias a su belleza muy fotogénica, a una larga lista de películas relevantes con notables actuaciones y a un turbulento historial sentimental.

Supo explotar con maestría su turbador e innegable atractivo sexual y dio que hablar a través de sus romances polémicos. A raíz de su romance con Richard Burton (estando ambos casados con otras parejas) un periódico del Vaticano la acusó de «vagar erótico», frase que inundó los titulares de todo el mundo. Burton salió en su defensa, afirmando de ella que había tenido solamente cinco parejas, todas conocidas, mientras que otras divas de Hollywood se acostaban con cualquiera en la primera noche (si bien manteniéndolo en secreto). Otras fuentes allegadas a la actriz coinciden al describirla como bastante convencional en el amor: dicen que, si se casó ocho veces, fue porque no era proclive a aventuras fugaces y quería formalizar cada nueva relación con una boda.

Es, probablemente la actriz que fue declarada «la más hermosa del mundo» en más ocasiones que ninguna otra, incluso superando al llamado «animal más bello del mundo», Ava Gardner. Su rostro se convirtió en símbolo de perfección durante décadas, desde su adolescencia en los años 40 hasta su madurez bien entrada la década de los 70.

Tan famosa por su carrera cinematográfica como por su vida sentimental, Liz Taylor ha sido objeto de la prensa rosa por sus constantes divorcios y matrimonios y por sus problemas de salud: consumo excesivo de alcohol, obesidad (llegó a pesar casi 90 kilos, a pesar de su corta estatura), una lesión de columna que requirió diversas operaciones y un tumor cerebral. En sus últimos años acudía a actos públicos en silla de ruedas.

Célebre también por sus labores humanitarias en la lucha contra el sida desde la muerte de su amigo Rock Hudson, colaboró con una sociedad dedicada a la lucha y la investigación de este grave síndrome. Fue por este motivo galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia en 1992. Además ese mismo año participó en el concierto en tributo a Freddie Mercury, hablando acerca de la prevención necesaria para combatir el sida.

Matrimonios y joyas

 

Elizabeth Taylor les debió parte de su notoriedad mundana a sus ocho matrimonios, en lo que rivalizó con Zsa Zsa Gabor. Aunque tal sucesión de bodas dio pie a chistes y comentarios sobre la presunta voracidad sexual de Taylor, allegados de la actriz afirman que en realidad es muy convencional y que «se casó tantas veces, porque tiene una rara costumbre: se casa con todos con los que se acuesta» [cita requerida].

A los dieciséis años tuvo un fugaz romance con el entonces actor Ronald Reagan futuro Presidente de los Estados Unidos. Los cercanos a Elizabeth Taylor señalan que fue esta quién sedujo a Reagan, quien era 21 años mayor que la actriz.

A los dieciocho años contrajo matrimonio con Conrad Nicholas Hilton, con quién estaría casada sólo un año.

Su segundo matrimonio fue a los veinte años, con el actor británico Michael Wilding, con quien tuvo dos hijos. A los 24 años ya estaba separada nuevamente.

Su tercer matrimonio fue con el productor de cine Mike Todd, quien un año después murió en un accidente aéreo (1958). Con Mike tuvo a su tercera hija.

Después de un periodo de tan sólo seis meses de viudez conoció, en 1959, al mejor amigo de Mike Todd, el cantante Eddie Fisher, casado por entonces con su mejor amiga Debbie Reynolds. Su relación fue inicialmente amistosa, pero Fisher se prendó de ella y decidió abandonar a su mujer. La nueva pareja contrajo matrimonio en medio de uno de los escándalos más sonados de la época. Para esta boda la actriz se convirtió al judaísmo, la creencia de Fisher. Liz Taylor fue tachada de «roba-maridos», si bien ya en su madurez, ella y Debbie Reynolds se reconciliaron.

En 1962, en la filmación de Cleopatra, Taylor conoció al actor Richard Burton, quien fue su gran amor, con quien después se casó y se divorció en dos ocasiones y con el que adoptó a su cuarta hija. Sus constantes discusiones, su carácter borrascoso y sus polémicas declaraciones fueron la causa de grandes escándalos. Ríos de tinta corrieron desde el inicio de la publicitada película, hasta su divorcio en 1974, su reconciliación en 1975 y su nuevo divorcio en 1976. Burton la agasajó con fastuosas joyas, como el diamante amarillo Krupp y la Perla Peregrina, que antaño perteneció a Felipe II y fue reproducida por Velázquez en varios retratos reales. Cuando esta joya salió a la venta y la compró Richard Burton, desde España se intentó entorpecer la operación, afirmando que era falsa. Pero es sin duda más famoso el diamante Taylor-Burton de 69 quilates, comprado en 1969 por 1,2 millones de dólares. Ya en los años 80, Liz lo revendió por el triple y destinó el dinero a fines benéficos en África. En diciembre de 2011, fallecida ya la actriz, sus joyas y valiosos vestidos se subastaron, alcanzando cifras astronómicas.

Su séptimo matrimonio fue con el senador John W. Warner, con quien tuvo un matrimonio infeliz que la llevó al alcoholismo.[cita requerida] Elizabeth estuvo a punto de casarse con un abogado mexicano, Víctor Luna, quien desapareció días antes de asistir al registro civil.5

En último lugar, se casó con Larry Fortensky, un obrero de la construcción a quien había conocido en el Centro Betty Ford durante una cura de desintoxicación. Contrajeron matrimonio en el Rancho Neverland de Michael Jackson en 1991, y terminaron divorciándose en 1996.

Conversión al judaísmo

A raíz de la muerte de Elizabeth Taylor y de los problemas con su enorme testamento, se ha dicho que la famosa actriz se convirtió al judaísmo a la edad de 27 años, algo que, por otra parte, ya aparecía citado en la biografía del crítico norirlandés Alexander Walker, Elizabeth - The Life of Elizabeth Taylor (Weidenfeld 1991).

Aunque Elizabeth Taylor nació en Londres en el seno de una familia cristiana —sus padres, estadounidenses afincados en la capital británica, pertenecían a la iglesia protestante Christian Science—, desde su boda con Eddie Fisher en 1959 hasta su muerte en 2011 Elizabeth Taylor siempre profesó la fe judía. Y no sólo eso, ya cuando se instauró el Mandato Británico de Palestina, tanto su madre como su padrino, el influyente Coronel Victor Cazalet (amigo personal de Winston Churchill), apoyaron el sionismo, algo que la actriz realizó a lo largo de toda su vida, al igual que el apoyo al estado de Israel durante el último medio siglo.6

Liz Taylor en España

La actriz acudió en 1973 al Festival Internacional de Cine de San Sebastián, a presentar su nueva película Una hora en la noche; vivía una temporada difícil por su reciente separación de Richard Burton. Su estancia fue tan fugaz como polémica, pero ella dio muestras de su carácter amable, no exento de rasgos caprichosos propios de su status de estrella [1].

Debido al extravío de su equipaje, tuvo que entrar al hotel vestida con un pantalón vaquero. Finalmente recuperó sus maletas, y para cambiarse de ropa exigió un espejo de tres cuerpos, mueble inusual en aquella época. Vestida con un sari, llegó al Teatro Victoria Eugenia con considerable retraso y fue recibida con insultos, a los que ella respondió con una sonrisa permanente. Se giró a uno de sus anfitriones y afirmó: «Entiendo perfectamente lo que me dicen, porque Richard y yo teníamos una casa en Cuernavaca y sabemos algo de español. Pero yo sonrío, porque en las fotografías sólo se verá mi sonrisa». Cuando concluyó la proyección de la película y las luces se encendieron, el público ovacionó a la actriz.

Ya en la década de 1980, Elizabeth Taylor pisó nuevamente suelo español; acudió con su rumoreado nuevo amor, George Hamilton, a Marbella. Y en 1992, acudió a Oviedo a la ceremonia del Premio Príncipe de Asturias.

Su relación con Michael Jackson

Era además muy amiga del también ya fallecido «Rey del pop» Michael Jackson. Fue precisamente ella la primera persona que lo llamó así en una entrega de premios, y de ahí surgió el apelativo tan popular. Además, Michael Jackson le escribió una canción exclusiva para su cumpleaños, llamada Elizabeth I love you, y una fotografía con ambos juntos fue incluida en la carpeta del álbum de éxitos de Jackson History.

En años recientes, lo apoyó en sus tribunales ante las declaraciones de abuso infantil que pesaban en su contra. Elizabeth Taylor se mostró incondicional, negando todas las acusaciones. Incluso Michael Jackson le dedicó la canción Liberian Girl, del álbum Bad.

Filmografía

Premios

Premios Óscar
Año Categoría Película Resultado
1994 Premio Humanitario Jean Hersholt Ganadora
1966 Mejor actriz Who's Afraid of Virginia Woolf? Ganadora
1960 Mejor actriz Una mujer marcada Ganadora
1959 Mejor actriz Suddenly, Last Summer Candidata
1958 Mejor actriz La gata sobre el tejado de zinc Candidata
1957 Mejor actriz El árbol de la vida Candidata
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
1985 Premio Cecil B. DeMille Ganadora
1974 Henrietta Award Actriz favorita del mundo Ganadora
1974 Mejor actriz - Drama Miércoles de ceniza Candidata
1969 Henrietta Award Actriz favorita del mundo Ganadora
1967 Mejor actriz - Drama Who's Afraid of Virginia Woolf? Candidata
1961 Mejor actriz - Drama Una mujer marcada Candidata
1960 Mejor actriz - Drama Suddenly, Last Summer Ganadora
1957 Premio especial Por sus sólidas interpretaciones Ganadora
Premios del Sindicato de Actores
Año Categoría Resultado
1997 Premio de honor Ganadora
Premios Golden Laurel
Año Categoría Película Resultado
1967 Mejor actriz Who's Afraid of Virginia Woolf? Ganadora
1966 Estrella femenina - Ganadora
1965 Estrella femenina - Ganadora
1961 Mejor actriz Una mujer marcada Nominada
1960 Mejor actriz Suddenly, Last Summer Ganadora
1959 Mejor actriz La gata sobre el tejado de zinc Ganadora
1958 Mejor actriz El árbol de la vida Ganadora
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2005 Britannia Award Ganadora
1999 Academy Fellowship Ganadora
1968 Mejor actriz británica La mujer indomable Nominada
1967 Mejor actriz británica Who's Afraid of Virginia Woolf? Ganadora
1959 Mejor actriz La gata sobre el tejado de zinc Nominada
Festival Internacional de Cine de Berlín
Año Categoría Película Resultado
1972 Oso de Plata a la mejor actriz Pacto con el diablo Ganadora
Premios David de Donatello
Año Categoría Película Resultado
1972 Mejor actriz protagonista Salvaje y peligrosa Ganadora
American Film Institute
Año Categoría Resultado
1993 Life Achievement Award Ganadora
National Board of Review
Año Categoría Película Resultado
1967 Mejor actriz Who's Afraid of Virginia Woolf? Ganadora
Asociación de críticos de Nueva York
Año Categoría Película Resultado
1966 Mejor actriz Who's Afraid of Virginia Woolf? Ganadora
1959 Mejor actriz Suddenly, Last Summer Candidata
1958 Mejor actriz La gata sobre el tejado de zinc Candidata

 


Judy Garland

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Nombre real Frances Ethel Gumm.
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Grand Rapids, Minnesota, Estados Unidos
10 de junio de 1922
Fallecimiento Bandera del Reino Unido Londres, Reino Unido
22 de junio de 1969 (47 años)
Ocupación Actriz/Cantante
Años activo/a 1924-1969
Premios
Premios Óscar 1940 Premio Juvenil de la Academia
Globos de Oro Mejor actriz - Comedia o musical
1954 Ha nacido una estrella
1962 Premio Cecil B. DeMille
Premios Tony 1952 Premio especial
Premios Grammy Álbum del año
1962 Judy at Carnegie Hall
Mejor interpretación vocal pop femenina
1962 Judy at Carnegie Hall
Ficha en IMDb

Frances Ethel Gumm (Grand Rapids, Minnesota, 10 de junio de 1922 - Londres, 22 de junio de 19691 ), más conocida como Judy Garland, fue una actriz y cantante estadounidense. Entre los premios que recibió a lo largo de su trayectoria se hallan: el Premio Oscar, el Globo de Oro, el Cecil B. DeMille, el Grammy y el Tony.

Luego de formar con sus hermanas un grupo de vodevil llamado las Hermanas Gumm, firmó un contrato con Metro-Goldwyn-Mayer en 1935. Para ese estudio cinematográfico realizó más de veinte películas, entre las que se incluyen nueve que protagonizó con Mickey Rooney y El Mago de Oz (1939), por la cual recibió un Oscar especial. Después de quince años el estudio la puso en libertad, y realizó exitosos conciertos y apareció en especiales de televisión. En 1954 regresó al cine con la cinta Ha nacido una estrella, por la que ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical y fue nominada al Óscar como mejor actriz.

Además es el máximo ícono gay femenino según una encuesta de OnePoll publicada en 2009, por la magia de El Mago de Oz ya que la comunidad gay ha visto en el film una serie de símbolos sobre el significado de esa sexualidad, pero también por los símbolismos ocultos de muchos films de ella en películas como Meet Me in St. Louis (1944) o The Clock (1945) entre otras; por esa fragilidad y esa fuerza de los personajes que encarnó, por su vida siempre al límite y póstumamente por los disturbios de Stonewall que marcaron los inicios de la defensa de los derechos homosexuales.

A pesar de sus triunfos profesionales, su éxito se vio opacado por sus problemas psicológicos, adicciones y disturbios financieros. Estuvo casada con el director de cine Vincente Minnelli, con el que tuvo una hija, la también actriz y cantante Liza Minnelli. Llevando una vida en lucha contínua contra la adversidad, murió prematuramente en 1969 a la edad de 47 años.

El American Film Institute la ha catalogado la octava mejor estrella femenina de la historia del cine.

Vida y carrera

Infancia y primeros años

 

Nació en Grand Rapids, Minnesota, bajo el nombre de Frances Ethel Gumm. Creció en una familia relacionada con el espectáculo ya que sus padres, Frank Gumm y Ethel Milne, y hermanos se dedicaban al teatro musical.2

Hizo su debut teatral a los 30 meses de edad en el teatro de su padre, formando con sus hermanas, Mary Jane ("Suzy") (1915–65) y Dorothy Virginia ("Ginnie") (1917–77), un grupo de vodevil llamado las Hermanas Gumm. En esta ocasión cantó a coro con ellas el tema "Jingle Bells" en un número navideño.2 En junio de 1926, después de que Frank fuera acusado de abuso sexual, la familia se trasladó a Lancaster, California.3

En 1928, las Hermanas Gumm se matricularon en una escuela de baile, propiedad de la compañía Meglin Kiddies, donde realizaron una actuación especial en la celebración navideña de ese año.4 Esto ayudó al trío a aparecer en un cortometraje titulado The Big Revue en 1929. Después participaron en otros cortos, como A Holiday in Storyland, The Wedding of Jack and Jill y Bubbles. La última aparición del grupo se produjo en La Fiesta de Santa Barbara, cortometraje estrenado en 1935.5

En 1934, las hermanas visitaron algunas de las ciudades más importantes de Estados Unidos con su espectáculo de vodevil. El actor y productor George Jessel, con quien ellas habían actuado en una ocasión en la ciudad de Chicago, les sugirió que cambiaran el nombre del trío por el de las Hermanas Garland. Fue en esta etapa cuando la pequeña Frances cambió su nombre por el de Judy Garland.6

Contrato con la MGM

«Judy acudía al colegio con actrices como Ava Gardner, Lana Turner, Elizabeth Taylor, que eran realmente bellas. Ella era una gran máquina de hacer dinero en ese tiempo, una mujercita muy exitosa, pero era el "patito feo" del estudio. Esto, creo, afectó muchísimo sus sentimientos» (Charles Walters, quien dirigió a Garland en varias películas).7

En 1935, Garland firmó un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer, supuestamente sin tener que realizar ningún tipo de casting. En principio el estudio no estaba muy seguro de qué hacer con la joven artista, que en ese entonces tenía 13 años, ya que la creían demasiado pequeña para encarnar roles adultos y demasiado grande para papeles infantiles. La apariencia física de Garland no encajaba en los patrones de belleza de las estrellas de la época y en muchas ocasiones se sentía poco atractiva a lado de sus compañeras, y esto le causaba gran ansiedad.8

Durante los primeros años en el estudio, en las fotografías que le tomaban, aparecía siempre con vestidos sencillos.9 Su primera película para la MGM fue el musical Every Sunday, junto a otra joven artista como Deanna Durbin. El film sirvió para que ambas actrices llamaran la atención del jefe del estudio, Louis B. Mayer.10 Finalmente, Garland permaneció en la MGM, pero Durbin prefirió firmar un contrato con Universal Studios.

El 16 de noviembre de 1935, mientras se preparaba para realizar una actuación el programa radial Shell Chateau Hour, Garland comentó que su padre se hallaba hospitalizado a causa de una meningitis. Frank Gumm murió a la mañana siguiente, el 17 de noviembre. En Shell Chateau Hour Judy cantó por primera vez el tema "Zing! Went the Strings of My Heart", canción que interpretó después en todos sus conciertos.11

Garland cantó, a pedido del estudio, la canción "You Made Me Love You" en la fiesta de cumpleaños que la MGM preparó para el actor Clark Gable; esta interpretación fue similar a la que realizó en la película Broadway Melody of 1938 (1937), en la cual ella cantó este tema mirando una fotografía de Gable.12

MGM decidió unir a Garland junto al actor Mickey Rooney, y así nació una de las duplas cinematográficas más exitosas.13 Aparecieron por primera vez juntos en las películas de clase B Thoroughbreds Don't Cry y Love Finds Andy Hardy. Estas serían las dos primeras de las nueve películas que copratagonizaría la pareja en los siguientes años.

Para poder llevar a cabo el ritmo de trabajo al que eran sometidos, Garland, Rooney, y otros jóvenes actores, constantemente consumían una importante cantidad de anfetaminas y barbitúricos.14 Para Garland, esta constante dosis de drogas que tenía que consumir para aguantar el implacable ritmo de trabajo, la llevaría a profundizar sus trastornos mentales, a padecer de anorexia, alcoholismo, drogadicción y a una lucha contínua por superar la adversidad.

El mago de Oz

Después de varios papeles secundarios, a los 16 años consiguió el papel de Dorothy en la película El Mago de Oz (1939), en la que interpretó la canción "Over the Rainbow", aclamada como la mejor canción de la historia del cine por el American Film Institute. Aunque los productores, Arthur Freed y Mervyn LeRoy, siempre quisieron que fuera Garland la protagonista, el estudio quería en un principio que fuera Shirley Temple quien encarnara el papel femenino, pero esta última trabajaba para la 20th Century Fox.15 Garland durante la filmación llevaría una peluca rubia, pero Freed y LeRoy decidieron que no fuera así. Para poder disimular el tamaño de su busto, la joven usó un corset especial y un vestido color azul, que también hizo que pareciera más pequeña de lo que realmente era.16

El rodaje comenzó el 13 de octubre de 193817 y culminó el 16 de marzo de 1939,18 con una inversión de presupuesto que superó los dos millones de dólares estadounidenses.19 Después que terminó la filmación, MGM le comunicó a Garland que debía realizar una gira por Estados Unidos para promocionar su película Babes in Arms. La actriz y Mickey Rooney estaban poco satisfechos con esta gira promocional, la cual concluyó el 17 de agosto en la ciudad de Nueva York, porque debían realizar juntos cinco presentaciones por día.20

El mago de Oz tuvo un gran éxito de crítica. Sin embargo, los costos de filmación sumados a los de la gira promocional superaron los cuatro millones de dólares, pero no pudieron ser recuperados en el momento de su estreno, aunque sí lo hicieron en la década de 1940 cuando el musical fue reestrenado.21 Esta actuación, junto a la de Babes in Arms, le valió a Judy un Óscar especial a la mejor actriz juvenil.22 Luego de este reconocimiento, Garland se convirtió en una de las actrices más cotizadas de la MGM.

Estrellato adulto

En 1940 Garland protagonizó tres películas: Andy Hardy Meets Debutante, Strike Up the Band, y Little Nellie Kelly. En esta última, interpretó su primer rol adulto, el cual consistió en encarnar a una madre e hija a la vez. El rol fue todo un desafío para ella, ya que debió dar su primer beso en pantalla.23 El éxito de estos tres filmes convirtieron a Judy en una de las principales actrices de la MGM.

Durante este período la actriz mantuvo sus primeras relaciones amorosas. El primero de sus noviazgos serios lo mantuvo con Artie Shaw, por quien sentía gran afecto. La relación culminó a comienzos de 1940, cuando él se fugó con su amante, Lana Turner.24 Después, a la edad de 18 años, inició una relación sentimental con el músico David Rose. El estudio intervino en la pareja porque Rose estaba en ese entonces aún casado con la también actriz y cantante Martha Raye. Cuando finalmente el músico se divorció de Raye, se casó con Garland en 1941. A continuación actuó en la película For Me and My Gal, donde compartió escena con Gene Kelly. Aquí por primera vez su nombre apareció en los créditos por encima del título de la cinta, lo que marcó su transición del mercado adolescente al estrellato adulto.

A sus 21 años de edad comenzó un tratamiento de belleza, en el que le aclararon el color de su cabello. Aún siendo notorios los cambios en su aspecto físico, ella siguió sintiéndose insegura con respecto a su apariencia.25 Después de sufrir un aborto espontáneo, comenzó con el juicio de divorcio para poner fin a su matrimonio con David Rose. Los trámites se iniciaron en enero de 1943, y ellos se divorciaron en 1944.26

Una de las más películas exitosas de Garland para la MGM fue Meet Me in St. Louis (1944), en la que interpretó las canciones "The Trolley Song", "The Boy Next Door", y "Have Yourself a Merry Little Christmas". Vincente Minnelli fue el elegido para dirigir este musical, y fue él quien solicitó que sea Dorothy Ponedel quien maquillase a Judy. Ella cambió la apariencia de la actriz en muchos aspectos, desde cambiar la curva de sus cejas hasta modificar la línea del pelo y la forma de sus labios. Ella quedó muy satisfecha con el trabajo de Ponedel y exigió que sea ella quien se ocupe de su estética en sus siguientes proyectos cinematográficos. Durante el rodaje de Meet Me in St. Louis, Garland y Minnelli comenzaron una relación amorosa, y pese a que en el comienzo de la filmación tuvieron algunos conflictos se casaron el 15 de junio de 1945.27 El 12 de marzo de 1946, nació la primera y única hija de la pareja, Liza.28

Su primer rol dramático lo llevó a cabo en la película The Clock (1945), donde compartió escena con Robert Walker. Este drama ha sido nombrado en algunas revistas como una de las principales películas de Garland, a pesar de que ella no cantó en ningún instante. Otros reconocidos largometrajes de Judy en la década de 1940 fueron The Harvey Girls (1946), en la cual interpretó el tema musical ganador del Óscar "On the Atchison, Topeka and the Santa Fe", y The Pirate (1948).

Últimos años con la MGM

Durante la filmación de The Pirate, en abril de 1947, Garland sufrió una crisis nerviosa y debido a ello ingresó a un sanatorio privado.29 Después regresó al set de filmación para culminar el rodaje, pero en julio de ese año realizó su primer intento de suicidio, cortándose las muñecas con un vidrio roto.30 Luego actuó en tres películas más para la MGM: Easter Parade, en la cuál realizó un número musical con Fred Astaire, In the Good Old Summertime y Summer Stock, su último film con este estudio.

Luego se hicieron muy notorios los problemas emocionales que sufría, ya que no pudo completar el rodaje de tres películas, en las que fue reemplazada. Durante la filmación de The Barkleys of Broadway, la actriz comenzó a consumir morfina para poder dormir. Por recomendación de su médico personal, debió reducir las horas de trabajo, lo que ocasionó que Arthur Freed, ejecutivo de la MGM, la suspendiera el 18 de julio de 1948. Ella fue reemplazada por Ginger Rogers.31

Después fue elegida para encarnar el rol de Annie Oakley en la película Annie Get Your Gun. Antes de comenzar con la filmación estaba muy preocupada por su apariciencia física, ya que no sabía como haría el director Busby Berkeley para que sus brazos dañados no se vieran mal en pantalla. A la hora de ir al rodeje del film siempre llegaba tarde, y en ocasiones ni siquiera acudía a él. Esto le ocasionó una nueva suspensión, en mayo de 1949, y fue reemplazada por Betty Hutton.32 Más tarde aceptó formar parte de Royal Wedding, pero fue nuevamente suspendida y separada del reparto, siendo esta vez despedida sin conciencia y sin reparos en el hecho que los abusos del estudio estaban relacionados con las crisis de la Garland. Su papel fue finalmente interpretado por Jane Powell.33

Renovación

En 1951, Garland se divorció de Vincente Minnelli.34 En ese mismo año comenzó una relación sentimental con Sidney Luft, quien se convirtió en su representante.35 Luft organizó para ella una gira de conciertos con la que recorrió el Reino Unido. Con este tour visitó las principales ciudades de Inglaterra, Escocia e Irlanda.36 La gira incluyó cuatro conciertos consecutivos en el renombrado London Palladium, en el mes de abril.37

En octubre de 1951, Garland presentó un espectáculo de vodevil en el teatro Palace de Broadway. El espectáculo resultó ser todo un éxito de crítica y taquilla, batiendo récords de recaudación y siendo catalogado como "uno de los más grandes triunfos personales en la historia del mundo del entretenimiento" por el crítico Jack Garver.38 Garland también recibió un premio Tony especial por contribuir al resurgimiento del vodevil.39

Garland y Luft se casaron el 8 de junio de 1952 en Hollister, California,40 y el 21 de noviembre de ese año nació la primera hija de la pareja, Lorna.41 En mayo del mismo año el periódico Los Angeles Mirror publicó un reportaje que le realizaron a la madre de Garland, Esther. En este reportaje la mujer reveló que mientras su hija ganaba fortunas trabajando en Broadway, ella trabajando en una compañía aérea sólo ganaba dieciséis dólares a la semana.42 Judy y su madre estuvieron distanciadas durante años, la actriz dijo que su madre sólo era buena para generar caos y miedo, y la acusó de mal gestionar el dinero que había ganado en su niñez y adolescencia.43 44

Ha nacido una estrella

 

En 1954, Garland filmó Ha nacido una estrella para Warner Bros. Luft y la actriz, a través de su productora Transcona Enterprises, produjeron la película mientras que la Warner Bros. financió los costos de producción y prestó sus instalaciones.45 El film fue dirigido por George Cukor y co-protagonizada por James Mason; se trató de un gran proyecto que marcó su regreso al cine. Sin embargo, durante el rodaje Judy siempre llega tarde, como lo había hecho en sus últimos años en la MGM, lo que hizo que se enemistara con su nuevo jefe, Jack Warner.46

El estreno mundial de la película se produjo el 29 de septiembre, y tuvo gran éxito de crítica y público. Garland fue nominada al Óscar como mejor actriz, pero no acudió a la ceremonia porque se hallaba en el hospital esperando el nacimiento de su hijo, Joseph Luft, rodeada de cámaras de televisión que esperaban que ella aceptara y agradeciera el galardón en caso de ganarlo. Pese a que era la favorita del público y la crítica no ganó el premio, el triunfo fue para Grace Kelly por su actuación en La angustia de vivir (1954). Sin embargo, ganó el Globo de Oro a la mejor actriz en una comedia o musical.47

Tras divorciarse de Luft, comenzó una lucha por la custodia de sus hijos. Después de Ha nacido una estrella, actuó en otras películas exitosas como Judgment at Nuremberg (1961), por la cual fue nominada como mejor actriz de reparto en los Óscar y en los Globos de Oro, el largometraje animado Gay Purr-ee (1962) y A Child is Waiting (1963), donde compartió protagonismo con Burt Lancaster. Su última película fue I Could Go On Singing (1963), una cinta en la compartió escena con Dirk Bogarde.

Televisión, conciertos y Carnegie Hall

A principios de 1955, Garland apareció en varios programas especiales para la televisión. El primero de ellos fue una emisión especial del programa Ford Star Jubilee de la cadena CBS, el cual tuvo altos índices de audiencia. Firmó un contrato con esta televisora por $300.000 dólares para actuar en otros especiales por los siguientes tres años. De este modo participó en el ciclo General Electric Theater, en un concierto que se transmitió en vivo en 1956, antes de que su esposo y representante se enfrentara con CBS por el rumbo que tomaría la carrera de Judy.48

En 1956, Judy actuó durante cuantro semanas consecuativas en el Hotel New Frontier de Las Vegas Strip. Por estas presentaciones recibió un salario de $55.000 dólares por semana, convirtiéndose así, en una de las artistas mejor pagadas de Las Vegas hasta ese momento.49 A pesar de que sufrió de laringitis, sus conciertos fueron todo un éxito, y por ello se agregaron una semana adicional de presentaciones.50 A finales de ese año regresó al teatro Palace de Nueva York, y su presentación recibió la aclamación nuevamente del público y la crítica.51

En noviembre de 1959 a la actriz se le diagnosticó hepatitis aguda y fue hospitalizada.52 En enero de 1960 fue dada de alta, pero los médicos le anunciaron que sólo tenía cinco años de vida y que quizás no podría volver a cantar.53 A pesar de su enfermedad se encontró nuevamente con el éxito, en agosto de ese año, cuando realizó una serie de conciertos en el teatro Palladium. Después recibió una gran acogida por parte del público londinense cuando anunció su intención de mudarse a Inglaterra.54

El 23 de abril de 1961 brindó un recital en el teatro Carnegie Hall, el cual resultó ser un gran éxito de crítica y público. De este concierto salió el disco en vivo titulado Judy at Carnegie Hall, que permaneció durante trece semanas consecutivas en el primer puesto del conteo de la revista Billboard que agrupó a los álbumes musicales más vendidos. Además, ganó cinco premios Grammy, incluyendo el de mejor álbum del año y mejor vocalista femenina.55 Tanto el show como el posterior disco son aún valorados como «de culto», y llegaron a ser recreados recientemente en un recital por el cantautor Rufus Wainwright, quien imitó a Garland incluso en sus gestos.

En 1961, Garland y CBS establecieron un nuevo acuerdo para que la cantante actuase en programas especiales, gracias a que ella contaba con un nuevo representante llamado Freddie Fields. El especial The Judy Garland Show, emitido en 1962, contó con la participación de Frank Sinatra y Dean Martin.56 Después hizo un trato de 24 millones de dólares para filmar un programa semanal de televisión llamado The Judy Garland Show, el cual debutó el 29 de septiembre de 1963.57 El programa tuvo un gran éxito de crítica, pero no duró más de 26 episodios porque competía con la exitosa serie de ficción Bonanza, emitida a la misma hora por el canal NBC, la cual la superaba ampliamente en audiencia, y fue cancelado en 1964.58 59 A pesar de su corta duración, el show fue nominado para cuatro premios Emmy.60

Últimos años

Después de que cancelaran su programa de variedades, Garland regresó a los escenarios para brindar nuevos conciertos. La actuación más notable fue la que realizó en noviembre de 1964 junto a su hija Liza, quien en ese entonces tenía 18 años de edad, en el London Palladium. Este recital fue transmitido luego por el canal televisivo británico ITV, y fue una de las últimas apariciones de Judy en esa sala. También realizó apariciones especiales en programas como The Ed Sullivan Show, The Tonight Show Starring Johnny Carson, The Hollywood Palace, y The Merv Griffin Show, siendo en este último anfitriona invitada.61

En 1963 la actriz comenzó con los trámites correspondientes para divorciarse de Sid Luft.62 Después, en 1964, realizó una serie de conciertos en Australia que no fueron muy bien recibidos. La primera actuación la llevó a cabo en Sydney, en un estadio que no conformó al público presente ya que les era muy dificultoso poder verla, pero pese a ello su concierto recibió buenas reseñas. Su segundo recital lo realizó en Melbourne, pero comenzó una hora después de lo previsto. Esto causó la indignación de los 70.000 espectadores presentes que abuchearon a la artista e interrumpieron constantemente el recital, que finalmente sólo duró 45 minutos.63 Después de este episodio Garland llamó a la multitud que asistió a su concierto en Melbourne como "brutos".43 Más adelante volvió a Sydney para llevar a cabo un nuevo recital, que se llevó a cabo sin incidentes.64 Después de que se le diagnosticara pleuresía, anunció que se casaría con el promotor de conciertos Mark Herron, después que se separara legalmente de Luft.65 Herron y Garland contrajeron matrimonio el 14 de noviembre de 1965.66

En febrero de 1967 Judy fue elegida por 20th Century Fox para encarnar el rol de Helen Lawson en la película Valley of the Dolls. Según rumores de la época, el personaje de Neely O'Hara en la novela del mismo nombre fue basado en Garland, e interpretado en el film por Patty Duke.67 Sin embargo, Judy no asistió a los ensayos, iniciados en abril del mismo año, por lo que fue sustituida por Susan Hayward.68

En el mes de julio regresó al teatro Palace de Nueva York, para realizar 16 conciertos junto a sus hijos Lorna y Joey Luft. Durante estas actuaciones Garland aparecía con llamativos vestidos con lentejuelas, vestuario diseñado originalmente para su personaje en la cinta Valley of the Dolls.69 A partir de 1969 su salud se fue deteriorando de manera más notoria. En ese mismo año, en la ciudad de Londres, actuó durante cinco semanas consecutivas en el club nocturno Talk of the Town70 y en el mes de marzo realizó su último concierto en Copenhague.71 El 17 de marzo de 1969 contrajo matrimonio con el empresario Mickey Deans, en la ciudad de Londres,72 y su divorcio de Mark Herron se produjo el 11 de febrero de ese mismo año.73 Deans fue quien la encontró muerta el 22 de junio de ese año en el baño debido a las píldoras que tomaba para dormir, los barbitúricos.74 La versión oficial señaló que la cantante falleció a causa de un paro cardíaco accidental. A su funeral asistieron más de 20.000 personas, quienes permanecieron durante horas para poder despedir los restos de Judy.75 Sus restos descansan en el cementerio Ferncliff, situado en Hartsdale (Nueva York).

Filmografía

Cine
Año Película Papel Notas
1929 The Big Revue Ella misma  
1930 A Holiday in Storyland Ella misma  
Bubbles Ella misma  
The Wedding of Jack and Jill Ella misma  
1935 La Fiesta de Santa Barbara Ella misma  
1936 Every Sunday Judy  
Pigskin Parade Sairy Dodd  
1937 Broadway Melody of 1938 Betty Clayton  
Thoroughbreds Don't Cry Cricket West  
1938 Everybody Sing Judy Bellaire  
Love Finds Andy Hardy Betsy Booth  
Listen, Darling 'Pinkie' Wingate  
1939 El mago de Oz Dorothy Gale
Babes in Arms Patsy Barton
1940 Andy Hardy Meets Debutante Betsy Booth  
Strike Up the Band Mary Holden  
Little Nellie Kelly Nellie Kelly  
1941 Ziegfeld Girl Susan Gallagher  
Life Begins for Andy Hardy Betsy Booth  
Babes on Broadway Penny Morris  
1942 We Must Have Music Ella misma  
For Me and My Gal Jo Hayden  
1943 Thousands Cheer Ella misma  
Presenting Lily Mars Lily Mars  
Girl Crazy Ginger Gray  
1944 La rueda de la fortuna Esther Smith  
1945 The Clock Alice Mayberry  
1946 The Harvey Girls Susan Bradley  
Ziegfeld Follies  
  • Segmento:"The Great Lady Has An Interview"
'Till the Clouds Roll By Marilyn Miller  
1948 Words and Music Ella misma  
The Pirate Manuela Ava  
Easter Parade Hannah Brown  
1949 In the Good Old Summertime Veronica Fisher  
1950 Summer Stock Jane Falbury  
1954 Ha nacido una estrella Vicki Lester
1960 Pepe Ella misma (voz)  
1961 Judgement at Nuremberg Irene Hoffman Wallner
1962 Gay Purr-ee Mewsette (voz)  
1963 A Child is Waiting Jean Hansen  
I Could Go On Singing Jenny Bowman  
Televisión
Año Programa Papel Notas
1955 Ford Star Jubilee Ella misma  
1956 General Electric Theater Ella misma  
1962 The Judy Garland Show Ella misma
1963 Judy Garland and Her Guests Phil Silvers and Robert Goulet Ella misma  
1963-1964 The Judy Garland Show Ella misma
1964 Judy and Liza at the Palladium Ella misma  
1969 Sunday Night at the London Palladium Ella misma  

Premios y nominaciones

Premios Óscar

Ganadora

Nominada

Premios Globo de Oro

Ganadora

Nominada

Premios BAFTA

Nominada

Premios Grammy

Ganadora

  • 1961: Álbum del año (por Judy at Carnegie Hall)
  • 1961: Mejor vocalista femenina (por Judy at Carnegie Hall)

Premios Emmy

Nominada

  • 1956: Mejor cantante femenina
  • 1962: Mejor actuación individual en programa musical o de variedades (por The Judy Garland Show)
  • 1964: Mejor actuación individual en programa musical o de variedades (por The Judy Garland Show)

Premios Tony

Ganadora

  • 1952: Premio especial

Marlene Dietrich

Marlene Dietrich in No Highway (1951) (Cropped).png

Nombre real Marie Magdalene Dietrich
Nacimiento Flag of the German Empire.svg Schöneberg, Berlín, Imperio alemán (actual Alemania)
27 de diciembre de 1901
Fallecimiento Bandera de Francia París, Francia
6 de mayo de 1992 (90 años)
Ocupación Actriz y cantante
Años activo/a 1919-1984
Familia
Cónyuge Rudolf Sieber (1923-1976)
Hijo/s Maria Elisabeth Sieber
Ficha en IMDb

Marie Magdalene Dietrich, llamada Marlene Dietrich (Berlín, 27 de diciembre de 1901París, 6 de mayo de 1992), fue una actriz y cantante alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense. Es considerada como uno de los más evidentes mitos del séptimo Arte, y también como la novena mejor estrella femenina de todos los tiempos según el American Film Institute.1

Biografía

Nacida en el barrio berlinés de Schöneberg, Alemania, fue hija de Louis Erich Otto Dietrich y Wilhelmina Elisabeth Josephine Felsing. Tenía una hermana dos años mayor que ella llamada Elisabeth.

Inicios en Alemania

Su nombre viene de María Magdalena, según narra entre otros Josef von Sternberg. Marlene Dietrich tocaba el violín antes de entrar en la escuela de interpretación de Max Reinhardt en 1921. Hizo su debut en el cine dos años después (aunque los historiadores insisten en que Dietrich apareció antes. Tras empezar su carrera en varias películas alemanas como extra desde 1919 (al tiempo que bailaba además en coros de cabaret y en algunas obras menores), obtuvo un papel en la primera película europea sonora, El ángel azul (1930), dirigida por Josef von Sternberg.2 Para esta película, Dietrich literalmente trastocó su figura inicialmente robusta a una más delgada y esbelta.

Se dice que Josef von Sternberg construyó en torno a Marlene Dietrich el mito de la diva, ya que le rindió devoción al rodar siete filmes con ella; pero en sus memorias narra con claridad todas las dificultades que tuvo para hacer de ella (que no sabía inglés) una gran estrella.3 Una vez establecido el mito, Dietrich quedó en parte atada a esa imagen que le daba fama y viviría toda su vida en pos del refinamiento continuo de su apariencia enigmática, como sucederá con Sed de mal de Welles.

Hollywood

 

Marlene Dietrich viajó a Hollywood, el día del estreno de su famoso film, para rodar Marruecos (1930) con Sternberg, por la cual recibió su única nominación al premio Oscar, película excelente, alabada por Eisenstein, según Sterberg.

Su contribución a la historia del cine más recordada es como estrella en varios filmes dirigidos por el propio Sternberg a comienzos de los años 1930, tales como Capricho Imperial y Expreso de Shangai, en los cuales interpreta a femmes fatales. En Devil is a woman (El Diablo era mujer), basada en un relato de Pierre Louys, encarnó a una española «de rompe y rasga», con múltiples tópicos que motivaron las protestas del gobierno conservador en ese momento de la II República española; la película fue prohibida en el país. Era su séptima colaboración con el director, y amante, que la condujo a la fama.

Gradualmente Marlene amplió su repertorio en Arizona, Berlín Occidente y Testigo de cargo (las dos últimas, bajo la dirección de Billy Wilder), así como en Sed de mal (Touch of evil) de Orson Welles y Vencedores o vencidos (1961), sobre los Juicios de Núremberg.

En esta última película, tiene una hermosa escena en la que pasea por la calle con el actor Spencer Tracy y escuchan como música de fondo de una taberna alemana la famosa canción "Lili Marleen" que ella popularizó y que ella misma traduce al inglés en la película.

Fue poseedora del título de «las piernas perfectas», tanto que fueron aseguradas por un millón de dólares. Fue la única estrella capaz de hacer sombra al destello de Greta Garbo, con la que mantuvo una actitud distante y de soterrada rivalidad que al parecer se reemontaba a su juventud.4

Su deslumbrante presencia e innegable glamour, reforzado por una actitud de mujer fría e inaccesible, hicieron de Marlene una de las auténticas divas en la historia del cine.

Faceta como cantante

Dietrich cantó en varios de sus filmes; muy señaladamente en El ángel azul, de von Sternberg, en el cual canta "Enamorándome otra vez" (en alemán, "Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt", 'estoy hecha de pies a cabeza para el amor'), grabada en Alemania en la década de 1920. Tras una etapa floja en su carrera, grabó varios discos para Decca, Elektrola, EMI y Columbia. Grabó una famosa versión de "Lili Marleen". Su característica voz fue luego satirizada en algunas canciones.

Segunda Guerra Mundial

En 1937, a la vez que su carrera cinematográfica se detenía, Dietrich se nacionalizó norteamericana. En 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Dietrich fue una de las primeras estrellas en recaudar bonos de guerra estadounidenses, además de entretener a las tropas en el frente, y fue muy conocida por sus fuertes convicciones políticas. Fue una firme anti-nazi que despreció las políticas antisemitas de su tiempo. Incluso grabó varios discos antinazis en alemán, incluyendo Lili Marlene, un ejemplo curioso de una canción transcendiendo los odios de la guerra. Además tocaba la sierra musical para entretener a las tropas y cantó para los aliados en Argelia, Francia y en Alemania con los generales James M. Gavin y George S. Patton. Cuando le preguntaron por qué lo había hecho a pesar del evidente peligro, contestó su ya famosa frase: «aus Anstand» («por decencia»).

Teatro y cabaret

De los años 1950 a mediados de los años 1970, Dietrich hizo giras internacionales como gran actriz de cabaret. Su repertorio incluía canciones de sus películas, así como canciones populares de aquel entonces. Hasta la mitad de los años 1960, su director musical fue el famoso compositor Burt Bacharach. Sus arreglos ayudaron a disfrazar su limitado rango de voz y le permitieron interpretar sus canciones al máximo grado de efectos dramáticos.

Espectaculares vestuarios (de Jean Louis), trajes de látex, luces cuidadosamente utilizadas, y -se rumorea- leves estiramientos faciales improvisados (estirando su piel al hacerse apretadas y tensas trenzas y luego poniendo sensuales pelucas), la ayudaron a conservar su imagen aún a cierta edad.

En 1968, recibió un Premio Tony por su espectáculo de teatro, y éste fue transmitido por televisión en 1973.

Sus últimos años

Su carrera en el espectáculo terminó en 1974, cuando se rompió una pierna en el escenario. Apareció brevemente en la película Gigoló (Just A Gigolo), en 1979, junto a Kim Novak y David Bowie. Además, escribió y contribuyó a varios libros en los años 1980. Pasó su última década principalmente en reposo en su apartamento en la avenida Montaigne de París, Francia, tiempo en el cual no fue vista en público, pero fue muy aficionada a escribir cartas y llamar por teléfono. Maximilian Schell la persuadió para ser entrevistada para su documental de 1984 Marlene, pero no apareció en pantalla. No estuvo mucho en contacto con su hija, Maria Riva, quien competía con ella en los mismos ámbitos, pero sí con su nieto, Peter Riva. Su esposo, Rudolf Sieber, murió de cáncer el 24 de junio de 1976.

En una entrevista para la revista alemana Der Spiegel en noviembre de 2005, su hija y nieto afirmaron que Marlene Dietrich estuvo políticamente "activa" durante esos años; mantuvo contacto telefónico con prominentes gobernantes, gastando más de 3.000 dólares mensuales en llamadas telefónicas. Sus contactos incluían a Ronald Reagan y Mijaíl Gorbachov, aunque su influjo sobre ellos se desconoce.

Dietrich murió tranquilamente el 6 de mayo de 1992, a los 90 años, en París. Su ceremonia fúnebre fue realizada en la iglesia de La Madeleine de París ante 3.500 dolientes y una multitud fuera del templo. Su cuerpo, cubierto con una bandera norteamericana, fue enviado a Berlín donde fue enterrada en el cementerio municipal de Berlin-Schöneberg, su lugar de nacimiento. Marlene Dietrich dijo al amigo que le acompañaba en el dormitorio de su lujosa vivienda en París, justo antes de morir: «Lo quisimos todo, y lo conseguimos, ¿no es verdad?».

En 1994, su memorabilia (documentos y objetos personales) fue vendida a la Cineteca de la Fundación Alemana (después de que instituciones estadounidenses no mostraran interés en ella) donde fueron el centro de atención de la muestra[1] del Centro Sony de Potsdamer Platz, Berlín.

Marlene en Hollywood

Dietrich nunca se integró realmente en la industria de Hollywood, siendo siempre independiente del gusto general en su país de adopción. Su fuerte acento alemán dio un toque extra a sus interpretaciones, pero la etiquetó como "extranjera" a los ojos de los norteamericanos.

Fue además un icono de la moda para los altos diseñadores, así como para las estrellas que la sucedieron. Popularizó, entre otras prendas, el uso de pantalones, lo cual, junto con su imagen pública y las insinuaciones de bisexualidad en alguna de sus películas, contribuyó a menudo a crear fuertes rumores, nunca confirmados por ella, sobre su vida sentimental.

Marlene fue famosa por su pulcra apariencia, su compleja y estudiada figura, su buen vestir (impuso la moda del pantalón femenino) y su imagen de femme fatale. Fue icono de la elegancia y el glamour, siempre apareció como parte de brillo hollywodense.

Vida privada

A diferencia de su vida profesional, cuidadosamente manejada y conocida, mantuvo su vida personal alejada del público. Se casó con el asistente de director Rudolf Sieber, pero tuvo relaciones amorosas con Steinberg, entre otros.5 El gran amor de la actriz, parece que fue el actor y héroe militar francés Jean Gabin.

Además de algunas fuentes no confirmadas, los pocos detalles de su vida privada provienen de su única hija, Maria Riva (nombre de casada, pues Maria Elisabeth Sieber nació el 13 de diciembre de 1924. Maria Riva) declaró que, a pesar que la respetaba como figura, nunca quiso a su madre y que Marlene Dietrich vivía para, por y dentro de la imagen que se proyectaba en el espejo. Fue la crítica más punzante del mito que había construido su propia madre, y declaró que su madre jamás conoció el verdadero amor, que fue una persona muy solitaria y manipuladora.6

Cuando Maria Riva dio a luz a un hijo en 1948, Dietrich recibió el apodo de «la abuela más glamourosa del mundo».

Curiosidades

Su relación con el director de cine Josef von Sternberg está recreada en el relato "La audición" de Francesc Miralles, en VV.AA., Ellos y ellas. Relaciones de amor, lujuria y odio entre directores y estrellas (coeditores: Hilario J. Rodríguez y Carlos Tejeda). Calamar Ediciones /Festival de Cine de Huesca, 2010.7

Filmografía

Selección de canciones

  • Nimm dich in Acht vor blonden Frau’n
  • Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt
  • Wenn die beste Freundin
  • Quand l’Amour meurt
  • Wenn ich mir was wünschen dürfte
  • Die Welt war jung
  • Ich hab noch einen Koffer in Berlin
  • Es liegt in der Luft
  • Ich bin die fesche Lola
  • Give Me the Man
  • Falling in Love Again
  • Kinder, heut’ abend, da such ich mir was aus
  • Johnny, wenn du Geburtstag hast
  • Paff, der Zauberdrachen (auch englisch Puff, the Magic Dragon)
  • Leben ohne Liebe kannst du nicht
  • Cherche la Rose
  • Sag mir, wo die Blumen sind
  • Du hast ja keine Ahnung, wie schön du bist, Berlin
  • Die Antwort weiß ganz allein der Wind
  • Wo hast du nur die schönen blauen Augen her
  • Just a Gigolo

Plantilla:Infobox Chartplatzierungen

  • Lili Marleen
  • The Boys in the Backroom'
  • Awake in a Dream
  • Illusions
  • The Laziest Gal in Town
  • I May Never Go Home Anymore
  • Allein in einer großen Stadt
  • Bitte geh nicht fort (Ne me quitte pas)
  • Mein blondes Baby
  • Blond Woman
  • You’ve Got That Look
  • Peter
  • Hot Voodoo
  • Lieber Leierkastenmann
  • Untern Linden… untern Linden
  • Das war in Schöneberg
  • Das war sein Milljöh
  • Wenn du einmal eine Braut hast
  • Mein Mann ist verhindert

Bibliografía


Joan Crawford

Nombre real Lucille Fay Le Sueur
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos San Antonio, Estados Unidos
23 de marzo de 1905
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Nueva York, Nueva York, Estados Unidos
10 de mayo de 1977 (72 años)
Familia
Cónyuge Douglas Fairbanks Jr.
Franchot Tone
Philip Terry
Alfred Nu Steele
Hijo/s Christina, Christopher
Premios
Premios Óscar Mejor actriz
1945 Mildred Pierce
Ficha en IMDb

Lucille Fay Le Sueur, más conocida como Joan Crawford (n. San Antonio, Texas; 23 de marzo de 1905 - f. Nueva York; 10 de mayo de 1977), fue una actriz estadounidense. Fue una de las pocas superestrellas de la época muda en adaptarse al cine sonoro en Hollywood. Es considerada la décima estrella femenina de todos los tiempos por el American Film Institute.

Biografía

Nacida el 23 de marzo de 1905 en San Antonio (Texas), provenía de una familia modesta. Su padre, Thomas Le Sueur, de origen francocanadiense, abandonó la familia antes del nacimiento de Crawford. Luego, su madre, Anna Bell, de origen sueco, contrajo matrimonio en segundas nupcias con Henry Cassin, empresario de teatro, lo que mejoró ostensiblemente la economía y la vida de la pequeña Lucille.

En 1915 ya ejercía de camarera en un hotel de Kansas City, compaginándolo con sus estudios en St. Agnes Convent, más tarde en la Rockingham School y finalmente en el Stephen College de Columbia (Missouri) donde aprendió a bailar; el baile fue su primera vocación, pese a que sufrió un accidente que le afectó las piernas. En 1921 debutó en el coro de la revista de Katherine Emerine, también en Kansas City.

En 1925 ganó un concurso de danza que facilitó su lanzamiento como actriz por la Metro Goldwyn Mayer, en un principio únicamente como doble de Norma Shearer. Su primera película de éxito fue Como las mariposas. Su matrimonio con Douglas Fairbanks Jr. impulsó además su carrera.

Llevó una de las vidas sexuales más promiscuas de Hollywood, no sólo con hombres sino también con mujeres. En su lista de conquistas se incluyó a Marilyn Monroe, si bien se dice que ésta la rechazó. Ganó tal fama de devoradora de hombres y mujeres que Bette Davis llegó a afirmar de ella que se había acostado «con todas las estrellas de la Metro Goldwyn Mayer, salvo la perra Lassie».

Tras cuatro filmes cambió de nombre a Joan Crawford. A partir de 1944, abandona la Metro y trabaja alternativamente en varias productoras sin llegar a atarse a ninguna: la Warner Brothers, la Columbia y, al final de su carrera, la RKO.

Se casó en tres ocasiones más, con Franchot Tone, Philip Terry y Alfred Nu Steele, este último presidente de Pepsi-Cola, quien, al morir, dejó a Joan como miembro de la mesa directiva de dicha empresa. Adoptó a cuatro niños.

Su declive comenzó a hacerse más notorio en el cine y se fue dedicando cada vez más a los negocios. Como mujer madura regresó a las pantallas para encarnar a mujeres perversas, papeles en los que siempre estuvo muy a gusto. Interesantemente, en 1968, suplantó por unos capítulos a su propia hija adoptiva, Christina Crawford en un papel del culebrón The Secret Storm (La Tormenta Secreta).

Obtuvo el destacado premio Óscar a la mejor actriz en 1945 por Alma en suplicio (Mildred Pierce), la versión cinematográfica de una novela de James Cain. En 1947, por segunda vez y en 1952, por tercera vez, fue nominada al premio Óscar por Amor que mata y Sudden Fear. Trabajó en total en más de setenta películas y poseía un temperamento muy fuerte que le valió numerosos roces con distintos personajes. Su boca ancha, su rostro cuadrado y sus inmensos ojos la convirtieron en una de las actrices más carismáticas y con mejor registro dramático de Hollywood. Se recuerdan especialmente sus interpretaciones en Johnny Guitar en 1954 y en ¿Qué fue de Baby Jane? en 1962, junto a la también célebre y legendaria actriz Bette Davis. Su última interpretación fue en la película Trog en 1970.

Joan Crawford, falleció un 10 de mayo de 1977 en Nueva York, a causa de un cáncer.

Detalles curiosos

Su enemiga profesional y personal fue la célebre actriz Bette Davis, otro mito del cine. Ambas se detestaban a morir, y curiosamente les tocó trabajar juntas como protagonistas en el excelente film ¿Qué fue de Baby Jane? donde Crawford es Blanche Hudson maltratada brutalmente por Jane Hudson (Bette Davis). Davis hizo instalar una maquina dispensadora de Coca-Cola en el set, para hacer enfadar a Joan Crawford ya que su esposo, Alfred Nu Steele, era un ejecutivo de Pepsi-Cola.

Crawford tenía otra enemiga aunque menos publicitada: odiaba enormemente a Norma Shearer, debido a que ésta estaba casada con un gran ejecutivo de la MGM y los mejores papeles le llegaban. Todo esto comenzó cuando Shearer obtuvo el papel de Jan Ashe en la adaptación fílmica del libro “A Free Soul”. El guionista había pensado en Crawford cuando creo la historia, y Crawford peleó por conseguir el papel. Su pelea fue en vano; con Irving Thalberg en la producción de la película, el papel fue a dar a manos de su esposa. La película fue nominada para tres premios oscar, incluyendo mejor actriz principal para Norma.

Desde ahí Crawford hizo de Shearer su rival en MGM. Comentando la “ventaja” que tendría Shearer para obtener los buenos papeles, Crawford decía: “Duerme con el jefe. ¿Quién puede competir con eso?”

Crawford también descalificaba la apariencia y talento de Shearer diciendo: “No lo entiendo. Es bizca, patizamba, y no puede actuar ni una maldita cosa. ¿Qué es lo que ven en ella?. Ante estos dichos Shearer respondió: “Es imposible hacer algo bien hecho sin pisarle los pies a algunas personas; tener enemigos es inevitable cuando uno hace las cosas bien”

Durante la grabación de la comedia de 1939 “The Women”, su rivalidad se volvió más publicitada con cosas como que Crawford tejía fuertemente durante las grabaciones de las escenas de Shearer. Debido a esto George Cukor, el director, tuvo que echarla del plató. El enfrentamiento fue bueno para la película, la buena publicidad, y la buena producción hicieron de la película un éxito.

El personaje de Crawford en esa película es de alguien que roba el marido al personaje de Shearer. Debido a esto Crawford dijo: “Adoro interpretar a perras, y ella me ayudo con eso.1

Filmografía

 

Premios

Premios Óscar

Año Categoría Película Resultado
1952 Mejor Actriz Miedo súbito Candidata
1947 Mejor Actriz Possessed Candidata
1945 Mejor Actriz Mildred Pierce Ganadora

 


Barbara Stanwyck

Annex - Stanwyck, Barbara (Stella Dallas) 01.jpg

Nombre real Ruby Catherine Stevens
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos
16 de julio de 1907
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Santa Mónica, California, Estados Unidos
20 de enero de 1990 (82 años)
Ocupación Actriz
Años activo/a 1923-1986
Familia
Cónyuge Frank Fay (1928–1935)
Robert Taylor (1939–1951)
Hijo/s Anthony Dion Fay (adoptado)
Premios
Premios Óscar 1981 : Oscar Honorífico
Ficha en IMDb

Barbara Stanwyck (n. Brooklyn, Nueva York; 16 de julio de 1907 - f. Santa Mónica, California; 20 de enero de 1990), actriz estadounidense, candidata cuatro veces a los Premios Óscar de Hollywood y ganadora finalmente de uno honorífico en 1982. Es uno de los Mitos del Séptimo Arte y una de las mujeres fatales más emblemáticas de la historia del cine.

Biografía

Su nombre real era Ruby Catherine Stevens. La menor de cinco hermanos, su madre murió cuando ella era muy niña y su padre la abandonó poco después, y creció acogida en varias familias.

Comenzó trabajando de telefonista, y como corista en distintos espectáculos de vodevil. Posteriormente conseguiría trabajar en Broadway, donde conoció a su primer marido, el polémico actor Frank Fay, y con el que se fue a Los Ángeles para intentar comenzar una carrera en el cine. Se dice que el guion para la película Ha nacido una estrella, de William A. Wellman está basado en su conflictivo matrimonio y la obsesión de su marido por convertirla en una estrella.

Trayectoria

Su primera película en el cine fue Broadway Nights, en el año 1927. Colaboró en muchas películas con Frank Capra, como Mujeres ligeras o Amor prohibido, ambas del año 1932. Después de algunas otras películas, con directores como John Ford, su primer gran papel llega con la película Stella Dallas, de King Vidor, en el año 1937, con la que lograría su primera nominación a los Óscar, aunque en esta ocasión se lo llevó Luise Rainer por La buena tierra.

Barbara se empezó a especializar en papeles de mujeres duras y fuertes. Su belleza no era tan ortodoxa como el de las grandes estrellas de Hollywood, pero eso no le impidió interpretar a algunas de las mujeres fatales más importantes de la historia del cine.

Hizo otras películas estupendas, como Bola de fuego (Ball of fire), de Howard Hawks en 1941 (su segunda nominación al Óscar, que tampoco se llevó) o Juan Nadie (Meet John Doe), de Frank Capra también en el año 1941, donde demostró que aparte de cine negro, era capaz de hacer comedias y melodramas.

Double Indemnity

El mayor éxito de su carrera le llegó en el año 1944, con la película Double Indemnity, titulada en España Perdición, dirigida por Billy Wilder, e interpretada también por Fred MacMurray y Edward G. Robinson. Con un guion de Raymond Chandler, basado en una novela de James M. Cain, la película es una de las grandes obras maestras del cine negro, y ella interpretó el papel de mujer manipuladora, insensible y malvada. Su papel de "Phyllis Dietrichson", es probablemente el modelo en el que se han basado para definir el estereotipo cinematográfico de mujer fatal. Su magnífica interpretación le valió su tercera nominación al Óscar, pero tampoco se lo llevó ya que era el año en que Ingrid Bergman lo ganó por Gaslight.

Posteriormente a este gran personaje, hizo otras películas también memorables, como El extraño amor de Martha Ivers (1946), de Lewis Milestone, o Sorry, wrong number, en 1948, de Anatole Litvak, lo que le supuso su cuarta nominación a los Óscar, que en esta ocasión se lo arrebató Jane Wyman.

Continuó haciendo películas magníficas en papeles nada convencionales, como en Clash by Night, de Fritz Lang, junto a Marilyn Monroe, en 1952, o en Walk on the Wild Side, en 1962, de Edward Dmytryk, en donde interpretó a la primera lesbiana declarada de la historia del cine.

Últimos trabajos

Durante los años 1950 y los años 1960 hizo bastante televisión, tuvo su propio programa, que le valió un premio Emmy, aparte de colaborar en diversas series, como Valle de pasiones.

Por sus contribuciones al mundo del cine, se le puso una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 1751 de Vine Street, y como reconocimiento a toda su carrera, en el año 1982 consiguió un Óscar honorífico.

Tras rechazar el papel de Angela Channing en la serie estadounidense Falcon Crest, Bárbara intervino en tres series emblemáticas de los ochenta que fueron sus últimos trabajos: El pájaro espino (junto a Richard Chamberlain), Dinastía y Los Colby, en ambas en el papel de Constance Colby.

Vida personal y final

Su primer matrimonio fue el 26 de agosto de 1928 con el actor Frank Fay. Adoptó un niño que se llamó Anthony Dion Fay, y se divorció dramáticamente en el año 1936 entablando una larga batalla legal por la custodia de Dion. Ya ganada la batalla legal, Stanwick abandonó a Dion a su suerte colocándolo en internados.1

Barbara Stanwyck se casó en 1939 con el actor Robert Taylor, matrimonio que duró doce años, hasta su divorcio en 1951 debido a infidelidades de Taylor con Ava Gardner y Lana Turner que incluso la llevaron a un intento de suicidio.2

Tuvo amoríos con Frank Capra y Henry Fonda. Pero por su amistad con Joan Crawford, César Romero, Richard Chamberlain y Clifton Webb, la prensa amarillista la estigmatizó como una lesbiana de closet (en el armario o encubierta).3

En el rodaje de Sueños de oro conoce a William Holden, y ahí se iniciaría una larguísima amistad que duraría hasta la muerte de él, hasta el punto de que cuando ella ganó el premio Óscar honorífico en el año 1982, se lo dedicó a él, ya que había fallecido poco tiempo antes.

Barbara Stanwyck murió a los 82 años de edad en su casa de Santa Mónica, debido a una enfermedad del corazón. Adicionalmente, durante toda su vida sufrió de artrosis degenerativa y su columna vertebral se vio afectada por una dolorosa escoliosis. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas esparcidas en la localidad de Lone Pine.

Filmografía

Premios

Óscar

Año Categoría Película Resultado
1981 Oscar Honorífico Ganadora
1948 Mejor actriz Sorry, Wrong Number Candidata
1944 Mejor actriz Double Indemnity Candidata
1941 Mejor actriz Ball of Fire Candidata
1937 Mejor actriz Stella Dallas Candidata

 


Claudette Colbert

Claudette colbert.jpg

Nombre real Lily Claudette Chauchoin
Nacimiento Bandera de Francia Saint-Mandé, Francia
13 de septiembre de 1903
Fallecimiento Flag of Barbados.svg Speightstown, Barbados
30 de julio de 1996 (92 años)
Ocupación Actriz
Años activo/a 1923-1987
Familia
Cónyuge Norman Foster (1928-1935)
Joel Pressman (1935-1968)
Premios
Premios Óscar Mejor actriz
1934 It Happened One Night
Ficha en IMDb

Émilie Chauchoin (13 de septiembre de 1903 en Saint-Mandé,1 Francia - 30 de julio de 1996 en Barbados), actriz de cine americana.

Biografía

Lily Claudette Chauchoin nació en Saint-Mandé,1 hija de un banquero francés que fue trasladado a Estados Unidos en 1906, cuando la niña contaba con tres años. Apasionada por las obras de Broadway, una adolescente Claudette comenzó a estudiar Arte Dramático mientras trabajaba en una tienda de ropa para pagarse sus clases.

En 1923, The Wild Wescotts fue la ópera prima en el teatro de Claudette, que a partir de entonces adoptó el nombre con el que se hizo famosa cuatro años después, interpretando The Barker. También en 1927, la joven empezó a colaborar en el cine, pero su primera película, For the love of Mike fue un fracaso de taquilla y la hizo volver al teatro.

Cuando volvió al celuloide, en 1929, su película The Lady Lies fue, por el contrario, un enorme éxito. El año anterior, 1928, había contraído matrimonio con el director Norman Foster.

Después de cinco años de éxitos casi seguidos, Claudette Colbert ya era una actriz reconocida y respetada en el mundo del cine, pero lo mejor estaba aún por llegar. Cleopatra, una de las obras más recordadas de Cecil B. DeMille, en 1934, consagró a la actriz; pocos meses después, It Happened One Night (Sucedió una noche), comedia que protagonizó con Clark Gable, haría que Claudette se metiera de lleno en la historia del cine y que, además, ganara un Óscar a la mejor actriz.

Un año después, en 1935, se divorció de Norman Foster, con el que jamás había convivido desde el día de su matrimonio, para casarse con el doctor Joel Pressman. Ya en la década de 1940, probó suerte en la televisión y como directora (Texas Lady, 1955). Continuó trabajando en cine y televisión hasta 1987, dedicándose por completo al teatro desde entonces y hasta 1992.

Su segundo marido falleció de un hepatocarcinoma en 1968.

Falleció en Speightstown, Barbados, a los 92 años de edad después de sufrir varias apoplejías consecutivas.

Filmografía

 

  • The Two Mrs. Grenvilles (1987) (TV)
  • Parrish (1961)
  • The Bells of St. Mary's (1959) (TV)
  • Blithe Spirit (1956) (TV)
  • Texas Lady (1955)
  • Si Versailles m'était conté (1954)
  • Destinées (1954)
  • The Planter's Wife (1952)
  • Let's Make It Legal (1951)
  • Thunder on the Hill (1951)
  • The Secret Fury (1950)
  • Three Came Home (1950)
  • Bride for Sale (1949)
  • Family Honeymoon (1949)
  • Sleep, My Love (1948)
  • The Egg and I (1947)
  • The Secret Heart (1946)
  • Without Reservations (1946)
  • Tomorrow Is Forever (1946)
  • Guest Wife (1945)
  • Practically Yours (1944)
  • Since You Went Away (1944)
  • So Proudly We Hail! (1943)
  • No Time for Love (1943)
  • The Palm Beach Story (1942)
  • Remember the Day (1941)
  • Skylark (1941)
  • Arise, My Love (1940)
  • Boom Town (1940)
  • Drums Along the Mohawk (1939)
  • It's a Wonderful World (1939)
  • Midnight (1939)
  • Zaza (1939)
  • Bluebeard's Eighth Wife (1938)
  • Tovarich (1937)
  • I Met Him in Paris (1937)
  • Maid of Salem (1937)
  • Under Two Flags (1936)
  • The Bride Comes Home (1935)
  • She Married Her Boss (1935)
  • Private Worlds (1935)
  • The Gilded Lily (1935)
  • Imitation of Life (1934)
  • Cleopatra (1934)
  • It Happened One Night (Sucedió una noche) (1934)
  • Four Frightened People (1934)
  • Torch Singer (1933)
  • Three-Cornered Moon (1933)
  • I Cover the Waterfront (A la sombra de los muelles) (1933)
  • Tonight Is Ours (1933)
  • The Sign of the Cross (1932)
  • The Phantom President (1932)
  • Make Me a Star (1932) (cameo)
  • The Man from Yesterday (1932)
  • Misleading Lady (1932)
  • The Wiser Sex (1932)
  • His Woman (1931)
  • Secrets of a Secretary (1931)
  • The Smiling Lieutenant (1931)
  • Honor Among Lovers (1931)
  • Énigmatique Monsieur Parkes, L' (1930)
  • Manslaughter (1930)
  • The Big Pond (Grande mare, La) (1930)
  • Young Man of Manhattan (1930)
  • The Lady Lies (1929)
  • The Hole in the Wall (1929)
  • For the Love of Mike (1927)
 
Claudette Colbert en A la sombra de los muelles, 1933.
 
Claudette Colbert en It's a Wonderful World, 1939.
 
Claudette Colbert en The Secret Heart, 1946.

Citas

  • "La mayor parte de nosotros no sabemos qué es la felicidad hasta que ésta se ha ido".
  • "Actuar es algo para lo que naces. Lo tienes o no lo tienes".
  • "Los hombres no se vuelven más listos al madurar. Solamente se les cae el pelo".

 


Grace KellyGrace Kelly - High Society.jpg

 

18 de abril de 1956
14 de septiembre de 1982
Predecesor Ghislaine Dommanget
Sucesor Charlene Wittstock
 
Información personal
Nombre secular Grace Patricia Kelly
Otros títulos
Nacimiento 12 de noviembre de 1929
Filadelfia, Pensilvania,
Flag of the United States.svg
Estados Unidos
Fallecimiento 14 de septiembre de 1982
(52 años)
Centro Hospitalario Princesa Gracia, Flag of Monaco.svg Mónaco
Entierro Catedral de San Nicolás,
Flag of Monaco.svg 
Mónaco
Residencia Palacio de Mónaco
Familia
Casa Real Grimaldi
(Por matrimonio)
Padre John Brendan Kelly
(
1889 - 1960)
Madre Margaret Katherine Majer
(
1899 - 1990)
Cónyuge Raniero III (1956-1982)
Descendencia

Firma Firma de Grace Kelly
Royal Monogram of Princess Grace of Monaco.svg
Escudo de Grace Kelly

Grace Patricia Kelly, (Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, 12 de noviembre de 1929 - Mónaco, 14 de septiembre de 1982), fue una actriz de cine estadounidense. Al contraer matrimonio con el príncipe Raniero III de Mónaco, se convirtió en Su Alteza Serenísima la Princesa Gracia de Mónaco.

Biografía

Nació en Filadelfia el 12 de noviembre de 1929, como Grace Patricia Kelly, en el seno de una familia de origen irlandés y católica. Su padre, John Brendan Kelly era un empresario y deportista que había ganado tres medallas de oro olímpicas en remo. Su madre fue Margaret Katherine Majer, de ascendencia alemana. Sus hermanos mayores fueron Margaret Katherine y John Brendan, Jr., y su hermana pequeña Elizabeth Anne.

A pesar de que su familia se opuso a que fuese actriz, Grace quiso realizar el sueño que había tenido desde niña. Se fue a Nueva York donde trabajó como modelo y estudió interpretación en la Academia Nacional de Arte Dramático.

En 1949 consiguió su primer papel en Broadway, la zona de teatros más prestigiosa de Nueva York, donde interpretó la obra El padre, del dramaturgo sueco August Strindberg, junto a Raymond Massey. Seguidamente, hizo algunas apariciones en televisión, hasta que decidió trasladarse a Los Ángeles para probar fortuna en el cine.

Ya en 1951, a los 22 años, Kelly hizo su primera película, Catorce horas, actuando en un papel secundario. Su elegancia y belleza llamaron poderosamente la atención en Hollywood, de forma que al año siguiente se le ofreció el papel principal en el western High Noon (conocido como Solo ante el peligro en España y A la hora señalada en Latinoamérica), junto a Gary Cooper.

Su siguiente film fue Mogambo, junto a Clark Gable y Ava Gardner, por el cual fue candidata al Óscar como mejor actriz de reparto.

En su corta carrera cinematográfica, Kelly fue una de las actrices favoritas de Hitchcock, con quien trabajó en tres películas, Crimen perfecto con Ray Milland, La ventana indiscreta con James Stewart, y To Catch a Thief (Atrapa a un ladrón en España y Para atrapar al ladrón en Latinoamérica) con Cary Grant.

Durante el rodaje de este último largometraje en el principado de Mónaco, el Príncipe Raniero visitó el hotel donde se alojaba la actriz y quedó prendado de ella, iniciando discretamente un cortejo mientras continuaba la labor actoral de Grace.

Trabajó seguidamente al lado de sir Alec Guinness en el El Cisne, un anticipo de la aristocrática vida futura que le esperaba (1955).

En 1954, a los 25 años, ganó un Óscar a la mejor actriz principal por The Country Girl (La angustia de vivir o La que volvió por su amor), coprotagonizada por Bing Crosby y William Holden.

Para entonces, el príncipe Raniero no sólo había conquistado a la bella actriz, sino que había efectuado discretas visitas a Estados Unidos, solicitando su mano.

Su última película fue Alta sociedad, nuevamente con Bing Crosby.

Después se trasladó a Mónaco para casarse con Raniero, quien le había manifestado, muy a pesar de Kelly, que si se convertía en princesa de Mónaco debía dejar el cine dado que era incompatible con los deberes de una futura princesa. El matrimonio fue considerado como la Boda del Siglo por los medios de prensa.

En los años de soltería en que fue actriz, se dice que Kelly vivió varios romances, principalmente con los actores con los que había trabajado, como Clark Gable, William Holden, Bing Crosby y Cary Grant.

Matrimonio e hijos

Contrajo matrimonio civil con el príncipe Raniero el 16 de abril de 1956 en el Salón del Trono del Palacio de Mónaco.

Su boda religiosa con el príncipe Raniero, en la que llevó un traje de novia diseñado por la americana Helen Rose, tuvo lugar en la Catedral de Mónaco el 19 de abril de 1956. A partir de entonces su vida y su trabajo estuvieron dedicados por entero a su familia y a su nuevo país.

Su figura y estilo dieron un nuevo impulso al Principado de Mónaco, el cual creció económicamente gracias al turismo y al impulso de inversionistas, atraídos por las concesiones económicas impulsadas por Raniero.

El matrimonio tuvo tres hijos:

Muerte

El 13 de septiembre de 1982 la princesa Gracia sufrió un accidente cuando conducía su coche por una carretera cercana a Mónaco, la misma que aparece en la película Atrapa a un ladrón, donde la Princesa y Cary Grant hacen un picnic.

El lugar exacto del accidente está en las coordenadas 43°43′41.23″N 7°23′43.43″E. Llevaba a su hija Estefanía como acompañante, quien salió ilesa y de quien se rumoreó que era la que conducía el coche en el momento del accidente. Al día siguiente, la Princesa murió sin recobrar el conocimiento en el Centro Hospitalario Princesa Gracia. Tenía 52 años.

Grace está enterrada en la Catedral de San Nicolás junto con su esposo Raniero III, quien nunca pudo superar la pérdida de su esposa.

Otros datos

Su nombre aparece junto a otras estrellas como Greta Garbo o Marilyn Monroe en la parte del rap de la mítica canción de Madonna "Vogue", homenajeando así a actores de la época dorada de Hollywood.

El cantante de origen libanés Mika le dedicó una canción con su propio nombre, "Grace Kelly". Este fue el single más famoso de su primer disco Life in Cartoon Motion.

En el año 2009 se estrenó el cortometraje del director Armand Rovira ¿Qué será de baby Grace?, donde se resucita cinematográficamente a Grace Kelly con las imágenes de archivo de la princesa en su estancia en Mallorca. Este cortometraje en blanco y negro está protagonizado por Álex Angulo.

Filmografía completa

Premios

Óscar
Año Categoría Película Resultado
1953 Mejor actriz de reparto Mogambo Nominada
1954 Mejor actriz La angustia de vivir Ganadora

Distinciones honoríficas

  • MCO Order of Saint-Charles - Grand Cross BAR.png Dama Gran Cruz de la Orden de San Carlos (Principado de Mónaco).

Ancestros

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
16. Link Kelly
 
 
 
 
 
 
 
 
8. Brian Kelly
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
17.
 
 
 
 
 
 
 
 
4. John Henry Kelly
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
18. Michael McLauglin
 
 
 
 
 
 
 
 
9. Honora Margaret McLaughlin
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
19. Mary Burke
 
 
 
 
 
 
 
 
2. John Brendan Kelly
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
20. John Costello
 
 
 
 
 
 
 
 
10. Walter Costello
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
21. Bridget McLaughlin
 
 
 
 
 
 
 
 
5. Mary Anne Costello
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
22.
 
 
 
 
 
 
 
 
11. Anne Burke
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
23.
 
 
 
 
 
 
 
 
1. Gracia Patricia, Princesa Consorte de Mónaco
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
24. Gustav Majer
 
 
 
 
 
 
 
 
12. Johann Karl Majer
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
25. Elfriede Dede
 
 
 
 
 
 
 
 
6. Carl Majer
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
26. Friedrich Wilhelm Adam
 
 
 
 
 
 
 
 
13. Luise Wilhelmine Adam
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
27. Juliane Wilhelmine Feucht
 
 
 
 
 
 
 
 
3. Margaret Katherine Majer
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
28. Johann Georg Berg
 
 
 
 
 
 
 
 
14. Georg Berg
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
29. Anna Elisabeth Antes
 
 
 
 
 
 
 
 
7. Margaretha Berg
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
30. Nicolaus Röhrig
 
 
 
 
 
 
 
 
15. Elisabetha Röhrig
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
31. Margaretha Rothermel
 
 
 
 
 
 
 

 

Predecesor:
Ghislaine Dommanget
Coat of Arms of Monaco.svg
Princesa consorte de Mónaco

18 de abril de 195614 de septiembre de 1982
Sucesor:
Charlene Wittstock

 


Ginger Rogers

Ginger Rogers Argentinean Magazine AD 2.jpg

Nombre real Virginia Katherine McMath
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Independence, Missouri Estados Unidos de América
16 de julio de 1911
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Rancho Mirage, California, Estados Unidos de América
25 de abril de 1995 (83 años)
Nacionalidad Estadounidense
Características físicas
Estatura 5'4 ½" (1.62m)
Ojos Azules
Premios
Premios Óscar Mejor actriz
1940 Kitty Foyle
Ficha en IMDb

Ginger Rogers (Independence, (Missouri), 16 de julio de 1911 - 25 de abril de 1995), actriz, bailarina y cantante estadounidense y ganadora de un Oscar. En sus 35 años de carrera, hizo un total de 73 películas, aunque sus papeles más recordados fueron los que hizo junto a Fred Astaire en una serie de diez películas musicales, que revolucionaron el concepto del musical moderno.

Biografía

Primeros años

Virginia Katherine McMath era hija de Eddins McMath, de ascendencia escocesa y Lela Owens McMath, de antepasados galeses. Su madre se separó de su padre poco después de su nacimiento. Así madre e hija se fueron a vivir cerca de Kansas City. A partir de ahí, la pequeña Virginia vivió una constante lucha entre sus padres por su custodia hasta que se quedó definitivamente viviendo con sus abuelos Walter y Saphrona Owens. Muchos de sus primos empezaron a cortar el nombre de Virginia por el de "Ginga", dando origen a su nombre artístico.

Cuando contaba con nueve años, su madre se volvió a casar con John Logan Rogers. Ginger comenzó a usar el nombre de Rogers, aunque nunca fue legalmente adoptada. Vivieron en Fort Worth, Texas, y su madre empezó a trabajar como crítica de teatro para un diario local, el Fort Worth Record. Así fue como Ginger empezó a interesarse por el mundo del espectáculo. Esperando a su madre mientras terminaban las entrevistas, Ginger empezaba a cantar y bailar encima de los escenarios.

Vaudeville

Cinco años después, Ginger Rogers hizo su debut en el mundo del espectáculo. El espectáculo de vaudeville de Eddie Foy organizó un concurso para encontrar jóvenes talentos. Ginger entró y ganó el concurso con un baile de charlestón. Comenzó así una gira con el teatro de variedades por todo el país durante los siguientes tres años. Rogers tenía 14 años.

A los 17 años, Ginger se casó con Jack Culpepper, también bailarín, pero su matrimonio no duró demasiado. Más tarde, viajaría a Nueva York con su madre. Allí empezó a hacer diferentes trabajos en la radio y en Broadway, donde debutaría con un musical llamado Top Speed, que se estrenó el 25 de diciembre de 1929.

Carrera cinematográfica

Sus primeras apariciones en el cine fueron en 1929, en un grupo de cortometrajes que llevaban por título Night in the Dormitory, A Day of a Man of Affairs y Campus Sweethearts.

Poco después, Rogers fue elegida para protagonizar en Broadway el musical Girl Crazy de George Gershwin e Ira Gershwin. Allí también estaba Fred Astaire, que fue contratado para ayudar a los bailarines con su coreografía. Así fue como Astaire conoció a Rogers, en lo que sería el principio de una historia irrepetible. El éxito de Girl Crazy fue inapelable y en 1930, con 19 años, Rogers firmaría con la Paramount Pictures un contrato por siete años.

A pesar del contrato, Rogers pronto se desvinculó del mismo y empezó a buscarse la vida en Hollywood por si misma. Su debut empezó en 1930 con tres películas olvidables con Pathé. Una serie que continuó durante los siguientes años hasta que en 1933 le llegó su auténtica oportunidad con un musical que hizo historia: La calle 42 (42nd Street), dirigida por Lloyd Bacon y Busby Berkeley, y producida por Warner Brothers. En ella compartió cartel con algunos de las jóvenes promesas del cine norteamericano del momento, los luego consagradísimos -y hoy olvidados-: Dick Powell, Warner Baxter, Ruby Keeler o Una Merkel.

A partir de ahí, la cotización de Rogers subió y trabajó al año siguiente con RKO para rodar Volando hacia Río (Flying Down to Rio) de Thornton Freeland (1933), un musical concebido como vehículo para la famosa y exótica actriz mexicana Dolores del Río ("El precio de la gloria" 1925, "Evangeline" 1929), afincada en Hollywood desde los años finales del cine mudo.

Pareja de baile con Fred Astaire

Ginger Rogers se convirtió de la noche a la mañana en la mejor pareja de baile de Astaire. Juntos, desde 1933 hasta 1939 hicieron nueve musicales para RKO y dieron un nuevo sentido al musical cinematográfico, introduciendo rutinas de baile envueltos en una excelente elegancia y virtuosismo, componiendo canciones que se convirtieron en éxitos como "Cheek to cheek", "They Can´t Take That Away From Me" o "They All Laughed". Aún hoy en día, la expresión "Fred y Ginger" todavía es referencia de una de las parejas más grandes de la historia del cine.

Croce y John Mueller consideraron en 1933 hacer de Ginger Rogers la pareja perfecta de Astaire, principalmente por su habilidad de combinar sus dotes de baile, su belleza natural y sus excepcionales dotes dramáticas y cómicas. El resultado lo describió a la perfección Katharine Hepburn: "Ella da la sensualidad, él, la clase".

Aunque los números los realizaba Astaire con su ayudante Hermes Pan, ambos reconocieron el mérito de Rogers y pronto dejaron que entrara en el proceso de creación, dando su punto de vista y toque personal a los números. Paradójicamente el público siempre consideró a Rogers mejor bailarina de lo que fue, y a Astaire peor actor de lo que en realidad demostró ser.

De esa prolífica carrera juntos, hay que destacar los grandes números cómicos de "I'll Be Hard To Handle" de Roberta, de (1935), "I'm Putting All My Eggs In One Basket" de Sigamos la flota (Follow the Fleet), de Mark Sandrich (1936) o "Pick Yourself Up" de Swing Time ("En alas de la danza") (1936), de George Stevens. U otros de gran romaticismo como "They Can´t Take That Away From Me" (canción que Fred en la película Ritmo loco (1937) de Mark Sandrich, donde canta a Ginger durante una travesía en ferry).

Tampoco hemos de olvidar sus grandes bailes como "Smoke Gets In Your Eyes" de Roberta (1935) de William A. Seiter, "Cheek To Cheek" de Sombrero de copa (Top Hat) (1935), dirigida por Mark Sandrich o "Let's Face the Music and Dance" de Sigamos la flota (Follow the Fleet) (1936) o "Let´s Call the Whole Thing Off" de "Ritmo loco" en un maravilloso baile en una pista de patinaje neoyorquina. La serie se cerraría con Amanda (Carefree) (1938), de Mark Sandrich y La historia de Irene Castle ( "The story of Vernon and Irene Castle"), de H.C. Potter (1939). Esta separación se debe principalmente a la intención de ambos artistas de seguir creciendo en sus carreras así como un cierto recelo de Rogers hacia el director Mark Sandrich. Al parecer estaba un tanto descontenta porque Sandrich dedicaba toda su atención y sus elogios hacia Astaire, dejándola a ella un tanto de lado.

Aun así, hubo una décima película en la que volvieron a unir sus grandes talentos. Tras una larga etapa sin colaborar, el reencuentro se produjo en Vuelve a mí (1949) ("The barkleys of broadway", de Charles Walters, donde Ginger fue la elegida para sustituir a la malograda Judy Garland, quien había conseguido un gran triunfo junto a Astaire en Desfile de Pascua (1948).

Carrera en solitario

A pesar de su éxito junto a Astaire, la actriz siempre intentó potenciar su carrera en solitario. Logró varios triunfos personales en la comedia de intriga "Estrella de medianoche" (1935) junto a William Powell, "En persona" (1935), "Damas del teatro" (1937) junto a Katharine Hepburn en una de sus mejores interpretaciones no musicales, "Un ardid femenino" (1938) junto a James Stewart o "La muchacha de la quinta avenida" (1939) acompañando a Walter Connolly.

Después de su separación de Astaire, Rogers comentó que no pensaba hacer musicales durante una temporada. Y su primer papel no musical llegó en 1939 donde hizo pareja con David Niven y Charles Coburn en Mamá a la fuerza (Bachelor Mother) de Garson Kanin. Con Espejismo de amor (Kitty Foyle), de Sam Wood, logró el Óscar a la mejor actriz por un papel que, como suele ocurrir, no está entre sus mejores interpretaciones. A partir de ahí, sus ofertas de papeles se multiplicaron y protagonizó películas como "Unidos por la fortuna" (1940) junto a Ronald Colman, El mayor y la menor ("The major and the minor"), debut en Hollywood como director de Billy Wilder (1942) junto a Ray Milland, "Once upon a honeymoon" (1942) junto a Cary Grant, "Compañero de mi vida" (1943) con Robert Ryan, "Te volveré a ver" (1944) con Joseph Cotten y Shirley Temple en un estimable melodrama producido por Selznick, "Fin de semana" (1945) o el remake del clásico "Gran hotel" (1932, Edmund Goulding) con Van Johnson, o la ya citada "Vuelve a mí" en la que el gran productor Arthur Freed los volvió a reunir diez años después.

A partir de la década de 1950, la carrera de Rogers entró en un suave pero firme declive, confirmado en la década siguiente:la frenética y corrosiva "Me siento rejuvenecer" (1952), junto a Cary Grant, Charles Coburn y Marilyn Monroe fue su único gran éxito en esta época, aunque tanto "No estamos casados" (1952) como "Forever Female" (1953)-junto a William Holden- contienen estupendas interpretaciones de la Rogers.

Eternamente relacionada con la figura de Astaire, presentó los Premios Óscar en 1950 y en 1967. En 1992, Rogers recibió un Óscar honorífico por su carrera.

Vida privada

En 1940 Rogers compró un rancho de 1000 acres en Oregón, al que bautizó como 4-R's (por Rogers's Rogue River Ranch). Allí vivió durante 50 años, período en el cual falleció su madre, en 1977. Allá abastecería de leche durante la Segunda Guerra Mundial. Rogers iba a pescar cada día al río Rogue cada verano.

Políticamente, Rogers era del Partido Republicano. De hecho, madre e hija lucharon intensamente a favor del Comité de actividades antiamericanas.

Rogers se casó cinco veces. El primer matrimonio fue con Jack Pepper, el 29 de marzo de 1929, y duró unos pocos meses. En 1934 se casó con su segundo marido Lew Ayres (1908 – 1996), del que se divorció en 1941. Dos años después, contrajo matrimonio con el tercero, Jack Briggs, del que se divorció en 1949.

En 1953 Rogers conoció a su cuarto marido, el abogado Jacques Bergerac, 16 años más joven que ella, y que más tarde se convirtió en actor y ejecutivo de una empresa de cosmética. De él se divorció en 1957. Y en 1961, se casó con su quinto esposo, el director y productor William Marshall del que se separó en 1971.

Rogers pasaría sus últimos veranos en el rancho de Rancho Mirage en California, y los inviernos en Medford (Oregón) hasta su muerte por una angina de pecho, el 25 de abril de 1995. Fue enterrada en el Cementerio Oakwood Memorial Park en Chatsworth (California).

El Craterian Ginger Rogers Theater en Medford fue bautizado en su homenaje.

Filmografía

Trabajos para televisión

Bibliografía

  • Ginger Rogers: Ginger My Story, New York: Harper Collins, 1991
  • Fred Astaire (1986 archive footage), The 100 Greatest Musicals, Channel 4 Television, 2003 [1]
  • Fred Astaire: Steps in Time, 1959, multiple reprints.
  • Arlene Croce: The Fred Astaire and Ginger Rogers Book, Galahad Books 1974, ISBN 0-88365-099-1
  • John Mueller: Astaire Dancing - The Musical Films of Fred Astaire, Knopf 1985, ISBN 0-394-51654-0

 


Mae West

Mae West LAT.jpg

Nombre real Mary Jane West
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Woodhaven, Nueva York, Estados Unidos de América
17 de agosto de 1893
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Hollywood, California, Estados Unidos de América
22 de noviembre de 1980 (87 años)
Ficha en IMDb

Mary Jane West, más conocida por su nombre artístico Mae West (n. Brooklyn, Nueva York, 17 de agosto de 1893 - † Hollywood, Los Ángeles, 22 de noviembre de 1980), fue una llamativa actriz estadounidense, famosa por su actitud provocativa e irreverente. Se la considera como el primer símbolo sexual y mujer fatal de la historia del cine.

Dotada de gran ironía y curvas sinuosas que exhibía en poses lánguidas y provocativas, fue una maestra del doble sentido; apareció en el firmamento cinematográfico escandalizando a los puritanos Estados Unidos de su tiempo. Fue conocida por sus frases picantes, como: «¿Tienes una pistola en el bolsillo o es que te alegras de verme?» y «Cuando soy buena, soy buena; pero cuando soy mala, soy mucho mejor».

Biografía y carrera

Fue hija de un boxeador llamado Jack, un camorrista de origen irlandés, y de una modelo de corsetería llamada Tillie Delker.

Recibió clases de canto y baile en la infancia y debutó en el teatro amateur a los 8 años y a los 14 años se había labrado ya un curriculum como "babyvamp". Cosechó éxitos en Broadway (como Diamond Lil, 1928) y esto le abrió las puertas de Hollywood, fichando inicialmente por la Paramount. Salvó a esta compañía de la bancarrota al recaudar con su primera película en 1932, Night After Night, más de dos millones de dólares en 3 meses.

Era la escenógrafa y guionista de sus interpretaciones y siempre elegía a sus compañeros de reparto, algo que raramente se concedía a las demás actrices. En una de sus películas -She Done Him Wrong (1933), retitulada como Lady Lou para el público español- eligió a Cary Grant cuando éste aún no era conocido.

Tras diez largometrajes, el último en 1943, y cansada de los problemas con la censura (eran los años del Código Hays) se apartó del cine. Años después montó un vistoso show en Las Vegas, con un exuberante vestuario; fiel a su estilo, se rodeaba en el escenario de ocho culturistas casi desnudos.

También se dedicó a realizar algunos trabajos para la radio y la TV británicas. En 1970 y 1978 filmó dos películas más (una de ellas, sobre la transexualidad, Myra Breckinridge, con Raquel Welch) pero indudablemente el contexto no era el mismo y su procacidad ya no tenía vigencia. A pesar de ello (o por ello) sus viejas películas se convirtieron en objeto de culto y la erigieron en una especie de diva del camp.

Falleció en noviembre de 1980 a causa de varias embolias. Su cuerpo reposa en la cripta familiar en Brooklyn.

El pintor español Salvador Dalí la retrató en un famoso cuadro suyo: Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista. West aparece también en la portada del legendario álbum Sargent Pepper's Lonely Hearts Club Band, del grupo británico The Beatles.

El equipo de los pilotos de la RAF durante la Segunda Guerra Mundial, incluía un chaleco salvavidas que debía ser inflado manualmente. Popularmente este chaleco salvavidas se denominaba Mae West, debido a lo prominente que resultaba sobre el pecho, en referencia a los atributos pectorales de la actriz.

Filmografía

Enlaces externos


Vivien Leigh

Vivien Leigh still.jpg

Nombre real Vivian Mary Hartley
Nacimiento Darjeeling, Bengala
Bandera de India Raj Británico
5 de noviembre de 1913
Fallecimiento Londres, Inglaterra
Bandera del Reino Unido Reino Unido
7 de julio de 1967 (53 años)
Ocupación Actriz
Años activo/a 1933-1967
Familia
Cónyuge Herbert Leigh Holman
(1932-1940)

Laurence Olivier
(1940-1960)
Hijo/s Suzanne Farrington
(n. 1933)
Premios
Premios Óscar «Mejor actriz»
1939 Lo que el viento se llevó
1951 Un tranvía llamado deseo
Premios BAFTA «Mejor actriz»
1951
Un tranvía llamado deseo
Premios Tony «Mejor actriz - Musical»
1963
Tovarich
Ficha en IMDb

Vivian Mary Hartley, conocida artísticamente como Vivien Leigh (Darjeeling, India, 5 de noviembre de 1913 - 7 de julio de 1967), fue una actriz de teatro y cine británica. Galardonada con dos premios Óscar, es principalmente recordada por sus papeles como Scarlett O'Hara en Lo que el viento se llevó (1939) y como Blanche DuBois en Un tranvía llamado deseo (1951).

Tras contraer matrimonio con el actor y director Laurence Olivier en 1940, Leigh incursionó activamente en teatro, interpretando roles en obras cómicas de dramaturgos como Noël Coward y George Bernard Shaw y en tragedias de William Shakespeare. Destacó desempeñando los papeles de Ofelia, Cleopatra y Julieta. Su participación en el musical de Broadway Tovarich de 1963 la hizo acreedora de un premio Tony. Transcurrido casi medio siglo desde su fallecimiento, se la sigue considerando una de las cien actrices más bellas de todos los tiempos,1 caracterizada por sus finas facciones y sus imponentes ojos.

Vida y carrera

De familia acomodada asentada en India, era hija del actor Ernest Hartley y una dama, Gertrude, nacida Yackjee, de origen persa [cita requerida]. En 1917, Ernest Hartley se trasladó a Bangalore, mientras que Gertrudis y Vivian se quedaron en Ootacamund. Recibió una espléndida educación e hizo su aparición en escena a los tres años y cuatro meses, recitando "Little Bo Peep" para un grupo de aficionados de teatro ingleses amigos de su madre. Gertrude Hartley la introdujo en la literatura con obras de Hans Christian Andersen, Lewis Carroll y Rudyard Kipling, así como historias de la mitología griega y las leyendas de la India. Hija única, su madre la envió al colegio de monjas del Convento del Sagrado Corazón en Roehampton, Inglaterra en 1920 a la edad de seis años. Aprendió, sobre todo, las maneras de la alta sociedad, el inglés con buen acento oxfordiano, francés e italiano. En el colegio de monjas amistó con la futura Maureen O'Sullivan, algo mayor que ella, a quien expresó una vez su deseo de ser actriz. Sus padres consiguieron que ingresara en la Royal Academy of Dramatic Art (RADA) de Londres.

Se casó con Leigh Holman el 20 de diciembre de 1932 en St. James, una iglesia católica inglesa. Tras su matrimonio, terminó sus estudios en la Royal Academy y el 12 de octubre de 1933 dio a luz a una hija, Suzanne; Vivien se vio abrumada por la vida doméstica, por lo que la niña vivió parte de su vida con su padre; la actriz padecía un trastorno bipolar, nunca asumido, que, andando el tiempo, obligó a someterla ocasionalmente a terapia electroconvulsiva. Sus amigos la recomendaron para un pequeño papel en la película Las cosas están mejorando, su inicio en el mundo del cine. Empezó a destacar en el teatro en el Ambassadors Theatre de Londres con la obra de Henriette Duqesnoy, La Máscara de la Virtud (1935) y su agente John Gliddon, le impuso el nombre artístico Vivien Leigh y la recomendó al productor Alexander Korda.

Primeros años

Desde una edad temprana había demostrado su inclinación por la interpretación, actuando en los diversos montajes teatrales que se organizaban en los distintos colegios a los que asistió y debutó en el teatro en 1934 con la obra The Green Sash y al año siguiente en el cine con Things are looking up. También trabajó como modelo aprendiendo a ocultar un gran defecto: sus grandes manos.

Tras una función en el teatro Lyric conoció a Laurence Olivier, famoso por sus adaptaciones de las obras de Shakespeare, del que se enamoró y con el que también formó pareja artística. Se casaron en 1940 después del divorcio de sus respectivas parejas y tuvieron una sencilla ceremonia en San Ysidro Ranch, Santa Bárbara (California) a la que acudieron sus testigos Katharine Hepburn y Garson Kanin.

Vivien siguió actuando en diversas películas británicas como Un yanki en Oxford (1938) y Callejón sin salida (1938).

Su encuentro con Laurence Olivier

Laurence Olivier conoció a Leigh cuando éste acudió a ver una función de The Mask of Virtue, obra teatral en la cual ella trabajaba. Cuando ambos coincidieron en la película Inglaterra en llamas (1937) comenzaron una relación amorosa, estando en ese momento Olivier aún casado con la también actriz Jill Esmond.

A pesar de su relativa inexperiencia, Leigh fue elegida para interpretar a Ofelia en la adaptación teatral de la obra escrita por William Shakespeare Hamlet, la cual se presentó en Elsinor, Dinamarca. Allí trabajó bajo la dirección de Olivier.2 Posteriormente la actriz apareció junto con Robert Taylor, Lionel Barrymore y Maureen O'Sullivan en A Yank at Oxford (1938); y junto a Charles Laughton en St. Martin's Lane (1938). Estas películas ayudaron al incremento de su popularidad, sobre todo en Estados Unidos.

En 1941, Vivien Leigh y Laurence Olivier protagonizaron la película That Hamilton Woman. Ella personificó a Emma Hamilton, casada con Sir William Hamilton, embajador británico ante el Reino de Nápoles interpretado por Alan Mowbray, y convertida en amante del almirante Horacio Nelson, personificado por Olivier.

Lo que el viento se llevó

La fama mundial le llegó cuando David O. Selznick se fijó en ella para que protagonizara la versión cinematográfica de la novela de Margaret Mitchell Lo que el viento se llevó (1939).

Inicialmente Leigh no fue barajada para el papel de Scarlett O'Hara pues no era una actriz popular en los Estados Unidos. Hizo una audición en Hollywood y fue elegida de entre un grupo de grandes estrellas como Lucille Ball, Carole Lombard (la esposa de Clark Gable), Paulette Goddard (quien ya tenía el papel casi seguro), Jean Arthur, Joan Bennett, Bette Davis (quien rechazó el papel por haber hecho un año antes Jezabel) y Katharine Hepburn. Parece que Vivien obtuvo el papel gracias a George Cukor, quien iba a dirigir la película hasta que fue sustituido por Victor Fleming.

Se cuenta que Cukor fue apartado del proyecto por orden de Clark Gable, quien se sentía incómodo porque Cukor conocía ciertos detalles comprometedores de su pasado.[cita requerida]

Durante años corrió el falso rumor de que en el set Vivien no se sentía cómoda ya que Clark Gable y ella no se llevaban bien y siempre discutían por la halitosis que este se propiciaba para desagradar a la actriz.[cita requerida]

Olivia de Havilland, la única actriz que aún vive de los actores principales, la recuerda como «una mujer muy dulce y profesional» refiriéndose a que Vivien que era inglesa tuvo que aprender el acento sureño.

Su actuación inolvidable como Scarlett O'Hara la catapultó a la fama mundial haciendo de ella una de las actrices más reconocidas de todos los tiempos tras Bette Davis y Katharine Hepburn. Esa interpretación le valió un premio Óscar de la Academia.

Un tranvía llamado deseo

A pesar del éxito que le proporcionó este título, Vivien seguiría prefiriendo el teatro al cine, y en las posteriores décadas sólo participó en contadas películas, entre las que destaca Un tranvía llamado deseo (1951), realizada a partir de la obra homónima de Tennessee Williams. Por esa actuación obtuvo su segundo Óscar.

En 1951, Leigh y Olivier actuaron juntos en las obras teatrales Antony and Cleopatra de William Shakespeare y César y Cleopatra, de George Bernard Shaw, ambas inspiradas en algunos aspectos de la vida Cleopatra VII. Las actuaciones de ambos recibieron buenas críticas de muchas fuentes. En 1952 se presentaron con ambas obras en la ciudad de Nueva York, en el teatro Ziegfeld, donde recibieron críticas aún más positivas en comparación de las que cosecharon el año anterior en Londres. Sin embrago, el crítico neoyorquino Kenneth Tynan señaló que el desempeño actoral de Leigh era mucho inferior al de Olivier.3

En enero de 1953 la actriz se trasladó a Sri Lanka para filmar allí la película Elephant Walk junto a Peter Finch. Poco después del inicio del rodaje sufrió una descompensación, por lo que la empresa productora de la película (Paramount Pictures) la reemplazó por su colega Elizabeth Taylor.

Sus últimos años

 

Actuó en Broadway en Tovarich (1963) que le valió su primer premio Tony a la mejor actriz principal en un musical. Pero su precario estado de salud le impedía desarrollar su carrera con normalidad, y las tormentosas relaciones con su marido, Laurence Olivier, tampoco ayudaron a Vivien. Terminaron divorciándose en 1960 y ella se instaló a vivir junto al también actor John Merivale.

Después de un tiempo Vivien acudió al médico, quien le diagnosticó una recidiva de la tuberculosis de la que años antes se había curado. Se le prohibió actuar y exponerse a los cambios de clima.

En su reposo, Vivien comenzó a preparar su vuelta a los escenarios, regreso que jamás pudo cumplir.

Muerte

Después de una larga agonía prolongada a causa de una avanzada tuberculosis, Leigh fallecía la noche del 7 de julio de 1967. Tras arreglar sus flores y atender a sus amigos, cansada, se retiró a su cuarto. Tenía tan sólo 53 años. Fue hallada muerta en la habitación de su apartamento londinense en el 54 Eaton Square por su entonces pareja sentimental John Merivale, quien rápidamente llamó a Laurence Olivier. Éste —según los artículos de la época— fue el más afectado por la muerte de Leigh.

Laurence Olivier se encontraba ingresado en el hospital, pero al ser avisado de la noticia pidió el alta voluntaria y acudió inmediatamente al lado de Vivien. Él mismo relata en sus memorias que permaneció junto a ella a solas «pidiéndose perdón por todo el daño que se habían hecho». Siempre la recordaría como el gran amor de su vida. Desde que se casó con sir Laurence Olivier hasta su muerte nunca se quitó el título de Lady Olivier.

La sobreviven su hija, nietos y bisnietos, que permanecen en el anonimato.

Premios

Óscar

Año Categoría Película Resultado
1939 Mejor actriz Lo que el viento se llevó Ganadora
1951 Mejor actriz Un tranvía llamado deseo Ganadora

BAFTA

Año Categoría Película Resultado
1951 Mejor actriz británica Un tranvía llamado deseo Ganadora

Globo de Oro

Año Categoría Película Resultado
1951 Mejor actriz - Drama Un tranvía llamado deseo Candidata

 


Lillian Gish

Lillian Gish-edit1.jpg

Nombre real Lillian Diana de Giche
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Springfield, Ohio, EE. UU.
14 de octubre de 1893
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Nueva York, Nueva York, EE. UU.
27 de febrero de 1993 (99 años)
Ficha en IMDb

Lillian Diana de Giche (14 de octubre de 1893 - 27 de febrero de 1993), actriz estadounidense nacida en Springfield, Ohio y fallecida en Nueva York. Fue una de las grandes estrellas femeninas con más poder de la época muda de Hollywood.

Biografía

Hija de Mary Robinson McConnell y James Leigh Gish, Lillian Diana de Giche comenzó a trabajar como modelo junto a su hermana menor, Dorothy, después de que el padre, que sufría de alcoholismo, abandonase a la familia dejándola en una precaria situación. En 1899, con apenas seis años, Lillian empezó a actuar en el teatro, y estaría sobre el escenario, siempre junto a su hermana, hasta 1912. Fue en esa fecha cuando la joven Lillian conoció a David Wark Griffith gracias a la relación de las hermanas con la estrella en ciernes Mary Pickford.

Griffith quedó impresionado por el talento de las dos hermanas, especialmente por el de Lillian. An Unseen Enemy fue la primera película de Lillian a las órdenes del director, a la que seguirían doce más tan sólo en ese año. La fama definitiva, sin embargo, llegó tres años después, con El nacimiento de una nación.

Pronto Lillian fue catalogada como una de las grandes heroínas de la pantalla, y en 1920 hizo su debut como directora en Remodeling Her Husband, en la que su hermana Dorothy era protagonista. Se comentaba por aquel entonces la posibilidad de una relación amorosa con Griffith, que en realidad jamás existió. De hecho, las relaciones de la actriz siempre se mantendrían en un respetuoso silencio, al margen de su conocido affaire con el productor Charles Duell, con quien estuvo prometida, el actor Robert Harron y el editor George Jean Nathan. Lillian nunca se casó.

Cuando en 1926 firmó un contrato con la MGM, consiguió ser una de las pocas actrices con poder sobre las cámaras y el director. A la llegada del sonoro, su convencimiento de que esta nueva técnica jamás triunfaría la alejó del cine y le hizo volver al teatro, aunque pronto -tras la muerte de David Wark Griffith, a quien ayudó económicamente en sus últimos años de vida, cuando había sido relegado del mundo del cine- reaparecería en el celuloide. En 1946, su papel como Laura Belle McCanles en Duel in the Sun le haría merecedora de una nominación al premio Óscar como mejor actriz secundaria. En algunas de sus apariciones públicas en su vejez, a los 87 años se puede destacar su presencia al presentar el Premio Oscar a la Mejor Película del año en la 53ª Ceremonia de dichos premios, el público asistente la ovacionó.

No lo consiguió en aquel momento, pero su total dedicación le valió un Óscar honorífico en 1971, tres años después de la muerte de su hermana Dorothy. Dieciséis años después, a la edad de 93 años, Lillian protagonizó su última película, Las Ballenas de Agosto junto a Bette Davis.

Murió en 1993, pocos meses antes de cumplir cien años.

Filmografía

Cine mudo

  • An Unseen Enemy (1912)
  • Two Daughters of Eve (1912)
  • In the Aisles of the Wild (1912)
  • The One She Loved (1912)
  • The Painted Lady (1912)
  • The Musketeers of Pig Alley (1912)
  • Gold and Glitter (1912)
  • My Baby (1912)
  • The Informer (1912)
  • The New York Hat (1912)
  • The Burglar’s Dilemma (1912)
  • A Cry for Help (1912)
  • Oil and Water (1913)
  • The Unwelcome Guest (1913)
  • A Misunderstood Boy (1913)
  • The Left-Handed Man (1913)
  • The Lady and the Mouse (1913)
  • A Timely Interception (1913)
  • The House of Darkness (1913)
  • Just Gold (1913)
  • The Mothering Heart (1913)
  • During the Round-Up (1913)
  • An Indian’s Loyalty (1913)
  • A Woman in the Ultimate (1913)
  • A Modest Hero (1913)
  • So Runs the Way (1913)
  • The Madonna of the Storm (1913)
  • The Blue or the Gray (1913)
  • The Conscience of Hassan Bey (1913)
  • Just Kids (1913)
  • The Stolen Bride (1913)
  • Judith of Bethulia (1914)
  • The Battle at Elderbush Gulch (1914)
  • The Green-Eyed Devil (1914)
  • The Hunchback (1914)
  • The Quicksands (1914)
  • The Battle of the Sexes (1914)
  • Silent Sandy (1914)
  • The Rebellion of Kitty Belle (1914)
  • Man’s Enemy (1914)
  • The Angel of Contention (1914)
  • The Tear That Burned (1914)
  • The Folly of Anne (1914)
  • Men and Women (1914)
  • The Sisters (1914)
  • Home Sweet Home (1914)
  • The Escape (1914)
  • Lord Chumley (1914)
  • The Birth of a Nation (El nacimiento de una nación) (1915)
  • His Lesson (1915)
  • The Lost House (1915)
  • Enoch Arden (1915)
  • Captain Macklin (1915)
  • The Lily and the Rose (1915)
  • Pathways of Life (1916)
  • Daphne and the Pirate (1916)
  • Sold for Marriage (1916)
  • An Innocent Magdalene (1916)
  • Intolerance (Intolerancia) (1916)
  • Diane of the Follies (1916)
  • The Children Pay (1916)
  • A House Built Upon Sand (1916)
  • Souls Triumphant (1917)
  • Hearts of the World (1918)
  • The Great Love (1918)
  • Liberty Bond (1918)
  • United States Fourth Liberty Loan Drive (1918)
  • Canadian Victory Loan Drive (1918)
  • The Greatest Thing in Life (1918)
  • A Romance of Happy Valley (1919)
  • Broken Blossoms (Lirios rotos) (1919)
  • True Heart Susie (1919)
  • The Greatest Question (1919)
  • Way Down East (1920)
  • Orphans of the Storm (1921)
  • The White Sister (1923)
  • Romola (1924)
  • Ben-Hur: A Tale of the Christ (1925) (uncredited extra)
  • La Bohème (1926)
  • The Scarlet Letter (1926)
  • Annie Laurie (1927)
  • The Enemy (1927)
  • The Wind (1928)

Cine sonoro

  • One Romantic Night (aka The Swan) (1930)
  • His Double Life (1933)
  • Commandos Strike at Dawn (1942)
  • Top Man (aka Man of The Family) (1943)
  • Miss Susie Slagle's (1946)
  • Duel in the Sun (Duelo al sol) (1946)
  • Portrait of Jennie (aka Tidal Wave) (1948)
  • The Trip to Bountiful (1953) (TV)
  • Film Fun (1955) (uncredited)
  • The Cobweb (1955)
  • The Night of the Hunter (La noche del cazador) (1955)
  • Orders to Kill (1958)
  • The Unforgiven (Los que no perdonan) (1960)
  • Follow Me, Boys! (1966)
  • Warning Shot (1967)
  • The Comedians (1967)
  • Arsenic and Old Lace (1969) (TV)
  • Twin Detectives (1976) (TV)
  • Sparrow (1978) (TV)
  • A Wedding (1978)
  • Thin Ice (1981) (TV)
  • Hobson's Choice (1983) (TV)
  • Hambone and Hillie (1984)
  • Adventures of Huckleberry Finn (1985) (TV)
  • Sweet Liberty (Dulce libertad) (1986)
  • The Whales of August (1987)

Citas

  • "¡Al menos no tuve que perder ante Cher!" - Al ser preguntada por la, para muchos, inexplicable ausencia de nominaciones por su última película, Las Ballenas de Agosto, el año en que Cher logró el Óscar a la mejor actriz.
  • "Lionel Barrymore actuó conmigo, primero como mi abuelo, luego como mi padre y, al final, como mi marido. Si no hubiera muerto, estoy segura de que hubiera tenido que actuar como su madre. Así es en Hollywood : los hombres rejuvenecen, las mujeres envejecemos"
  • "Esas pequeñas vírgenes, te hartabas de ellas a los cinco minutos. Era un trabajo duro hacerlas más interesantes" - Sobre los papeles de 'vírgenes', mujeres ingenuas y sumisas en que solía encasillársele.
  • "El matrimonio es un negocio. Yo elegí el negocio del cine antes que el del matrimonio"

Curiosidades

  • Es la actriz con la carrera cinematográfica más larga de la historia hasta el momento, 75 años.
  • Descendiente, por línea materna, de Zachary Taylor.
  • Amiga en la infancia de Mary Pickford.
  • El primer álbum de los Smashing Pumpkins se llamó "Gish", en su honor.
  • En 1988 hizo una pequeña participación en la grabación integral discográfica de Show Boat como "Dame on the levee" dirigida por John McGlinn.

Enlaces externos


Shirley Temple

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Nombre real Shirley Jane Temple
Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Santa Mónica, California, Estados Unidos
23 de abril de 1928 (85 años)
Apodo(s) Shirley Temple Black
Ocupación Actriz y diplomática
Años activo/a 1932-1935
Características físicas
Estatura 1,57 m.
Familia
Cónyuge John George Agar (1945-1950)
Charles Alden Black (1950-2005)
Hijo/s Linda Susan Agar
Charles Alden Black, Jr.

Lori Alden Black
Premios
Premios Óscar Premio Juvenil de la Academia (1934)
[https://ShirleyTemple.com Sitio oficial]
Ficha en IMDb

Shirley Jane Temple (23 de abril de 1928) es una actriz y diplomática estadounidense. Protagonizó más de 40 películas de cine, la mayor parte como actriz infantil durante los años 1930.

Biografía

Carrera

Nadie sabe cuando Shirley Temple comenzó a hacer películas ya que los Estudios FOX hicieron un certificado de nacimiento falso. Entre finales de 1931 y 1933 apareció en dos series de cortos para Educational Pictures. Su primera serie, Baby Burlesks, satirizaron las películas y política recientes. La series fueron consideradas polémicas por algunos telespectadores por su representación de niños pequeños en situaciones adultas. Su segunda serie en Educational, Frolics of Youth, fue un poco más aceptable e hizo el papel de una irritante hermana menor en una familia suburbana contemporánea.

Mientras trabajaba para Educational Pictures, Temple también interpretó muchos papeles de figurante en diferentes películas. Finalmente firmó con Fox Film Corporation (que más tarde se fusionó con 20th Century Pictures para convertirse en 20th Century Fox) a finales de 1933 después de aparecer en Stand Up and Cheer! con James Dunn. Más tarde, hizo pareja en el cine con Dunn en varias películas.

Temple estaría con Fox hasta 1940, convirtiéndose en la actriz más lucrativa para el estudio. Su contrato fue corregido varias veces entre 1933 y 1935, y fue prestada a Paramount para un par de películas exitosas en 1934. Durante cuatro años sólidos, figuró como la estrella más taquillera de Estados Unidos. Para mantenerla en su infancia, el certificado de nacimiento de Shirley había sido alterado. Sólo en su duodécimo cumpleaños se dio cuenta de que tenía de hecho trece.1

Su popularidad ganó tanto su adulación pública como la aprobación de sus colegas. Incluso con cinco años, el sello de sus actuaciones era su profesionalismo: siempre tenía sus frases memorizadas y sus pasos de baile preparados cuando el rodaje comenzaba. Fue la primera receptora del Premio Oscar especial al Intérprete Juvenil en 1935. Setenta años más tarde, Temple es aún la intérprete más joven de toda la historia del cine en recibir este honor. Es también la actriz más joven en añadir las huellas de pies y manos en el exterior del Grauman's Chinese Theatre.

Temple también hizo películas con Carole Lombard, Gary Cooper, Adolphe Menjou y muchos otros. Arthur Treacher apareció como un bondadoso mayordomo en varias películas de Temple.

La capacidad de Temple como bailarina (especialmente como bailarina de claqué) es bien conocida y célebre. Incluso en sus primeras películas bailó y era capaz de hacer coreografías complejas de claqué con cinco años. Fue emparejada con el famoso bailarín Bill "Bojangles" Robinson en The Little Colonel, The Littlest Rebel, Rebecca of Sunnybrook Farm y Just Around the Corner. Robinson también preparó y desarrolló su coreografía para muchas de sus otras películas. Como Robinson era afroamericano, sus escenas cogiendo las manos de Temple tuvieron que ser suprimidas en muchas ciudades del Sur.

Aparte de las películas, hubo muchos productos promocionales de Shirley Temple durante los años 1930. Numerosas muñecas de Temple, vestidas con trajes de las películas, fueron muy vendidas. Otros artículos exitosos de Temple incluían una línea de vestidos de chica y lazos de pelo. Varias canciones de las películas de Temple, incluyendo "On the Good Ship Lollipop" (de Bright Eyes de 1934), "Animal Crackers in My Soup" (de Curly Top de 1935) y "Goodnight My Love" (de Stowaway 1936) fueron populares éxitos de radio. Frecuentemente prestó su imagen y talento para promover varias causas sociales, incluyendo la Cruz Roja.

El papel de Dorothy en El Mago de Oz fue originalmente pensado para Judy Garland. Sin embargo, los ejecutivos de MGM estaban preocupados con el interés taquillero de Garland. Temple fue considerada para el papel, no obstante, no pudo aparecer en la película cuando un acuerdo entre Fox y MGM fracasó. También se rumoreó ser la inspiración para Bonnie Blue Butler en Lo que el viento se llevó y fue una de las primeras competidoras para el papel en la película, pero era demasiado mayor cuando comenzó a producirse la película.

En 1940, Temple dejó la Fox. Combinó las clases en Westlake School for Girls con películas para varios estudios, incluyendo MGM y Paramount. Sus películas más exitosas de ese momento fueron Since You Went Away con Claudette Colbert, The Bachelor and the Bobby-Soxer con Cary Grant y Fort Apache. Se retiró del cine en 1949.

En los años 1950 y 1960, hizo un breve retorno al negocio del espectáculo con dos series de televisión. Shirley Temple's Storybook se estrenó en la NBC el 12 de enero de 1958 y su última emisión fue el 1 de diciembre de 1959. Shirley Temple Theatre -también conocido como The Shirley Temple Show- se estrenó en la NBC el 11 de septiembre de 1960 y su última emisión fue el 10 de septiembre de 1961. Ambos programas mostraban adaptaciones de cuentos de hadas y otros cuentos orientados a la familia. Shirley Temple fue la presentadora y esporádica narradora/actriz en ambas series.

Familia y carrera como Shirley Temple Black

 

Con 17 años, Temple se casó con el soldado convertido en actor John Agar (19212002) el 19 de septiembre de 1945. Tuvieron una hija, Linda Susan Agar (más tarde conocida como Susan Black) nacida el 20 de enero de 1948. Temple presentó una demanda de divorcio a finales de 1949 siendo el divorcio efectivo el 5 de diciembre de 1950. A principios de 1950, mientras estaba de vacaciones en Hawaii, Shirley conoció y se enamoró del hombre de negocios californiano Charles Alden Black (19192005) y se casaron el 16 de diciembre de 1950. Juntos tuvieron dos hijos: Charles Alden Black Jr. nacido el 29 de abril de 1952 y Lori Black nacida el 9 de abril de 1954. Permanecieron casados hasta la muerte de él de un síndrome mielodisplásico con 86 años el 4 de agosto de 2005.

Black posteriormente se involucró en la política del Partido Republicano, entrando sin éxito en la carrera congresional de 1967 en una plataforma pro-guerra. Continuó consiguiendo varios puestos diplomáticos, sirviendo como delegada de Estados Unidos en muchas conferencias y cumbres internacionales. Fue nombrada delegada de las Naciones Unidas por el Presidente Richard M. Nixon en 1969. Fue nombrada embajadora estadounidense en Ghana (197476). En 1976, se convirtió en la primera mujer Jefa de Protocolo de los Estados Unidos que puso a su cargo todas las ceremonias, visitas y regalos del Departamento de Estado a líderes extranjeros y la coordinación de temas de protocolo con todas las embajadas y consulados de Estados Unidos. Fue embajadora en Checoslovaquia (198992) y fue testigo de la Revolución de Terciopelo, sobre la que comentó, "Ese fue el mejor trabajo que tuve en toda mi vida." En 1987 fue nombrada la primera funcionaria honoraria del servicio extranjero en la historia de Estados Unidos por el entonces Secretario de Estado, George Schultz.

Black apareció en la portada de la revista People en 1999 con el título "Picture Perfect" y más tarde ese mismo año como parte de su informe especial, "Sobreviviendo al cáncer de mama". Apareció en los Oscar 1997 y también en ese mismo año recibió un Premio Kennedy.

Black sirvió en la junta directiva de algunas grandes empresas incluyendo The Walt Disney Company (1974–75), Del Monte, Bancal Tri-State y Fireman's Fund Insurance. Sus nombramientos en las juntas de organizaciones sin ánimo de lucro incluyeron el Institute for International Studies en la Universidad de Stanford, el Council on Foreign Relations, el Council of American Ambassadors, el World Affairs Council, la Comisión de Estados Unidos para la Unesco, el National Committee on US-China Relations, la Asociación de las Naciones Unidas y el US Citizen's Space TaskForce.

Recibió doctorados honorarios de la Universidad de Santa Clara y la Lehigh University, una Beca de College of Notre Dame y un Chubb Fellowship de la Universidad de Yale. Black ahora vive en Woodside, California.

Actividad reciente

En 2001, sirvió como asesora para la producción de la red de televisión ABC Child Star: The Shirley Temple Story, basada en la primera parte de su autobiografía.

En 2004, se unió con Legend Films para restaurar, colorear y publicar su primeras películas en blanco y negro, así como episodios de sus series de televisión de 1960, The Shirley Temple Storybook Collection.

El Sindicato de Actores (SAG) anunció el 12 de septiembre de 2005, que ella iba a recibir el honor más pretigioso del Guild, el Lifetime Achievement Award. La Presidenta del SAG Melissa Gilbert dijo:

"No puedo pensar en nadie que merezcan más el premio del SAG Life Achievement de este año que Shirley Temple Black. Sus contribuciones a la industria del entretenimiento no tienen precedente; sus contribuciones al mundo no son menos inspiradoras. Ella ha vivido la vida más extraordinaria, como la brillante intérprete que el mundo llegó a conocer cuando sólo era una niña, a la dedicada servidora pública que ha servido a su país tanto en casa como fuera durante 30 años. En todo lo que ha hecho y cumplido, Shirley Temple Black ha demostrado una gracia, talento y determinación poco común, sin mencionar la compasión y coraje. De niña, estaba encantada de bailar y cantar sus películas y más recientemente como presidenta del gremio he tenido el orgullo de trabajar junto a ella, como amiga y colega, en servicio a nuestra unión. Ha sido una indeleble influencia en mi vida. Fue mi ídolo cuando era una niña y sigue siendo mi ídolo hoy en día".2

Shirley Jane Temple Black tiene actualmente 84 años. Mide 1,57 m. Su marido murió el 4 de agosto de 2005 de enfermedad de la médula ósea.

Premios

Oscar

Año Categoría Película Resultado
1934 Premio Juvenil de la Academia Ganadora

Filmografía

 


Rita Hayworth

Rita Hayworth-publicity.JPG

Nombre real

Margarita Carmen Cansino Hayworth

Nacimiento Bandera de los Estados Unidos Nueva York, Estados Unidos
17 de octubre de 1918
Fallecimiento Bandera de los Estados Unidos Manhattan, Nueva York, Estados Unidos
14 de mayo de 1987 (68 años)
Familia
Cónyuge Edward C. Judson (1937–1942)
Orson Welles (1943–1948)
Príncipe Alí Khan (1949–1953)
Dick Haymes (1953–1955)
James Hill (1958–1961)
Hijo/s Yasmin Aga Khan
Rebecca Welles
Ficha en IMDb

Margarita Carmen Cansino (Nueva York, 17 de octubre de 1918Nueva York, 14 de mayo de 1987), más conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth, fue una de las actrices más emblemáticas de la época dorada del cine estadounidense. Además de ser símbolo sexual indiscutible de la década de 1940, ocupa el puesto 19º en la lista de las grandes estrellas del Séptimo Arte.

Biografía

Nació en Nueva York, hija de emigrantes: su padre era el bailarín español Eduardo Cansino, natural de Castilleja de la Cuesta (provincia de Sevilla, en España), pero nacido en el seno de una familia originaria de Paradas (provincia de Sevilla), y su madre era Volga Hayworth, una bailarina de los Ziegfeld Follies, de origen irlandés e inglés.1 Su padre era pariente del escritor Rafael Cansinos Assens (traductor al castellano de las obras completas de Goethe, Balzac, Tolstoi y Dostoievski, entre otros), quien descubrió sus orígenes judíos sefardíes.

Rita empezó su carrera como bailarina junto a su padre, con su nombre real, a la temprana edad de 13 años.

Llegó a Hollywood en 1933 como miembro del Spanish Ballet y pudo empezar a filmar gracias a la ayuda del eximio compositor José Iturbi y a las influencias del diplomático español en Estados Unidos, Lázaro Bartolomé y López de Queralta (conocido como Lázaro Bartolomé Queralt).2 Desde 1935 participó como actriz en papeles secundarios, realizando muchas películas de serie B en las que sobre todo destacó por sus dotes para la danza y por su elegante aspecto. De esta etapa destaca la película Charlie Chan en Egipto (1937), de Louis King, película perteneciente a la saga dedicada al célebre detective oriental, en la que trabajó junto a Warner Oland, que encarnaba a Chan.

Fue su marido, por aquel entonces Edward Judson, quien la lanzó al estrellato, convirtiéndola en su mejor inversión personal. Judson le consiguió un contrato con Columbia Pictures, productora que necesitaba de estrellas importantes y a quien la actriz acabaría colocando entre las primeras compañías cinematográficas, reportándole a la empresa millonarios ingresos sólo con su presencia. «Rita Hayworth es la Columbia», dijo Frank Sinatra. Para entonces, Harry Cohn, magnate de la productora, se enamoró de ella. La presión y las disputas por este motivo entre la actriz y el productor, darían mucho que hablar entre los profesionales de la industria, y él estuvo toda la vida obsesionado con ella, quien no respondió nunca a sus requerimientos amorosos.

Su primer papel importante fue como actriz secundaria en la película: Sólo los ángeles tienen alas (1939), de Howard Hawks, lo que hizo que la crítica cinematográfica se empezara a fijar en ella. Ella poseía una personalidad tímida y bondadosa, que contrastaba con su fuerza y enorme impacto en la pantalla; en este film, compartió cartel con Cary Grant, Jean Arthur y Thomas Mitchell. Luego rodó una comedia junto a Brian Aherne: Una dama en cuestión (1940), de Charles Vidor.

Rita ingresó triunfante en la Twenty Century Fox (compañía que años atrás la había rechazado), reclamada por el director Rouben Mamoulian, para interpretar a Doña Sol en la superproducción basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez, Sangre y arena (1941), junto a Tyrone Power y Linda Darnell. Esta película significó su lanzamiento como sex symbol indiscutible durante toda una década. Su carrera la convirtió en una de las grandes estrellas de su época y en la actriz mejor pagada del cine.

Luego intervino en dos comedias musicales de amplio eco popular, junto a Fred Astaire: Desde aquel beso (1941), de Sidney Lamfield, y Bailando nace el amor (1942), de William A. Seiter. Estos éxitos y su talento la llevaron a protagonizar un musical ya clásico, Las modelos (1944), de Charles Vidor, junto a Gene Kelly y Phil Silvers, filme innovador en su día, al trasladar los números de baile de salón a ambientaciones callejeras. En esa época rodó The Strawberry Blonde (1941), de Raoul Walsh, junto a James Cagney y Olivia de Havilland; Mi mujer favorita (1942), de Irving Cummings una cinta de corte biográfico junto a Victor Mature y Carole Landis; y Esta noche y todas las noches (1945), de Victor Saville, un musical que fluctúa entre la comedia y el drama de tono menor, junto a Lee Bowman y Janet Blair.

Gilda

 

No obstante, su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946), de Charles Vidor, una de las grandes películas del cine negro, en la que Rita protagoniza dos escenas ya míticas: primero una sugerente interpretación musical de "Put the blame on Mame", con un striptease tan explosivo como breve (se quita un guante), y después una bofetada. Estas dos imágenes fueron consideradas demasiado atrevidas en algunos países, que censuraron el filme, que a pesar de ello consiguió récords de taquilla en todo el mundo. La bofetada se convertiría en la más famosa de la historia del cine estadounidense; se la propinó a Rita su pareja en el film, Glenn Ford, y aunque ahora se cuestiona como ejemplo de machismo, hay que aclarar que en una escena previa Rita había golpeado igualmente a Glenn Ford.

La película fue un escándalo, y en países como España fue considerada "gravemente peligrosa" por la Iglesia Católica, debido a la famosa escena musical donde se quita un guante. Esta película la hizo inmensamente famosa, hasta el punto de que se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada por Estados Unidos sobre las Islas Bikini. Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó profundamente. También ocasionó una histérica expedición a la Cordillera de los Andes, a fin de enterrar allí una copia de la película, para que se conservase en caso de un desastre nuclear.

Este momento de fama internacional también coincide con una de sus crisis en lo personal: su matrimonio con Orson Welles entró en crisis, y ella declaró a la prensa una frase que se haría célebre: «Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo».

La suerte profesional parece ir en racha, y en 1947 rueda junto a su marido, el director Orson Welles, un filme que fue en su día maldito, pero que resultó de enorme trascendencia: La dama de Shanghái.

La película no tuvo mucho éxito comercial porque Welles le cortó el pelo, la tiñó de rubio platino, le dio un papel de arpía y la mató al final de la película, cosa que no gustó mucho a su público. Sin embargo, forma parte de la mitología del cine por su narrativa, estilística y ritmo, y Rita Hayworth declaró años después que «sabía que estábamos haciendo un clásico mientras la rodábamos».

Gilda, el papel más importante de su carrera, fue también el que marcó el inicio de su declive como estrella de Hollywood, ya que nunca consiguió el mismo éxito como símbolo sexual en ninguna de sus películas posteriores. Sin embargo, fue y es la película que la convirtió en una actriz inolvidable: «Nunca hubo una mujer como Gilda», era el eslogan de la película.

 

Otros títulos destacados de su filmografía son Los amores de Carmen (1948) y La dama de Trinidad (1952), que no lograron reeditar el éxito de Gilda, pese a repetir pareja protagonista con Glenn Ford (para el escritor y cinéfilo Terenci Moix, Rita fue la mejor 'Carmen' del cine); Salomé (1953), de William Dieterle, recreando la historia bíblica, junto a Stewart Granger y Charles Laughton; La bella del Pacífico (1953), de Curtis Bernhardt, nueva versión de un clásico de William Somerset Maugham ya adaptado para el cine en la década de 1920; Pal Joey (1957), que fue su último musical, rotundo triunfo de la actriz en su madurez física e interpretativa, que incluye un número que ha pasado a la historia del género; Fuego escondido (1957), de Robert Parrish, junto a Robert Mitchum y Jack Lemmon; y Mesas separadas (1958), de Delbert Mann, junto a Burt Lancaster, Deborah Kerr, Wendy Hiller y David Niven.

Rita nunca fue nominada a los premios Oscar, pero asistió a la 36ª ceremonia de dichos premios, para entregar el premio a la mejor dirección en 1964, antes de que en esa década empezara a tener problemas de memoria.

Durante la década de 1960 y principios de la de 1970 trabajó en producciones modestas, de serie B, y en algunas coproducciones europeas, mostrando su declive físico e intelectual, ya que comenzaba a mostrar síntomas de la Enfermedad de Alzheimer, que le impedía memorizar bien los guiones.

En este ínterin se retiró a Argentina unos años, más específicamente a la ciudad de Puerto Madryn, la cual le había sido recomendada por el aire marítimo y el clima patagónico. Éste se consideraba en aquellas épocas beneficioso para detener el avance de la enfermedad mental que la acosaba. [cita requerida]

De esta última etapa destacan tres títulos: El fabuloso mundo del circo (1964) de Henry Hathaway, junto a John Wayne y Claudia Cardinale; El aventurero (1967), de Terence Young, junto a Anthony Quinn; y La ira de Dios (1972), de Ralph Nelson), que fue su última interpretación en la gran pantalla.

Rita Hayworth cayó en un semicoma en febrero de 1987. Murió unos meses más tarde, el 14 de mayo de 1987, a los 68 años de edad a causa de la enfermedad de Alzheimer en su apartamento de Manhattan. Un servicio fúnebre para Hayworth se llevó a cabo el 19 de mayo de 1987, en la Iglesia del Buen Pastor, en Beverly Hills. Los portadores del féretro incluidos los actores Ricardo Montalbán, Glenn Ford, Don Ameche y coreógrafo Hermes Pan. Fue enterrada en el cementerio de Santa Cruz, Culver City.

Vida privada

Se casó cinco veces: con Edward Judson, con Orson Welles (con quien tuvo a su hija Rebecca), con el príncipe Ali Khan (con quien tuvo a su hija Yasmín Aga Khan), con el también actor Dick Haymes y con el director James Hill.

  • Para trabajar en el cine tuvo que someterse a dietas, y mediante electrodepilación se le amplió la frente y se acentuó el pico del pelo.
  • A los cincuenta años empezó a enfermar de alzheimer. Algo que, al no estar diagnosticado por aquel entonces, se confundió con el alcoholismo. Falleció a los 68 años (1987), víctima de esta enfermedad que se le tardó veinte años en diagnosticar. Está enterrada en el Cementerio de Holy Cross (California).
  • Está considerada una de las estrellas indiscutibles del cine. Una mujer de mucha belleza e instinto para la interpretación, con una personalidad y una profundidad que trascendió su trabajo y que, como afirmó el director George Cukor, consiguió que sus fans se interesasen por la persona más que por sus personajes.
  • Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Exactamente en el 1645 de Vine Street.

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